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Kunstwerke haben im Laufe der Jahrhunderte viele Funktionsansprüche erfüllen müssen, Ihre ästhetische Autonomie konnte die Kunst erst vor etwa zweihundert Jahren mit der Entwicklung der Museen beanspruchen. In der Auseinandersetzung mit der religiösen, der politischen, der ästhetischen und der abbildenden Funktion von Kunstwerken wird deutlich, dass die Grenzen zwischen angewandter und freier Kunst fließend sind. Die wesentliche Aufgabe beispielsweise eines mittelalterlichen Altarbildes oder eines absolutistischen Herrscherportraits lag in der visuellen Kommunikation religiöser und politischer Inhalte. Diese waren für das Publikum – unabhängig vom "Kunstgehalt“ – auf der Basis von tradierten Symbolen, Typen und Gattungen ablesbar. Wie aber lässt sich die entsprechende Ikonografie entschlüsseln? Welche visuellen Kommunikationsstrategien liegen ihr zu Grunde? Handelt es sich bei einer Druckgrafik Albrecht Dürers zum Bauernkrieg um ein Kunstwerk oder um ein politisches Flugblatt? Mit Louis Sullivans Credo "form follows function“ (1896), William Morris' "Arts and Crafts“-Bewegung oder der Ausdehnung des Jugendstils auf Kunst, Architektur und Gebrauchsgegenstände werden die Differenzierung zwischen Kunst und Alltagsgestaltung aufgehoben. Mit der Entgrenzung der Kunst in das Leben, wie es Sonja Delaunay-Terk, de Stijl oder der russische Konstruktivismus im frühen 20. Jahrhundert forderte, wird schließlich das "Ende der Kunst“ beschworen und die Gestaltung des Lebens und damit auch das Design als neue Kunstform gefeiert. Hannah Höch wiederum gestaltet aus Alltagsmedien Kollagen und Marcel Duchamp erklärt trivial-funktionale Industrieprodukte wie einen Flaschentrockner zur Kunst. Beuys sieht schließlich in der sozialen Plastik eine Möglichkeit, die Gesellschaft selbst zu gestalten, und im Artivismus des 21. Jahrhunderts werden politisch motivierte Aktionen als Kunstwerk verstanden. In der Auseinandersetzung mit exemplarischen Werken versuchen wir, verschiedenen Fragen im Kontext von Kunst, Gestaltung und Funktion auf den Grund zu gehen und die Notwendigkeit eines sich über die Jahrhunderte wandelnden und erweiterten Kunstbegriffes zwischen angewandter und freier Kunst zu verstehen.

Since the beginning of the 20th century ‘screens’ in a broad sense – first as projections, later as monitors – play an ever-growing role in visual arts. Film, video art and various forms of new media art require screens as a primary condition of their perception by a viewer. However, historically speaking a screen is nothing but a technological continuation of a painterly canvas, just essentially extended through an ability to demonstrate moving images and a temporal dimension. Following conceptual and aesthetic genealogy of screen-based arts, the course will present and analyse various historically significant examples from the history of cinema, including feature, documentary and experimental films, as well as video and media art.

Die Veranstaltung versteht sich als Schreibübung (auf Deutsch, mit Übersetzungshilfen aller Art), um kapitelweise und in gemeinsamer Arbeit eine Geschichte um die Figur der „Very important person“, der gesellschaftlich prominenten, privilegierten Person herum zu entwickeln. Die konzeptionelle Arbeit soll Anlass bieten, historische Recherchen zu den verschiedenen Formen von Wichtigkeit anzustellen, ob als leuchtendes Vorbild und dessen Imitation, als Ausnahmeerscheinung und Sondergenehmigung, als Exklusivität und Omnipräsenz. Im Zuge dieser Recherchen soll idealiter deutlich werden, was Relevanz und Importanz ausmacht – als Erscheinungsbild, als kultureller Kanon, als mediale Aufmerksamkeitsrate.

Im Seminar wird, ausgehend von Referenzen aus der europäischen und US-amerikanischen Ausstellungsgeschichte seit den 1960er Jahren, kuratorische Praxis in ihren jeweiligen institutionellen Rahmungen mit Berücksichtigung der zeitgeschichtlichen Bezüge betrachtet. Wir werden das aktuelle Berufsfeld und die Rollenbilder von KuratorInnen im Hinblick auf machtkritische Potenziale untersuchen und widmen uns verschiedenen Formen und Formaten von Ausstellungen (thematische Gruppenausstellung, Einzelausstellung, Biennale). Entscheidend für die Betrachtung sind die Rahmenbedingungen der jeweiligen Ausstellungen. Dabei interessieren uns die jeweiligen Institutionen, die KuratorInnen und weitere AkteurInnen ebenso wie die Frage, für welches Publikum die Ausstellungen konzipiert sind.
Im Rahmen des Seminars sollen insbesondere Ausstellungsprojekte und aktuelle kuratorische Praktiken vorgestellt werden, die auf einem (queer)feministischen Impetus beruhen. Wie erklären wir es uns, dass es aktuell viele kuratorisch arbeitende (KünstlerInnen-)Kollektive gibt? Inwiefern steht vielleicht auch das Format der Ausstellung selbst zur Disposition? Ist doch das Ausstellungsformat geprägt durch nicht nur westliche, sondern auch patriarchale Strukturen. Was kann eine kritische, (queer)feministisch informierte kuratorische Praxis bedeuten und wie können „utopische“ Ansätze aussehen? Die Ausstellung „It changed radically: grew fur again, lost it, developed scales, lost them“ von Gitte Villesen im Badischen Kunstverein dient als konkretes Beispiel für den gemeinsamen Ausstellungsbesuch und eigene Ausstellungsanalysen.

In kleinsten Räumen waren und sind wir aktuell darauf angewiesen, aus uns selbst heraus zu schöpfen, umzudenken und in Aktion zu treten. Bestehende Strukturen sind auf dem Prüfstand – ein Drang nach Bewegung stellt sich ein. Die Zeiten des Umbruchs bieten neue, kreative sowie bewegte Räume!
Im Zusammenschluss mit den Studierenden möchte das Kollektiv HC_GK eine Ausstellung im Zug der Deutschen Bahn – eine Kunstkapsel im Transit – realisieren. Dabei werden wir gegebene Strukturen, Umstände und Bedingungen des heutigen Ausstellens kritisch untersuchen und unter dem Leitbild Taking Art to People – Taking People to Art neue Formate und Methoden entwickeln.
Ziel ist es, mit neuen Präsentationsformen auf paritätischer Ebene für Kunst zu begeistern, um so ungewohnte Interessensbereiche zu fördern und auszubauen. In der Zusammenarbeit soll erprobt werden, inwieweit das kollaborative Arbeiten die Rahmenbedingungen erweitern oder auch sprengen kann. Mit Initiierungs- und Mobilisierungsmodellen sollen neue Zugänge eines breitgefächerten Verständnisses des kollektiven Erforschens, Konzipierens und Kreierens gemeinsam erarbeitet werden. Dialoge mit Persönlichkeiten aus Kunst, Wissenschaft, Kultur, Wirtschaft oder Politik sollen das Seminar erweitern, um in der Praxis neue, bewegliche Räume für Kunst- und Kulturschaffende in Stadt- und Landregionen zu ermöglichen. Die Studierenden sind eingeladen, mit ihrer eigenen Arbeit Teil des Kollektives zu werden und sich mit ihren spezifischen Fähigkeiten und Ideen im Rahmen des Seminars und darüber hinaus einzubringen, um das gemeinsame Vorhaben Realität werden zu lassen.

This compact seminar surveys established techniques for analog audio synthesis. The electrical analogs of musical events and the parameters of electronic sound will be studied. This includes the theory of basic signal processing, filtering concepts and modulation techniques.
Particular emphasis will be placed on subtractive sound synthesis, waveshaping, AM, FM and ring modulation and the use of control voltages (envelopes, gate and trigger signals) will be explored. Additionally, theoretical aspects and the use of the techniques related to performance practices and musical expression are discussed and implemented on modular analog synthesizers. The participants will be guided to configure patches to program electronic sounds and learn how to manipulate the musical variables to produce the desired aesthetic and sonic concepts.

It is a practical course focused on MK Sound's Eurorack modular system. The maximum number of participants is limited. Registration will be on first come, first serve basis. Please register via e-mail until October 31.

The seminar is open to students of all departments.

Im Seminar werden grundlegende Prinzipien und Techniken des Recherchierens, Konzipierens und Verfassens wissenschaftlicher Arbeiten vermittelt. Inhaltliche Struktur wissenschaftlicher Arbeiten, stilistische Konventionen, Argumentationsprinzipien, Zitierweisen sowie die Arbeit mit Quellen werden anhand konkreter Beispiele dargestellt und erklärt. Das primäre Ziel der Veranstaltung ist, Studierende aller Fächer der HfG für die künftige selbständige Forschungsarbeit und für das Verfassen von Haus-, Diplom- und Magisterarbeiten im Rahmen des Studiums vorzubereiten.

Im Seminar geht es um filmische Erzählungen aus der ersten Person. Gezeigt werden subjektiv erzählte, experimentelle Autobiografien, Tagebuchfilme, essayistische Selbstporträts und Familienerzählungen aus den 1960er-Jahren bis in die Gegenwart. Wir werden die Filme gemeinsam sehen und über ihre dramaturgischen Erzählkonzepte und formalen Herangehensweisen sprechen. Das Seminar beruht u.a. auf der Zusammenarbeit und Recherche mit der Autorin und Filmkritikerin Esther Buss, die derzeit an einem Projekt über autobiografische Filme der Gegenwart arbeitet (https://www.filmdienst.de/filmkultur/siegfried-kracauer-stipendium) und Madeleine Bernstorff, Autorin und Filmkuratorin, die sich schon länger mit Autofiktionalität beschäftigt.
„Die Erinnerung oder vielmehr: die Rekonstruktion von Erinnerung ist ein zentrales Moment des autobiografischen beziehungsweise autobiografisch geprägten Films nicht nur bei Chantal Akerman. Aber es geht auch um Identität und Ichbehauptung, Selbstbeobachtung, Geschichtsschreibung und Gegenwartsdiagnose, um Bekenntnisse, Zeugnisse und Selbstvergewisserungen. Die Stoffe zählen meist nicht zu den Leichtesten, oft gibt es etwas zu klären, zu bearbeiten, zu ergründen, zu sichten und zu sortieren – "Wir sind vorgegangen wie in einem Bergwerk, wir sind schürfen gegangen“, so Thomas Heise zu seiner Arbeitsweise in "Heimat ist ein Raum aus Zeit“ (2019).“
Esther Buss in ihrem Blog zum Thema: "Aus der ersten Person", Filmdienst 2021

Die Filmreihe findet in vier Blöcken über das Semester verteilt statt. Esther Buss und Madeleine Bernstorff werden zu jeweils einem Block anwesend sein. Eine kontinuierliche Anwesenheit ist erwünscht. Die Teilnehmendenzahl ist auf zwölf Personen begrenzt. Anmeldung bitte per E-Mail.

Das interdisziplinäre Blockseminar setzt sich performativ mit den Beziehungen von Kultur- und Kunstschaffenden zu den Institutionen auseinander, die z.B. ausstellend oder veranstaltend als Geldgeber fungieren. Es geht also um das Verhältnis der Akteure im Kunstbetrieb.
Der Titel "Geld Ja. Arbeit Nein" blickt dialektisch in beide Richtungen – nicht nur auf KünstlerInnen, die Geld nehmen, ohne einen entsprechenden "Gegenwert" zu liefern, sondern z.B. auch auf öffentliche Ausschreibungen, die nichts bezahlen, aber alles erwarten.
Geldgeber verstehen sich selbst als "Förderer". Es handelt sich um öffentliche oder private Mittel, die sie dem Zweck der Kulturproduktion widmen. Welchen Einfluss nehmen Sie auf Inhalte und Umsetzung der künstlerischen Arbeit, und in wie weit ist dieser im Verhältnis zu ihrer Rolle als Geldgeber gerechtfertigt?
Der praktische Anteil des Seminars soll sowohl in der Auseinandersetzung mit Auschreibungen und deren Bedingungen als auch in der Entwicklung von Konzepten bestehen, die, möglichst dem Seminarthema folgend, auch eingereicht werden sollen.
Welche Wege können wir gehen, um uns vom derzeit vorherrschenden Elend in der Kulturindustrie "Arbeit Ja. Geld Nein" zu verabschieden?

In dem Blockseminar Lobby wird die Eingangssituation der Städtischen Galerie Karlsruhe szenografisch neu bespielt. Dafür beschäftigen wir uns mit der Lobby als Schnittstelle zwischen städtischem und musealem Raum und erarbeiten gemeinsame Konzepte und Entwürfe für verschiedene Nutzungsszenarien. Der Fokus liegt dabei auf der Entwicklung von Sitzgelegenheiten, die neue Aufenthaltsqualitäten erzeugen sowie das Sitzen im Museum befragen: Wo, warum und wie sitzt man im Museum? Die Kooperation bietet die Möglichkeit, die Städtische Galerie als unsere Nachbarin aktiv und dauerhaft mitzugestalten und den Prozess von der Idee bis zur professionellen Umsetzung Anfang 2022 zu begleiten. Zusätzlich ist eine Ausstellung mit allen Entwürfen für Ende Januar geplant.

Eine Einführung in DIE Programmiersprache für alle Multimedianwendungen: Audio, Video, Arduino-Synthese, Analyse-Sensoren, Aktoren...

Max, also known as Max/MSP/Jitter, is a visual programming language for music and multimedia developed and maintained by San Francisco-based software company Cycling '74. Over its more than thirty-year history, it has been used by composers, performers, software designers, researchers, and artists to create recordings, performances, and installations.

Das Seminar ist offen für Studierende aller Studiengänge. Anmeldung bis 31.10. per E-Mail an lschwarz@hfg-karlsruhe.de

A project, presented within the framework of the 1996's “Manifesta”, in which the "state of the art" triggered a series of interviews with artists and museum directors, emphasizing the role of international circulation for an artist's recognition; including tatements from Benjamin Buchloh, Lawrence Weiner, Hans Haacke, Andrea Fraser, and Jean Louis Maubant, among others.
Our discussion will focus on the criticism of the conditions of production and the circulation of works of art, as well as all the issues that are relevant to the concepts of authorship and signature. We will also look into the mechanisms of signification and mediatic dissemination, in the logic of the "spectacle".

"True Lies and Alibies" will be proposed as an accidental space for the observation of images. In the context of this seminar the artwork of Prof. João Tabarra will be presented (selected projects from 1993 to 2019).
To envisage how an image works ceaselessly in a network with many others, we are invited to think about what the images show, what they keep silent about although it rustles so loudly in them. Images remain open, porous, indefinitely malleable, editable and re-editable.
"[...] we find no stability but only discoveries. It's a never-ending task: we shall never get done with watching [...] Watching here, in the sense of noticing." (Nicole Brenez)

Bei diesen Einzelterminen wird eine individuelle Betreuung von der ersten Idee bis zum Abschluss des Projekts angeboten. Der Fokus liegt hierbei auf Machbarkeit, Statik, Konstruktion, Materialität, Verfahrenstechniken und Konstruktionszeichnung. Die eigenständige Umsetzung wird dabei gefördert und gelehrt. Die individuelle Projektbetreuung vermittelt auch handwerkliche Grundlagen und beinhaltet die Einführung in das erweiterte Werkstattangebot bezüglich Maschinen, Geräten und Techniken, die über die Grundeinweisung hinausgehen. Bitte Projektblatt und Skizzen mitbringen!

Der Erwerb eines Grundlagennachweises ist möglich bei Nachweis von über 70 Projekstunden.
Offen für Studierende aller Studiengänge. Anmeldung per E-Mail an termine.werkstaetten@hfg-karlsruhe.de

Das Internationale Festival für Dokumentar- und Animationsfilm, kurz DOK Leipzig, ist das größte deutsche und das zweitgrößte europäische Festival für den künstlerischen Dokumentarfilm. Im Jahr 1955 hervorgegangen aus dem „Club der Filmschaffenden der DDR“, ist es das älteste Dokumentarfilmfestival der Welt.
Während der Festivalwoche im Herbst werden zahlreiche Kinos und Veranstaltungsorte Leipzigs zu DOK Leipzig Spielstätten. Als großes Publikumsfestival fördert es Debatten um Filmkunst und Politik in Filmvorführungen, Symposien, Sonderveranstaltungen und der Extended-Reality-Ausstellung DOK Neuland. DOK Leipzig gehört zur Doc Alliance – einem Netzwerk bestehend aus sieben der einflussreichsten europäischen Dokumentarfilmfestivals.
Abgesehen von Filmsichtungen und gemeinsamen Diskussionen werden wir auch Ausstellungen an ausgewählten Orten besuchen. Darüber hinaus ist geplant, einzelne KünstlerInnen und FilmemacherInnen zu Gruppenbesprechungen einzuladen, um einen persönlichen Einblick in deren Produktionsprozesse zu gewinnen. Auch den Austausch mit der DOK-Studierendengruppe der HGB Leipzig möchten wir fördern und werden entsprechende Treffen organisieren.

Offen für Studierende aller Studiengänge. Begrenzte Teilnehmendenzahl. Anmeldung bis 12.10. per E-Mail.
Scheinerwerb: Leistungsschein Medienkunst in Verbindung mit einer Hausarbeit.

Vor zwei Jahren wurden der amerikanische Choreograf Trajal Harrell und die Performance-Künstlerin Wu Tsang Teil des siebenköpfigen Teams von HausregisseurInnen des Schauspielhaus Zürichs. Mit beiden Positionen erhalten künstlerische, kollaborative und performative wie tänzerische Praktiken Einzug, die die Ästhetiken und das Publikum des deutschsprachigen Stadttheaters zu erweitern suchen. Indem Communities wie die der Ballroom Culture New Yorks und um die der migrantischen Gay-Bar im MacArthur Park in Los Angeles (für die Wu Tsang mit KollaborateurInnen Partyabende für StammkundInnen wie jungen queere KünstlerInnen of color organisierte) in Referenz treten, werden die Ästhetiken aus ihren gemeinschaftsbildenden, emanzipativen Kontexten heraus auf die europäische Bühne gebracht und zur Verhandlung gestellt. Harrell entwickelt seine Choreografien aus der Verbindung von postmodernem Tanz mit Bewegungselementen aus dem Voguing (entstanden in der Ballroom Culture New Yorks) und dem Butoh. Wu Tsang ist mit Tosh Basco (fka boychild), dem Tänzer Josh Johnson und der Elektro-Musikerin Asma Maroof, einem Teil ihrer Performance-Gruppe Moved by the Motion, nach Zürich gekommen. In der Gruppe entwickeln sie „Compositions“ (bisher I-IV) und deren installative Anordnungen oder veranstalten Partyabende. Dieses Aufeinandertreffen von Praktiken und Ästhetiken wollen wir in Form von Exkursionen genauer unter die Lupe nehmen.

Um verbindliche Anmeldung unter hkoenig@hfg-karlsruhe.de wird bis 20.10. gebeten. Die TeilnehmerInnenzahl ist begrenzt.

Die Tagesexkursionen werden von Prof. Susanne Kriemann und Gastprofessorin Annette Kelm organisiert.

Staatliche Kunsthalle Mannheim: Ausstellung "Mind Bombs"
Staatliche Kunsthalle Karlsruhe: Ausstellung "Inventing Nature"
Staatliche Kunsthalle Baden-Baden
Museum Frieda Burda Baden Baden
Staatsgalerie Stuttgart
Württembergischer Kunstverein Stuttgart
Kunstmuseum Stuttgart

Colloquium for PhD and Magister students focusing on research materials and methodology for their final thesis. The colloquium is open to all students of HfG as usually subjects of general concern are discussed.

Das Plenum dient als Plattform, um Arbeiten von Studierenden, die mit dem Medium Fotografie arbeiten, vorzustellen und zu diskutieren. Hier werden alle Fragen zu Medienkunst/Fotografie an der HfG verhandelt.

Studierende und Lehrende des Fachbereichs Ausstellungsdesign und Szenografie präsentieren in kurzen Vorträgen ihre aktuellen Arbeiten und stellen diese zur Diskussion.

Für GestalterInnen, KünstlerInnen und DesignerInnen wird es immer wichtiger, sich auch mit dem Thema 3D auseinanderzusetzen. Programme wie Cinema 4D/Blender sind mächtige Werkzeuge für die Darstellung der eigenen Ideen im dreidimensionalen Raum. Digitale Skulpturen, Organische Objekte, Beleuchtung, Animation und vieles mehr können modelliert, simuliert, photorealistisch dargestellt, geplant und umgesetzt werden.
In diesem Kurs liegt das Augenmerk auf der bildlichen Darstellung, Präzision steht hier nicht im Vordergrund. AnfängerInnen aller Studiengänge sind herzlich willkommen.

Während der drei Termine wird Grundlegendes zu Farbe und Farbraum vermittelt und der eigene Monitor kalibriert, werden ICC-Profile besprochen und Programmeinstellungen vorgenommen.

Der Kurs bietet eine Einführung in die Grundbausteine der Programmierung und Gestaltung von Webseiten. Ausgehend von einem programmierorientierten Ansatz lernen die Studierenden den Umgang mit den Kernsprachen HTML, CSS und JavaScript sowie einen Einblick in die Methoden und Strukturen der Webgestaltung.

Pflichtveranstaltung für Studierende im ersten Semester Kommunikationsdesign.

Künstlerbücher sind seit den 1970er Jahren zu einer komplementären wie eigenständigen Kunstform geworden. Über die Jahrzehnte entwickelten sie sich zu einer Bewegung, die mit allen Formaten wie Möglichkeiten des Veröffentlichens und des Print-on-demand spielt. In dem Seminar beschäftigen wir uns mit ikonischen Künstlerbüchern, welche die künstlerische Fotografie entscheidend geprägt haben, wie zum Beispiel Ed Ruschas „Every Building on the Sunset Strip“ oder Roni Horns „Another Water“.
Neben den historischen Beispielen wird das Seminar den Fokus auf die Künstlerbücher-Flut des letzten Jahrzehnts legen. Hier werden wir nicht nur Bücher wie Batia Suters „Parallel Enzyklopedia“ genauer betrachten, sondern auch Verlage wie Roma-publications oder Spector Books in die Forschung zu den Künstlerbüchern mit Fotografie einbeziehen und so immer tiefer in diese Welt des Sortierens, Formens, Konzeptualisierens und Zusammenfügens einsteigen.
Das Seminar ist auf zwei Semester angelegt. Im Sommersemester 2022 wird der Fokus vor allem auf der Entwicklung von eigenen Künstlerbüchern mit Fotografie liegen.

Since the 1970s, artists' books have become a complementary and independent art form. Over the decades, they developed into a movement that plays with all photographic formats as well as possibilities of publishing and print-on-demand. In the seminar, we will look at iconic artists' books that have had a decisive influence on artistic photography, such as Ed Ruscha's "Every Building on the Sunset Strip" or Roni Horn's "Another Water".
In addition to the historical examples, the seminar will focus on the flood of artists' books of the last decade. Here we will not only take a closer look at books such as Batia Suter's "Parallel Encyclopedia", but also publishers such as Roma-publications or Spector Books, including them in the research on artists' books with photography and thus delving deeper and deeper into this world of sorting, forming, conceptualising and assembling.
The seminar is scheduled for two semesters. In the winter semester of 2021/2022, the focus will be on research and finding ideas and concepts, and in the summer semester of 2022 we will be developing our own artist books with photography.

Das Seminar nimmt die Gegend um Tschernobyl zum Thema. Wir beginnen mit dem sogenannten Roten Wald, einem Mischwald, der sich nach dem GAU durch die Strahlung rot färbte, dann abgeholzt und in einen riesigen Blei-Sarg eingelagert wurde. Es ist ein von Geschichten umwogener Wald. Radioaktive Strahlung, die sonst als unsichtbar, unhörbar, unrichbar, kurz für uns nicht wahrnehmbar bezeichnet wird, sichtbar geworden mit Hilfe des Waldes. Ist nun der Wald eine Kamera? Und die Fotografie lebendig? In dem Seminar arbeiten wir mit den verschiedenen Schichten von Sichtbarmachung radioaktiver Strahlung – damit, wie Kameras und Filme, andere Regime der Sichtbarkeit sowie Erzählungen und Weltanschauungen ein Bild von einer Zeit vermitteln, die Vergangenheit, Gegenwart und ferne Zukunft aneinander bindet.

The seminar takes the area around Chernobyl as its theme. We begin with the so-called Red Forest, a mixed forest that turned red from radiation after the GAU, then was cut down and put into a vast lead coffin. It is a story-telling forest. Radioactive radiation, which is otherwise described as invisible, inaudible, odorless, in short, imperceptible to us, rendered visible with the help of the forest. Would the forest be named a camera? And would photography be a living organism?
In the seminar we work with the different layers of showing radioactive radiation – how cameras and films, how other regimes of visibility and how narratives and world views convey an image of a time that binds past, present and the distant future together.

Wir greifen das Thema Netzwerkmusik auf und jammen online. Es werden künstlerische und musikalische Konzepte für ein audiovisuelles Label entwickelt. Schwerpunkte sind performance- und konzertorientierte Events.
Jammen – Entwickeln – Performen. Iin regelmäßigen Abständen sollen gemeinsam eigenes Instrumentarium und Kollaborationskonzepte ausprobiert werden.

Offen für Studierende aller Studiengänge. Nach Absprache mit den Dozierenden können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.

We have a lot of devices and technique in our life, but what we need is more technology: not only to be able to use it, but to understand how it works and implies and which relations are established, and to discuss and imagine alternatives. This project essays a convivial discussion and hands-on approach to understand what is going on behind the monitor, while documenting our investigation to be shared. A starting hypothesis of this project is that all techniques are always social (therefore political) and material.

This project is an invitation to the whole HfG community to participate in the (auto)learning phase of the Open Resource Center, in which we decided to work with Free Software. Everyone is welcome: people that know everything about computers and people that don't; Free software users, curious people that may want to try it (and maybe install it) and users that prefer to stay in their operative system. If you have a laptop with Internet, please bring it; if not, bring yourself.

Here is a proposal of the first sessions. Depending on the needs and interest, we will decide how to continue (proposals to vfcapdevila@hfg-karlsruhe.de).

* S. 01 – [With Guillermo Collado Wilkins] Nextcloud: Sharing and organizing together
* How does cloud technology work
* What we can do in the HfG-Cloud
* Why Nextcloud is becoming an interesting alternative to Private-cloud services

* S. 02 – Why Open Source misses the point of Free Software
* A small history on GNU and on Open-Source Movement
* Intellectual property and the difference between code and text (copyright, public domain, creative commons and Software Licenses)
* A minimal introduction to Git

* S. 03 – [With Guillermo Collado Wilkins] Email: Is there (still) something we can learn from E-Mail?
* How E-Mail works
* Using a client with HfG-Email
* Encryption of Emails & co.

From here, some topics still in beta:
* Bibliographical manager (Zotero) and Zettlr
* Backup: Hope you don't need it, but if you need it, hope you have it
* Spreadsheets: Let the Spreadsheet calculate that for you
* Database: Dealing with complexity
* Git: A Technology to develop together (and how non-developers can use it)
* Madek and its environment: Between a social network and an archive (we're working on it!)
* Your questions

Im Seminar werden literarische Stoffe entwickelt mit besonderem Augenmerk auf solchen, die sich für eine audiovisuelle Umsetzung eignen, wie z.B. Drehbücher.

This course equips musicians with practical hands-on skills for building their own musical circuitry or modifying existing audio hardware. It offers practical knowledge of electronics useful for sound creation, noise making and music interaction. Participants are introduced to soldering and assembling audio circuits on breadboards or perfboards in the context of audio, composition, live performance and sound art. A major portion of the course will be devoted to hardware prototyping, including test and fault finding sessions. The emphasis will be upon the designing of electronic instruments as well as interfacing transducers and developing alternative controllers. Artistic and practical use of the circuits will also be explored and discussed. Finally, it is planned to carry out a concert performance with self-made electronic instruments at the end of the semester.
Media art credit points can be obtained. This requires to create and develop an independent artistic work, including a detailed documentation. The seminar is open to students of all departments and will be held either bilingually or in German or in English in accordance with the participants. Attendance is limited to comply with the electronics laboratory capacity and corona restrictions. Please contact Lorenz Schwarz via e-mail to obtain permission to attend the course.

Learning by copying.

Obligatory for first semester PD students.

In diesem praktischen Research-Seminar widmen wir uns dem nichtlinearen Geschichtenerzählen unter Einfluss von Echtzeitdaten. Neben der Recherche und der Erforschung von Data Driven Narratives-Projekten ist auch deren rein technischer Aspekt von Interesse: Wann wird es möglich sein, das Wetter und die Tages-/Nachtzeit aus Karlsruhe oder jedem anderen User-Standort live in das Erzählformat einzubinden?
Die SpielerInnen gehen z.B. in "Grand Theft Multiplayer" echten Berufen nach und befördern z.B. Eisen von der Eisenmine zur Eisenverarbeitung, wobei die Preise der verschiedenen Güter bereits jetzt ökonomischen Schwankungen unterworfen sind. Wie lange wird es dauern, bis hierfür tatsächliche Aktienkurse verwendet werden?

Was ist filmisches Erzählen? Was ist das essentiell Filmische, das die Filmkunst mehr sein lässt als eine Summe aller anderen Künste und das sie von ihnen unterscheidet? Ein Schlüssel zu ihrem Verständnis ist der „kinegraphische Moment“. In diesen Moment einzutreten bedeutet, einzutreten in die Totalität der Poesie der Präsenz von Körper und Zeit – von Manifestation und Vergänglichkeit, Zerbrechlichkeit und Ewigkeit.
In diesem theoretisch-praktischen Seminar wollen wir eintreten in den Raum des „kinegraphischen Moments“ und ihn durch Entwicklung und Drehen von Filmen sichtbar und erfahrbar werden lassen. Dafür dienen als Sprungbrett in die Imagination wahlweise das Zitat "Man muß noch Chaos in sich haben, um einen tanzenden Stern gebären zu können“ (Friedrich Nietzsche) oder das Thema „Ein Augenblick, der das Leben verändert“.
Die Filme sollen bis zum Beginn des Sommersemesters 2022 fertig gestellt vorliegen. In den Phasen der Fertigstellung der Drehbücher und der Vorbereitung der Dreharbeiten finden individuelle Konsultationen statt.

Die Teilnehmendenzahl ist auf zehn Personen begrenzt. Anmeldung bis 03.01. per E-Mail.
Kenntnisse in der Handhabung der an der HfG verfügbaren Kameras sind Voraussetzung für die Teilnahme.

The recent history of communication design has seen practitioners self-identify as ‘critical designers’ or ‘designers as author’, while those engaged in original research typically do so in an art-world context. These moves, formulated as ‘self-initiated’ side projects, in pursuit of greater autonomy, signal a frustration with the communication designer’s traditional role as conscientious mediator, or – worse – graphic stylist. When it comes to content, we are often seen as generalists, conveying the messages of better-qualified experts.
This seminar will introduce research methods for communication design that do not fetishise escaping from the relational complexities of working with experts, nor the urgencies of meaningful content. Themed bi-weekly workshop sessions will generate material for a collectively-authored publication.

Programmieren und Probieren mit C, Python, Java, SuperCollider, Max/Msp/Jitter.
Aufbauend auf der Vermittlung von Grundlagen der Programmierung werden eigene Projekte entwickelt: Live-Coding, Netzwerk-Konzerte, physikalische und mathematische Grundlagen für Simulation und Analyse in verschiedenen Sprachen. Digitale und analoge Klangerzeugung, Interaktion, visuelle Analyse und Synthese, generiert und programmiert unter verschiedenen Environments der Medieninformatik. Es werden Objekte und Verfahren in Beispielen besprochen und in Übungen und Projekten klangliche, musikalische und visuelle, szenische Anwendungen entwickelt.

Offen für Studierende aller Studiengänge. Nach Absprache mit den Dozierenden können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.

Die Zusammenarbeit mit den Dramaturginnen des Staatstheaters Karlsruhe Anna Haas und Eivind Haugland widmet sich der Analyse und der anschließenden Erarbeitung von Konzepten zur Umsetzung eines zeitgenössischen dramatischen Textes. Constanze Fischbeck vermittelt raumtheoretische Grundlagen und begleitet die Entwurfsarbeit sowie deren praktische Umsetzung aus szenografischer Perspektive. Die Texte sind Erstaufführungen, werden als szenische Lesung umgesetzt und stammen von Autorinnen. Geplant ist in diesem Semester die Realisierung im Format einer szenischen Intervention in der Baustelle des Staatstheaters und in Zusammenarbeit mit SchauspielerInnen des Hauses.
Die SeminarteilnehmerInnen übernehmen als Gruppe alle Aufgaben: dramaturgische Entscheidungen, Raum- und Kostümentwürfe, Projektionen, Licht, Werbung und Dokumentation.

Die Veranstaltung ist eine Kooperation mit dem Staatstheater Karlsruhe.

Im Kurs wird der gesamte Modellbaubereich mit seinen Möglichkeiten und Regularien vorgestellt. Es erfolgt eine Unterweisung in die Unfallverhütungsvorschriften mit praktischen Übungen an Ständerbohrmaschine, Bandsäge und Schleifmaschinen. Im Vordergrund steht das sichere und fachgerechte Arbeiten an Maschinen und die richtige Wahl von Werkzeugen und Messen mit dem Messschieber.
Bei diesem Kurs erlangen die Studierenden die Berechtigung in der Modellbauwerkstatt an den unterwiesenen Maschinen zu arbeiten.

Dieser Einführungskurs findet regelmäßig zu Beginn des Semesters statt sowie zusätzlich nach Absprache ab drei Personen. Offen für Studierende aller Studiengänge.

Ausgehend von der Idee, Film als Prozess des Chaos zu verstehen, werden wir die grundlegende Bedeutung der Herstellung einer Kunstform aus Vision und kollektiver Energie heraus ergründen.

Ableitend von diesem Verständnis wird das Seminar jede Phase einer Filmproduktion (Preproducing, Principal-Shooting, Postproduction, Presentation) analysieren und verschiedenste Methodiken der Kunst selbst und ihrer Beziehungen zu Produktionsformen für die Praxis umsetzbar machen.
Die Basis der Seminarinhalte sind rein praktische Exempel des studentischen sowie professionellen künstlerischen und kommerziellen Films. Wir werden ausgehend von dem Wissensstand der Teilnehmenden diskutieren, wie folgende Themen durch eine Vision und ein davon abgeleitetes Selbstverständnis das Erschaffen eines Films zu einem verstehbaren Chaos werden lassen: Crew und Cast, Finanzierung, Kalkulation, Marketing, Drehorte und Scouting, Organisation, Infrastruktur am Set, Drehpläne, Dispositionen, Sponsoring, Rechtsfragen, Crowdfunding, Diversität und Intersektionalität, Buchhaltung, Regie, Kamera und Licht, Szenenbild, Kostüm, Maske, Haare, Ton, Supervision Postproduction, Distribution, Festivals, Produktionswerte, Effizienz, Logistik, grünes Produzieren, Kommunikation, Konflikte, Psyche und Existenz …

Auch eigene Projekte finden ihren Raum im Seminar und sollen gemeinsam besprochen werden. Sprechstunden zu detaillierten Fragen sind ebenfalls möglich. Das Seminar richtet sich sowohl an Einsteigende als auch an fortgeschrittene Studierende.
Wir werden abhängig von den Teilnehmenden auf Deutsch oder Englisch sprechen.

Game Culture, Game Design, Game Studies. Das Forum Ludorum ist die Austauschplattform des HfG Gamelab für kulturelle und wissenschaftliche Diskurse sowie gestalterische Aspekte zum interaktiven Medium Computerspiel. Gemeinsam analysieren und diskutieren wir über aktuelle Entwicklungen, Debatten, alte und neue Games. Dabei stellen wir gesellschaftliche, historische, intermediale und popkulturelle Bezüge her. Die Themen des Semesters werden gemeinsam ausgewählt. Eigene Themenvorschläge und Vorstellungen von Projekten sind herzlichst willkommen.
Das Forum wird vor allem, aber nicht ausschließlich Erstsemestern und Neuankömmlingen empfohlen. KIT-Studierende können im Rahmen des Seminars einen Leistungsschein Fachtheorie im Ergänzungsfach Medienkunst (6 ECTS) erwerben. Die Anforderungen für den Erwerb eines Leistungsscheins sind ein Referat und eine wissenschaftliche Ausarbeitung zu einem selbst gewählten Thema aus dem Bereich Games. Das Seminar ist offen für Studierende alle Fachgruppen. Auch Personen ohne Leistungsscheinbedürfnisse sind herzlich eingeladen, mit uns zu diskutieren, ihre Projekte vorzustellen und Themen vorzustellen.
Das Seminar wird weiterhin über den HfG GameLab Discord abgehalten.

Im Kurs Freihandzeichnen sollen Studierende unterschiedlicher Fachrichtungen das Zeichnen als Werkzeug der Darstellung und der Ideenfindung in seinen vielfältigen Formen kennenlernen. In zahlreichen Übungen werden die bildnerischen Elemente und Mittel gezielt thematisiert, die eigene Wahrnehmung geschult und Kompetenzen in den unterschiedlichen händischen Methoden erlernt. Besprochen und praktiziert werden dabei sowohl klassische als auch freie Techniken des Zeichnens. Auch räumliche Darstellung und die Auseinandersetzung mit dem Thema Farbe wird Teil des Kurses sein.
Ziel ist die Erweiterung des eigenen Wahrnehmungs- und Gestaltungshorizonts über das Medium der Zeichnung, welche fachrichtungsübergreifend Anwendung finden kann. Zeichnen wird hier sowohl als manuell-gestalterische Kompetenz wie auch als elementare Grundlage im Entwurfsprozess vermittelt. Das genaue Programm wird zu Beginn des Semesters vorgestellt.
Der Kusr ist offen für Studierende aller Studiengänge und verpflichtend für die StudienanfängerInnen der Fachgruppen Produktdesign und Ausstellungsdesign/Szenografie.

Mit "Seasons of Media Arts" (SoMA) fand dieses und letztes Jahr im Rahmen des Projekts UNESCO Creative City of Media Arts eine sehr erfolgreiche, offizielle Karlsruher Ausstellungsreihe im öffentlichen Raum statt. Die Strategie: Kreativität, Vielfalt und Vernetzung im demokratischen Gleichgewicht mittels Medientechnologie und Medienkunst zu stärken. In Kooperation mit dem ZKM Karlsruhe waren verschiedene Video-, Sound- und Lichtinstallationen, Projektionen an Fassaden und Straßen, künstlerische Interventionen und experimentelle Veranstaltungen von internationalen und lokalen MedienkünstlerInnen, Karlsruher Initiativen und Institutionen zu sehen.
Ab diesem Semester widmet die Stadt Karlsruhe SoMA maßgeblich den studentischen Talenten im Rahmen einer Kooperation mit Prof. Michael Bielicky, die auf mehrere Jahre ausgelegt ist. Go Public Narratives wird ein zentraler Think Tank zur aktiven Mitgestaltung der Kooperation Seasons of Media Arts sein. Go Public Narratives wird unseren Studierenden die Chance geben, mit internationalen Künstlerpersönlichkeiten gemeinsam ausstellen zu können.

Der dritte Teil der (im Wintersemester 2019/2020 gestarteten) Seminarreihe „Ich als Utopie“ springt zurück in die autoritäre Welle der europäischen 1930er und 1940er Jahre. In dieser Zeit der wirtschaftlichen und gesellschaftlichen Krisen, der sozialen Vereinzelung und der Kriege rangen drei Frauen – Hannah Arendt, Simone de Beauvoir und Simone Weil – um eine Stimme, eine Haltung, eine Lebensform: Um ein Ich als Schriftstellerin, als Autorin, als politische Philosophin, als Gewerkschaftsaktivistin, als engagierte Intellektuelle. Wir werden Artikel, Essays, Aphorismen, Romane und Analysen der drei Autorinnen lesen und sie zum Anlass nehmen für Diskussionen über Freiheit und Unterwerfung, Handeln und Ohnmacht, Aktion und Kontemplation, Identifikation und Assimilation, Herrschaft und Knechtschaft, Macht und Gewalt, Staat und Revolution, Liebe und Vereinzelung, Konformismus und Widerstand. Wir werden außerdem die Positionen der drei Frauen in den Feldern der politischen Philosophie, der philosophischen Phänomenologie, der Moralistik und der Mystik untersuchen.
Nachdem Teil II der Seminarreihe im Sommersemester 2021 ganz Hannah Arendt gewidmet war, werden Simone de Beauvoir und Simone Weil im Mittelpunkt von Teil III im Wintersemester 2021/2022 stehen.

Die Teilnahme am Seminar setzt nicht die frühere Teilnahme an den Teilen I und II voraus.
Seminarsprache ist je nach Bedarf Deutsch oder Englisch.

The third part of the seminar series "The Utopian Self" (launched in the winter semester 2019/2020) jumps back to the authoritarian wave of the European 1930s and 1940s. In this time of economic and social crises, social isolation, and wars, three women – Hannah Arendt, Simone de Beauvoir, and Simone Weil – were struggling for a voice, an attitude, a way of life: for a self as a writer, as an author, as a political philosopher, as a labour activist, as a committed intellectual. We will read articles, essays, aphorisms, novels and analyses by the three women authors and take them as a starting point to discuss freedom and submission, action and powerlessness, action and contemplation, identification and assimilation, domination and servitude, power and violence, state and revolution, love and isolation, conformism and resistance. We will also examine the three women’s positions in the fields of political philosophy, philosophical phenomenology, moralistics, and mysticism.
After Part II of the seminar series in the summer semester 2021 was devoted entirely to Hannah Arendt, Simone de Beauvoir and Simone Weil will be the focus of Part III in the winter semester 2021/2022.

Participation in the seminar does not require previous participation in Parts I and II.
Seminar language is German or English, as required.

The course is a practical and theoretical introduction to the history of AI, machine learning and artificial neural networks that is accessible and recommended also to first-year students. The course will frame AI techniques in the larger history of media, art and culture, discussing their very recent impact on collective perception, product design and artistic creativity. No previous knowledge is required and all explanations are done step by step.

In dem Einführungskurs werden die Grundlagen von Bildbearbeitung, Layout und Vektorzeichnung erlernt. Anhand gestalterischer Übungen und freier Experimente lernen die Studierenden den Umgang mit aktuell geläufigen Grafikprogrammen.

Pflichtveranstaltung für Studierende im ersten Semester Kommunikationsdesign.

Der Begriff Medium ist unscharf und erfährt je nach Kontext und Disziplin unterschiedlichste Deutungen. Die Bandbreite seiner Definitionen erstreckt sich vom Verständnis des Mediums als eines technischen Kommunikationsmittels oder materiellen Trägers der Information jeglicher Art bis hin zum Medium als symbolischer Interaktionsform. Diese begriffliche Diversität spiegelt nicht nur die institutionelle Genealogie der Medienphilosophie, Medientheorie und Medienwissenschaft als akademische Disziplinen wider, sondern auch die Vielfalt der technologischen, gesellschaftlichen und kulturellen Phänomene, die spezifischer analytischer Fokussierung und Forschungsansätze bedürfen.
Das Seminar bietet eine kritische Überprüfung sowohl der kanonisierten als auch der heutigen Positionen der Medientheorie und erweitert das gewöhnliche Repertoire durch Studien, die als ‚Medientheorie avant la lettre’ bezeichnet werden könnten. Ein besonderer Schwerpunkt liegt dabei auf den Autoren aus dem Umkreis der Kritischen Theorie der Frankfurter Schule, u.a. auf Siegfried Kracauer, Walter Benjamin, Herbert Marcuse, Max Horkheimer und Theodor W. Adorno, deren brisante Analysen der medialen Realität bis heute aktuell und wegweisend sind.

Wie schon in früheren Semestern lesen und besprechen wir Lyrik und kurze Prosatexte. Einen Schwerpunkt wollen wir in diesem Semester auf politische Lyrik legen. Die Studierenden sind eingeladen, Texte von Schriftstellerinnen oder Schriftstellern, die ihnen wichtig oder fragwürdig erscheinen, die Begeisterung erwecken oder Ratlosigkeit erzeugen, im Seminar zur Diskussion zu stellen.

Das Seminar wendet sich an Studierende aller Studiengänge.

Entwickelt auf die einfachste Art und Weise (Küchentisch-Prototyping) ein möglichst einfach produzierbares Werkzeug, einen Gebrauchsgegenstand oder einen Produktionsprozess – zur eigenen Nutzung bei eurer Arbeit oder für eure Gemeinschaft. Macht eine genaue Anleitung (Patentanmeldung) um dieses/diesen nachbaubar und vervielfältigbar zu machen.
Die Überlegungen, die dem Prozess unterliegen, den wir durchlaufen wollen, haben ihre Wurzeln in einer nachhaltigen Entwurfspraxis, welche bewusst die geringsten extraktiven Auswirkungen auf den Planeten anstrebt. Neben dem hands-on making, dem Sich-nicht-einschüchtern-lassen in Anbetracht begrenzter Ressourcen stehen ökologische und sozioökonomische Überlegungen im Fokus des Seminars.

Die Munitionsfabrik war einst die größte Waffenfabrik der Welt. Ihre Geschichte ist tief in die Architektur des Hallenbau A eingeschrieben und kontaminiert den Ort. Durch kulturelle und künstlerische Aneignung und später durch eine Phase der Institutionalisierung wurde die Architektur überschrieben und neu kodiert.
Künstlerische Positionen und Recherchen zur Vergangenheit der Munitionsfabrik, die in den letzten Jahren an der HfG entstanden sind, bilden den Ausgangspunkt für die Auseinandersetzung mit der Vergangenheit unseres Hochschulgebäudes. Auf dieser Grundlage wird die Ausstellung „Munitionsfabrik“ entwickelt, konzipiert, gestaltet und zum Ende des Semesters umgesetzt.

Auch wenn der Begriff sperrig ist, wir gehören dazu: Kunst, Design, Darstellendes, Film, Musik, Games und Weitere bilden die Grundlage der Kultur- und Kreativwirtschaft, die seit ihrer Schöpfung als eigener Wirtschaftssektor 2009 rund 3% zur Gesamtwirtschaft beiträgt, Tendenz steigend. Wir werden gemeinsam einen groben Fahrplan für die Zeit nach dem Studium entwickeln und orientieren uns dabei an folgenden drei Themenblöcken:

- Individuelle Standortbestimmung: Woher wohin? Persönlichkeit, Interessen, Kenntnisse und Fähigkeiten
- Business Modelling in Kunst und Design: Was wofür? Canvas, Finanzen, Werte und Preisgestaltung
- Bürokratie: Wie weiter? Versicherungen, KSK, Finanzamt und die entsprechenden Prozesseen.

Das Angebot wird ergänzt durch Fachvorträge zu einzelnen Themen. Geplant sind außerdem Gesprächsrunden mit Alumni zum Austausch von Erfahrungen und Tipps.

Das Seminar findet statt im Rahmen von „Artrepreneurs / Gründungskultur“ und wird gefördert vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.
Das Angebot richtet sich an Studierende aller Studiengänge ab dem vierten Studienjahr sowie Alumni und Alumnae unmittelbar nach dem Studienabschluss.

Space is a performative medium that acts on and is activated by the bodies that inhabit it. How do bodies move and orientate through space? What motivates us to act, turn left, sit down, start a conversation?
In this practical seminar we will explore questions of perception in relation to movement and the built environment, with our embodied experience as a starting point. Through collective experiments, material interventions and discussions, we will explore the roles attention, attraction, motivation, and agency can play in scenography and spatial design.

The weekly seminar alternates between online input sessions and in-person classes, weaving theory with practice. It includes a three-day movement workshop with dancer and choreographer Noha Ramadan, November 22-24.

Im Sommersemester haben wir die Vergangenheit des Gebäudetrakts, in dem unsere Hochschule und das ZKM untergebracht sind, in einer ausführlichen Recherche beleuchtet. In dem denkmalgeschützten Hallenbau, der heute für die Verbindung von Kunst, Medien und innovativer Lehre steht, wurden im letzten Jahrhundert Rüstungsgüter produziert, die im Zweiten Weltkrieg zum Einsatz kamen. Ab 1941 wurden Tausende von Zwangsarbeiterinnen und Zwangsarbeitern rekrutiert, von denen eine unbekannte Zahl nicht überlebte. Aber auch in der Bundesrepublik wurde noch bis in die 1970er Jahre aus dem Gebäudekomplex, den unsere Hochschule mit dem ZKM teilt, die Herstellung von Tellerminen koordiniert, die weltweit vermarktet wurden. Im Wintersemester wollen wir das aus verschiedenen Quellen zusammengetragene Material sichten und sortieren. Die Hauptarbeit wird in der Produktion eines Podcasts bestehen, der anlässlich des 30. Geburtstags der HfG im Jahr 2022 dieses dunkle Kapitel unserer Hochschulgeschichte zum Sprechen zu bringen soll.

Das Seminar wendet sich an Studierende aller Studiengänge. Neueinsteigende sind willkommen.

In his first MoMA show Gabriel Orozco did something unusual: He avoided the prestigious museum’s exhibition spaces. Objects and photographs were loosely scattered in staircases and hallways. One work, however, was nowhere to spot. In order to find “Home Run”, visitors had to look out the window at the façade across the street: Once you detected one orange in the building’s windows, you suddenly saw them everywhere. Did “Home Run” transform a banal thing into an ‘objet d’art’ outside the walls of the museum?
Since its introduction into the art discourse around 1960, Duchamp’s concept of the ‘Readymade’ has undergone various transformations. Yet, the term persists in art history to frame any art practice which appropriates objects from ‘real life’, even if they break with Duchamp in every other way: Objects leave the museum, enter economic flows as subversively modified Coca-Cola bottles (Cildo Meireles), or simply dissolve in the mouths of museum visitors (Félix González-Torres). In 1996 Jimmie Durham stoned a refrigerator, and just recently Mark Leckey gave a Smart Refrigerator a godlike voice. Is there a connection?
This seminar will look at art forms using found objects in order to shed light on the (capitalist, racist) economic and social systems we inhabit – ranging from Nouveau Réalisme, Fluxus, Institutional Critique, to Relational Aesthetics, activist and postdigital art. Emerging from such movements, 'Post-Readymades' (my neologism) might function as new epistemic objects.

Bi-lingual seminar (English and German). Leistungsnachweis: 1 presentation (15min), 2 short and 1 longer thesis papers (= 12 pages total), which we will read and discuss in the seminar.

Im Mai 2022 wird nach einer Umbauphase in der Städtischen Galerie Rastatt eine Ausstellung zum
Thema Schmunzeln eröffnet. Das Seminar soll den Prozess der Ausstellungskonzeption des
Kurators Sebastian Schmitt begleiten. Es werden gemeinsam Ideen und konzeptionelle Impulse
zur Szenografie, Kunstvermittlung und Kuration unter dem Thema des Ausstellungstitels
entwickelt. Das Seminar ist die Fortsetzung des Seminars „Aufbruch Fruchthalle“ aus dem
Sommersemester 2021, in dem räumliche Interventionen für die Umbauphase entworfen wurden.
Es besteht auch hier die Möglichkeit einer Teilnahme bzw. die Ausarbeitung und Umsetzung der
bereits entstandenen Entwürfe. Teil des Seminars wird eine Exkursion in das Museum Villa Rot
und eine Ausstellung zum Thema „Lachen“ sein.

This course gives insights into the practice of contemporary artists engaging in the built environment – focussing on their processes and the interaction between their work and exhibition spaces. The course will follow a workshop format where students are encouraged to experiment with a wide range of materials, media and formats – putting into consideration the spaces they intend to engage in – in Karlsruhe.
A starting point will be the impact of post-independence architectural ruins across West Africa and their adaptation as spaces for the activation of contemporary art. It is urgent to bring to light the specificities in aesthetic heritages and contemporary practice in the various subregions of the continent, highlighting homegrown creative solutions, responses and adaptations to the contemporary art system.
I will be drawing direct references from my curatorial and artistic practice which have taken me on several road trips across the West-African sub region – undertaking research projects pertaining to gastronomy, migration and postcoloniality.
During my research travels, I have had the opportunity to encounter art spaces, festivals and biennials across the region and have observed their consistent adaptation of deteriorating state owned structures adapted as venues for both temporary and permanent spaces for the activations and exhibition of contemporary art.
The juxtaposition of art with architectural forms and the ideologies behind their design, will be the center of this course. Students will get first hand interactions with international artists via video conferencing during the seminars and workshops sessions. At the end of the semester we will go for an excursion to Paris for exhibition, studio and on-site visits.

Folakunle Oshun is an artist and curator from Lagos, Nigeria. His practice in sculpture engages the relativity of forms and the mapping of orbits and unorthodox spaces. In 2017, he founded the Lagos Biennial, a platform for critical dialogue and the development of contemporary art in Africa. He was the first recipient of the Potsdam Curator Award in 2017. In 2020, Folakunle was invited to reflect on the modern and contemporary art collection of Pinakothek der Moderne, where he co-curated a group exhibition titled "Look at This" along with Benhart Schwenk.

In his preface to John Hejduk's Bovisa, Rafael Moneo writes: “Once again, there is an emphasis on the original, on the primitive, it is the direct expression of a singular mode of thought that i would like to call figurative”. The majority of Hejduk's architecture lives in an unusual format for an architect – books, or almost: comic books. His unbuilt buildings are figures and actors. They identify “primitive” appearance (shape) with storytelling, they behave towards and interact with each other, they play out social functions – they form a repertoire of characters, a vocabulary. There is a 'Room for Those Who Looked the Other Way', a 'Ferris Wheel Clock' for the 'Time Keeper', a 'Zoologists House' for the 'Copies of Recaptured Animals'...
However, the figurative seminar is not about Hejduk – it is about that singular mode of thought called figurative. While the story of design is mostly told as a continuous, intellectual narrative of technological progress, critical feedback loops and stylistic -isms, the figurative seminar will examine ways of telling a different story of the “creatures” that live underneath, of the spontaneous lower psychological functions of design.

Together we will explore the history and techniques of digital image generation and animation. Beginning with software basics (Cinema4D, After Effects and Photoshop), we will proceed with a focus on the bridges between those, and how to design a workflow for animation and digital image creation. By the end of the semester, you will be able to flexibly use software, which is an essential asset for media arts and your own artistic practice, be it focused on video/film, installation, or photography. The taught skills are introduced through examples from animation history, and contextualized through different artists, leading the evolution of techniques.
The basics seminar is accompanied by single talks, designed to help developing individual projects. Students from all subject groups and semesters, with or without previous knowledge, are welcome.

Bei der Schreibwerkstatt handelt es sich um ein moderiertes Praxis-Angebot an alle Studierenden, die ihre Kompetenz im Verfassen von (beschreibenden, interpretierenden, kontextualisierenden, kritisierenden) Texten über künstlerische Prozesse und Resultate erproben und vertiefen möchten. Die Grundstruktur ist bewusst einfach gehalten. Wir besuchen einige aktuelle Arbeiten der darstellenden Kunst in Karlsruhe, Mannheim, Straßburg, Frankfurt/M.; nach jedem gemeinsamen Theaterbesuch veranstalten wir am folgenden Mittwoch ein gruppeninternes moderiertes Kritikgespräch zur Aufführung bzw. zu den Aufführungen. Was haben wir gesehen? Welche besonderen Momente sind in Erinnerung geblieben? Welche Fragen an das Material gibt es? Die übrigen Termine gelten dem betreuten individuellen Schreibtraining, also dem Verfassen von Texten über das Gesehene, dem Erproben mal eher analytischer, mal eher literarischer Schreibweisen, dem Entwerfen von Skizzen wie abgerundeten Positionierungen. Außerdem finden regelmäßg Treffen statt, in der wir uns gegenseitig die am Tag entstandenen Texte vorstellen und darüber diskutieren.
Grundvoraussetzungen sind Neugierde auf die Aufführungen und Lust am eigenen Schreiben: Das Mitbringen eines internetfähigen Computers ist von Vorteil.

The writing workshop is a moderated practical offer for all students who would like to test and deepen their competence in writing (descriptive, interpretive, contextualizing, critical) texts about artistic processes and results. The basic structure is deliberately kept simple. We will visit some current works of the performing arts in Karlsruhe, Mannheim, Strasbourg, Frankfurt/M.; after each joint visit to the theater, we will hold an intragroup moderated critique discussion on the performance(s) on the following Wednesday. What did we see? What special moments have remained in memory? What questions about the material are there? The remaining dates are then devoted to supervised individual writing training, i.e. writing texts about what we have seen, trying out sometimes more analytical, sometimes more literary ways of writing, drafting sketches such as rounded positionings. In addition, there will be regular meetings in which we will present and discuss with each other the texts created during the day.
Basic requirements are curiosity about the performances and a desire to write. Bringing along an Internet-capable computer is an advantage.


The role of women in arts and sciences became an essential subject both in research and teaching over the last years. In the meanwhile, the history and current situation regarding female positions in arts is quite well studied and reflected in a context that is usually defined as 'Western culture'. Beyond the controversies about the concept of the 'West', one is confronted with a lack of comprehensive information on gender aspects of cultural production in the so-called 'Global South' and in 'post socialist' countries. Precisely this desideratum will be dealt with in the seminar by presenting and discussing significant historical and contemporary female positions in the arts, design and sciences. In the previous summer semester we have focused in the first part of the course primarily on female pioneers of the Soviet Avant-garde, post-revolutionary socialist feminism and female artists and filmmakers in the late Soviet Union and GDR. In the winter semester we will focus on other relevant regions and cultural contexts in Eurasia, Africa and Latin America and invite female guest experts who will present and discuss with us outstanding female artistic and intellectual positions from their countries.

Technologien, die unter dem Begriff der künstlichen Intelligenz subsumiert werden, sind längst Bestandteil musikbezogener und künstlerischer Praktiken geworden. Künstliche Intelligenz wird im Zuge der Generierung von Stilkopien oder originären Kunstwerken eingesetzt, dient als Partnerin und Impulsgeberin im Rahmen ko-kreativer Prozesse oder ist mit ihren Potentialen und Gefahren Gegenstand einer kritischen Auseinandersetzung, die künstlerisch artikuliert wird.
In dieser Veranstaltung werden verschiedene künstlerische Praktiken und technologische Ansätze vorgestellt und aus den Perspektiven von Ästhetik, Ethik, Musikinformatik und Medienkunst diskutiert. Die gemeinsame Diskussion der Bezüge zwischen der Freiheit künstlerischer Praktiken, dem Einsatz kritischer Technologien und den ethischen Grundsätzen soll in diesem Semester ein Fokus sein, der an die Auseinandersetzung mit deep fakes und deren implizite theoretische und praktische Herausforderungen heranführt.
Nach dem Vorlesungsteil werden in einem Kolloquiumsteil entsprechende Beispiele von den Studierenden (HfM Karlsruhe: MA; HfG Karlsruhe: Diplom/Vordiplom; Uni Bayreuth: BA) in Form von Referaten (HfM, UBT, HfG) oder eigenen künstlerischen/musikalischen Arbeiten (nur HfG und HfM) vorgestellt. Diese Veranstaltung wird gemeinsam von der Hochschule für Musik Karlsruhe, der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe und der Universität Bayreuth durchgeführt.

Das Seminar ist offen für Studierende aller Studiengänge. Nach Absprache mit den Dozierenden können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.

Kleiner Einführungsworkshop zum Thema Microcontroller – insbesondere Arduino – im Umfeld Produktdesign. Was sind Microcontroller? Warum sind sie wichtig für eine/n Produktdesigner/in? Wozu sind sie gut? Welche Kenntnisse, welche Werkzeuge braucht man dafür?

Einführung und weiterführende Einführung zur Arbeit mit der Farbmaschine.

Thema des Workshops ist die Beziehung zwischen der Kamera und dem Raum der Aufnahme sowie dem Raum der Projektion bzw. der Aufführung. Wir beschäftigen uns mit grundlegenden Fragen wie Blickverhältnissen, raum-zeitlichen Relationen sowie Verschränkungen von Innen- und Außenräumen. Die Kamera dient zunächst als Instrument der Raumanalyse und als Extension des Körpers. Wir untersuchen, ob und wann die Kamera selbst ein Performer sein kann. Welche Blickverhältnisse sind durch die vorhandene Architektur bereits determiniert und wie können diese wiedergegeben werden? Wer wird durch den Blick der Kamera repräsentiert, wessen Blick wird wiedergegeben? Repräsentiert die Kamera selbst den Blick des nicht sichtbaren Performers, wenn der Raum der Performance leer bleibt? Was ändert sich durch den Einsatz einer 360-Grad-Kamera?
Der Workshop besteht aus zwei Teilen: Im ersten Teil widmen wir uns performativen 2D-Kameraübungen in Bezug auf die Architektur der HfG. Im zweiten Teil erkunden wir den räumlichen Einsatz und die performativen Möglichkeiten der 360-Grad-Kamera.
Es werden jeweils alle Schritte von Raumanalyse, Aufnahme, Schnitt und Projektion bzw. Aufführung geplant und durchgeführt. Neben der praktischen Arbeit bietet der intensive Workshop zahlreiche filmische Anschauungsbeispiele zu den angesprochenen Themen, speziell aus dem Experimentalfilm und der Aufführungspraxis.

Der Filmemacher und Musiktheaterregisseur Daniel Kötter setzt in seinen Theater-Arbeiten stets Bewegtbild in sehr unterschiedlichen Formaten ein. Die langjährige Zusammenarbeit mit Constanze Fischbeck (u.a.„state-theatre“) widmete sich dem Thema der Analyse von Bedingungen der Performativität in internationalen Theaterarchitekturen.

Der mehrtägige praktische Kurs ist eine Einführung in die Welt des Filmschnitts.

Anmeldung bis 27.10. per E-Mail.

One complete pine tree will be hauled into the Lichthof.
It will be cut into parts, sandblasted, shaved, planed, bent or burnt to create useable pieces.

Max. 12 participants.

Der mehrtägige praktische Kurs ist eine Einführung in die vorhandene Kamera- und Filmtechnik für Einsteigende.

Anmeldung für einen Block bis 19.10. per E-Mail.