Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe - Moodle Website

Das Seminar widmet sich der Interpretation von Kunstwerken der europäischen Kunstgeschichte vom Mittelalter bis zur Gegenwart. Dabei werden verschiedene Methoden vorgestellt und zugleich ein erster Überblick über die Kunstgeschichte vermittelt.

Die bildwissenschaftliche Analyse von Kunstwerken verschiedener Epochen erfordert unterschiedliche Methoden. Historische Kunstwerke verwenden eine Bildsprache aus Symbolen, Attributen, Typen und Kompositionsformen, die über Jahrhunderte hinweg Anwendung gefunden hat und der Vermittlung konkreter, erzählerischer Aussagen dient. Jedes kleine Detail kann Aufschluss über die dargestellte Geschichte geben. Mittels der Ikonographie können solche Bildinhalte entschlüsselt werden.

Drüber hinaus lassen sich Kunstwerke in einen gesellschaftlichen, politischen oder funktionalen Kontext etc. setzen. Dient uns die Ikonografie zur Deutung der bildimmanenten Inhalte, hilft uns die Ikonologie dabei größere Kontexte zu erfassen.

Auch die freie Kunst des 19. Jahrhunderts erfüllte kommunikative Funktionen und erzählt Geschichten, die es zu entschlüsseln gilt. Dabei brechen Künstler*innen provokativ mit tradierten Sujets und finden neue Formen, um aktuelle politisch-sozialkritische Themen anzusprechen.

Die Erfindung der Abstraktion im 20. Jahrhundert stellt einen noch gravierenderen Bruch mit der Kunstgeschichte dar, da das europäisch tradierte Bildvokabular keine Anwendung mehr fand. Die Moderne schlägt neue Wege ein und liefert zugleich eine Vielzahl an erklärenden Manifesten.
Schließlich werden wir mit der Erkenntnis konfrontiert, dass das Publikum an der Kreation eines Kunstwerks beteiligt ist, indem es dieses interpretiert, also zu Ende denkt. Umberto Eco prägte 1962 in diesem Sinne den Begriff des „offenen Kunstwerks“, und Arthur C. Danto bezeichnet die Tatsache das man ein Werk deuten kann, als wesentliches Merkmal der Kunst überhaupt.

Der Artivismus des 21. Jahrhunderts erweitert den Kunstbegriff ein weiteres Mal, indem sich die Grenzen zwischen Kunst und politisch-gesellschaftlichem Aktionismus auflösen. Was sind nun die Kriterien für ein Kunstwerk, und wie kann man es deuten?


Lit:
- Arthur C. Danto, Beyond the Brillo Box: The Visual Arts in Post-Historical Perspective (1992), deutsch: Kunst nach dem Ende der Kunst, München 1996
- Umberto Eco, Opera aperta. (1962), deutsch: Das offene Kunstwerk, Frankfurt/M. 1973
- Michael Hauskeller, Was ist Kunst? Positionen der Ästhetik von Platon bis Danto, München 1998
- Erwin Panofsky, Meaning in the Visual Arts (1955), deutsch: Sinn und Deutung in der bildenden Kunst, Köln 1975

A risk-free, once-in-a-lifetime crash course in English-language academic writing. Taking Plato’s critique of writing as our departure, our focus will be on dealing with (and not becoming overwhelmed by) theoretical problems that have a long tradition of attempted solutions. We will patiently journey together along the often unintuitive path from text to argument: Students will learn what a “close reading” of a primary text looks like, how to assemble and approach secondary literature, how to build their own argument and finally how to defend this argument clearly and concisely in writing. Through a series of smaller assignments and one-on-one conferencing, skills will be developed not only for the university but also for more powerful communication in art and design contexts. Though the course will be held in English, it is also open to those who wish to hone their writing in German.

We will create an interactive work in small teams.

Interaction Space labels both the space that we will be in together and the workshop itself, as a space in which we will interact with each other to create something new. It also describes the space that we find for interactions between the different elements that we bring to the workshop: ideas and concepts, instruments, objects, software, hardware, and other tools and systems. Finally, it also describes the interaction space that we will create for performer, media and audience with the projects and prototypes that will come out of the workshop.

The purpose of this one-week workshop is to gain experience in developing an interactive work, collaborating with other artists in doing so. By going through the process of creation over the course of one week, each participant will learn how to make plans of action, set priorities in the development, and make decisions accordingly to create a compelling interactive work. During the workshop, we will make use of the book "Composing Interactions - An Artist's Guide to Building Expressive Interactive Systems". The participants will be introduced to the development method presented in the book, and a visual language for describing the interactive work from concept to implementation. The participants will be engaging in a cycle of conceptualising, planning, experimenting and reflecting and finish the week with a public presentation of the works created during the workshop.

Marije Baalman is an artist and researcher/developer working in the field of interactive sound and light art, based in Amsterdam. She makes music and music-theatre performances, worked with dancers and has made several installations.
Topics that she addresses with her work are the nature of interaction between and entanglement of humans and technology, the influence of algorithms on society and the human experience, and environmental change. In her artistic work she is interested in the realtime components of the work, composing processes, behaviours and interaction modalities. This means that the sonic or visual output depends on realtime interactions of the systems she builds with the performer, the audience, or the environment. In 2022 she published the book "Composing Interactions - An Artist's Guide to Building Expressive Interactive Systems".

https://marijebaalman.eu
https://composinginteractions.art

“Open for Maintenance”

Diese Veranstaltung richtet sich an alle Studierende der HfG Karlsruhe. Das Seminar ist ein Praxisseminar und schliesst mit einem Workshop / Ausstellung in Venedig ab.
Das Seminar folgt einer Einladung des kuratorischen Teams des dt. Pavilions bei der diesjährigen Architekturbiennale 2023 in Venedig.

Die Studierenden werden gemeinsam mit der Lehrenden den Beitrag in Gruppenarbeit erarbeiten.
Der Workshop findet im Herbst 2023 in Venedig statt und wird über das Semester hin erarbeitet.
Die Biennale selbst eröffnet bereits Ende Mai.

Teilnehmer*innen: Begrenzt
Leistungsschein: Praxisseminar
Mehr Informationen bei der Informationsveranstaltung.

Sprache: Deutsch / Englisch.

Elke Reinhuber is not your average artist, because she became a specialist on choice, decision making and counterfactual thoughts in media arts. As a decidophobic in her own life, she explores alternative layers of the here and now with immersive environments and expanded photography.

The seminar navigates the limits – spatial, temporal, social and mental – of what we have come to define as ‘ecology’, starting from Felix Guattari’s ideas of the ‘three ecologies’ and ‘ecosophy’ (among others). We will feel our way through different ecological practices, guided by deep listening to prehistoric art forms, with multi-perspective perceptions, cine(so)matic, experimental approaches about sensing with different bodies on several levels of experience. We will combine different approaches across different mediums and scales, from theoretical frameworks to the durational forms of documentary and expanded cinema and forms of display, in order to learn from non-disciplinary, experimental, ecological methodologies. We will look at inter-cultural cinema, which forwards new film languages and embodiments of perception that are central to the cinematic and political practices of minoritarian groups. Through collectively undertaken study and research-based practice this seminar explores some theoretical foundations of notions of ecology, as well as practical tools necessary to grapple with the different ecological dimensions of form (cross-genre). The seminar includes guests and a study trip to visit the oldest sculpture in the world, the Löwenmensch figurine, and its context in Hohlenstein-Stadel and Ulm. The seminar requires the final preparation of an interdisciplinary essay (theory, exhibition, and/or film essay).

Afterwater (2022) is concerned with notions of fluidity and utopia. It was created in close dialogue with different collaborators, shot in two countries, in several languages, on several different materials, and features actors, non-actors and performing artists. Its deliberate mixing of cinematic modes (essay, fiction, experimental) and daring narrative required a unique approach across each stage of production.

This theoretical block seminar consisting of four three-day blocks will offer a case study of how a feature film is made through unpacking the different stages of writing, financing, pre-production, working with actors, production, editing and post-production.

The seminar includes:
Guest lectures with key collaborators: Zsuzsanna Kiràly (production), James Lattimer (writing), Rose Beermann (choreography), Jenny Lou Ziegel (image), Jakov Munižaba (sound);
Watching and discussing influences and points of inspiration (G. Evelyn Hutchinson, Tsai Ming-Liang, Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, Charlotte Prodger);
Reading and discussing texts used in the research process (Hutchinson, Donna Haraway, Timothy Morton, Emanuele Coccia);
Discussing writing process and working with different textual sources (Hutchinson, Miguel de Unamuno, Theodor Fontane, Anna Tsing, Theodor Adorno, Arthur Russell);
Showing and discussing a rough cut of the film. 

Sprache: Deutsch und/oder Englisch.

A critical and playful exploration on the legacy and contemporary status of grand hotels.
Which ghosts are haunting us in the spaces of classicist and colonial luxury, the chambers of care work and hospitality and meeting places of artists and wealthy bourgeoisie? 

In collaboration with the Grand Hotel Waldlust we invite participants to take this place as a starting point for cinematic, performative and installative works.
During a one-week stay at the hotel in July, we will create a collaborative setting to develop artistic projects that will be shown in an exhibition in 2024.

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Eine kritische und spielerische Erkundung des Erbes und des heutigen Status der Grand Hotels.
Welche Geister spuken in den Räumen des klassizistischen und kolonialen Luxus, den Kammern von Fürsorgearbeit und Gastfreundschaft und den Treffpunkten von Künstler_innen und wohlhabendem Bürgertum?

In Zusammenarbeit mit dem Grand Hotel Waldlust laden wir die Teilnehmenden ein, diesen Ort als Ausgangspunkt für filmische, performative und installative Arbeiten zu nehmen.
Während eines einwöchigen Aufenthalts im Hotel im Juli werden wir einen gemeinschaftlichen Rahmen schaffen, um künstlerische Projekte zu entwickeln, die in einer Ausstellung 2024 gezeigt werden.

Kooperation mit Hotel Waldlust, Landesbibliothek Karlsruhe

In this seminar, we will explore the relationship between machines and organic forms, examining how organic beings can be used for visual storytelling methodologies within real-time media (RTM) environments. With a focus on the Anthropocene, which highlights the impact of collective human activity on the Earth's surface, we will examine our surroundings as the primary computer. We will dive into an exploration of the intersections between machines and the natural world. Research how we can use technological methods to investigate storytelling methods and use them for community building and knowledge sharing through RTM spaces.


We will have two workshops in conjunction with the Bio Design Lab. In The Backpack of Wings workshop, we will explore how sensor technologies for non-human actors can find a way into storytelling and how it would intersect with technological means. With the Organic A/V Environments workshop, participants will have the opportunity to explore the world of microscopic imaging and capture footage (and applications its applications) within an A/V environment. Additionally, we will join in the excursion “Into the Wild” led by Anna Dukhee Lee.

By the end of this seminar, participants will have developed an understanding of creating RTM environments with organic forms and new media as the topics. Participants are expected to present an artistic project developed during the seminar.

Format: In-class sessions, followed by an open lab for technical exercises and discussion groups. Seminar will include a series of workshops, which are mandatory for seminar participants.

Das Zusammenspiel digitaler Technologien, mobiler Medien und Sozialer Netzwerke hat die Produktion und Rezeption, Distribution und Archivierung fotografischer Bilder radikal verändert. Fotografien werden milliardenfach erzeugt, sie werden dabei gleichermaßen von ihren Prosumer*innen verteilt, geordnet und bewertet wie von Maschinen, Software und Algorithmen. Wie verschieben sich dadurch fotografische Konzepte von Autorschaft, Referenz und Relevanz? Welche Ästhetiken, Wissensordnungen und Archive entstehen in digitalen Kulturen? Was für Möglichkeiten eröffnen Formen nicht-humaner Aufzeichnung und neue Tools für eine künstlerische Reflexion?
Grundlage des ersten Blocks ist die Lektüre und Diskussion des gleichnamigen Buchs und aktueller Aufsätze; für den zweiten Teil setzen wir je nach Interesse unterschiedliche Schwerpunkte, die in kleinen Gruppen vertieft werden (wie etwa Feminismus und Körperpolitik in den Social Media, fotografischer Aktivismus, Politiken des Filterns, In-Game Fotografie).
Angedacht ist dabei die Entwicklung einer Präsentation von Ergebnissen (Panel, Lectureperformance o.a.) der einzelnen "Feldforschungen" für den Rundgang.

Mitten im medial vermittelten Gerede: Ist das gefilmte Interview als eine Form der Befragung zu verstehen, mit dem Ziel persönliche Informationen, Sachverhalte, Meinungen
oder Zeugenschaften zu ermitteln? Geht es um Talking Heads oder um eine prozessuale Gesprächs-Form, mit dem Ziel einer transversalen Subjektivität? Sprechen als, sprechen über, sprechen nahe bei und sprechen mit? (Trinh T. Minh-ha)
Wo also positionierst du dich, wie interagierst du, welche Idee eines Austausches hast du, was passiert nach dem Interview? Und wie verhalten sich die Stimmen, Körper und Gesten zu den filmischen Räumen, in denen sie arrangiert sind?

Das Seminar ist eine Fortführung aus dem letzten Wintersemester, das mit Filmbeispielen und Texten dieses scheinbar pragmatische Instrument filmischer Recherche zur Diskussion stellt.

Madeleine Bernstorff ist Kulturproduzentin, Filmkuratorin, Autorin, Lehrende, lebt in Berlin, macht Filmprogramme oft in Kollaborationen, lehrt und schreibt zu Film.
Madeleine Bernstorff ist Kommissionsmitglied der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen.

The understanding of studio and sound technology is mandatory for working in the HfG's production studios. This course focuses on acoustics, sound perception and studio equipment. It outlines the physics of sound, as well as the principles of acoustic transducers and sound generators. Theory of analog and digital signal processing is accompanied by practical explanations of operating concepts of mixing desks, sequencers, audio interfaces and amplifiers. Connection and transmission technologies will be covered equally.

As proof of their understanding of how to use the equipment, participants must realize a sound piece in the studios based on what they have learned. An assignment will be handed out during the course.

A basic certificate (Grundlagennachweis) is awarded for successful participation. This entitles the students to work in the HfG sound studios.

Offen für Studierende aller Studiengänge, die an Bewegtbild-Projekten in jeder Entwicklungsstufe arbeiten.

Sprachen: Deutsch und/oder Englisch

Bei diesen Einzelterminen wird eine individuelle Betreuung von der ersten Idee bis zum Abschluss des Projekts angeboten. Der Fokus liegt hierbei auf Machbarkeit, Statik, Konstruktion, Materialität, Verfahrenstechniken und Konstruktionszeichnung. Die eigenständige Umsetzung wird dabei gefördert und gelehrt.
Diese individuelle Projektbetreuung vermittelt auch handwerkliche Grundlagen und beinhaltet die Einführung in das erweiterte Werkstattangebot bezüglich Maschinen, Geräte und Techniken, die über die Grundeinweisung hinausgehen.

1 to 1 talk with students to deepen their knowledge of their artistic projects. This will be an opportunity to get feedback on the work geared towards the Rundgang, as well as for diploma and pre-diploma projects for the Media Arts students.

Betreuung von Einzel- und Gruppenprojekten, Vordiplom, Diplomarbeiten; offen für alle Fachbereiche.

Support for individual and group projects, open to all disciplines.

Sprechstunde / Besprechung von theoretischen und praktischen Arbeiten

Wandertag, Waldeslust, Welterstaunen, Weltentzücken, Waldsterben

Das Theatertreffen Berlin ist DAS seit 1964 alljährlich in Berlin stattfindende Festival des deutschsprachigen Theaters. Es findet in diesem Jahr unter der Leitung eines neu angetretenen vierköpfigen multinationalen Teams statt. Das Festival zeigt neben den „zehn bemerkenswertesten Inszenierungen des Vorjahres“ aus Deutschland, Österreich und der Schweiz, ein umfangreiches Begleitprogramm. Dieses bietet künstlerisch diskursive Resonanzräume in sehr verschiedenen Formaten. Der Theatertreffen Campus schafft die Möglichkeit des Austauschs mit Studierenden aus mehreren Universitäten. Die Exkursion wird zusätzlich durch Ausstellungsbesuche und Künstler*innengespräche erweitert. 4 Tage volles Programm!
https://www.berlinerfestspiele.de/de/theatertreffen/start.html

09.05.23, 16:00 - 17:30 (Vorbereitungstreffen)
Exkursion: 18. - 21.05.23

Into the Wild Excursion is a participatory trip to Arnsberg that will be divided into two parts:

The first part invites attendees to participate in the creation of the installation “Into the Wild” by Dukhee Jordan and to observe the creative process. They will also have the opportunity to spend time at the Kunstverein Arnsberg (http://www.kunstverein-arnsberg.de/history) and get to know its resources.

The second part will consist of a visit to an exhibition by Rana Hamadeh, followed by a talk by the artist.

Information on the exhibition:

“Into the Wild”, which takes place at Kunstverein Arnsberg, presents an edible table of herbs, fragrance flowers, and ancient plant knowledge. Every itineration of “Into the Wild” is a locally designed and researched project, embedded in the native food culture. The protagonists of this social food experience are herbs and vegetables, which are transformed into an edible sculpture and accompanying dishes served at the table. It opens a dialogue alongside the dining table, in a sensual way, taking interventions of different forms that work as a social sculpture. The participants are invited to join the wild dining sculpture and eat with their hands; there are no plates, no forks and no knives. The table is completely consumable.

All the food leftovers are turned into compost and consequently into the soil, which makes a full ecological circle. The sensual work is built Together with the permaculture gardener Andre Noack.

Das D in FID stand für Dokumentarfilm, bis das Festival diese Bezeichnung im Jahr 2011 löschte. Jetzt lautet sein vollständiger Name Marseille International Film Festival. Diese Geste weist auf ein Kino hin, das sich zwischen und jenseits von Genres, Modi und Registern bewegt und Dokumentar-, Narrativ-, Essay- und Experimentalfilme und Werke unterschiedlicher Dauer auf innovative Weise nebeneinander stellt. Mit eigenen Worten: „Das FID möchte eine erweiterte Vision kultureller Aktivitäten artikulieren mit dem Ziel, ein immer größeres und zunehmend vielfältiges Publikum zu erreichen. Ein Kino, das sich mit der Realität auseinandersetzt – sei es in dokumentarischer oder fiktionaler Form – geht uns alle an … Das Festival möchte ein aktiver Raum für öffentliches Denken sein.“

Den Rahmen der Exkursion bildet der Internationale Wettbewerb, der jedes Jahr grenzüberschreitende Bewegtbildarbeiten nicht nur von etablierten Filmemacher*innen und Künstler*innen, sondern auch von Newcomer*innen präsentiert.

Auf dem Programm stehen außerdem exklusive Gespräche mit Filmemacher*innen aus dem Internationalen Wettbewerb sowie Produzent*innen und anderen Expert*innen aus dem Projekt FIDLab, der internationalen Koproduktions-Plattform von FIDMarseille.

Die Teilnehmendenzahl ist auf 15 Studierende begrenzt. Für die Erstellung einer Hausarbeit können ein Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst oder ein Leistungsschein Kunstwissenschaft oder ein Leistungsschein Medienphilosophie vergeben werden.

Anmeldung bis zum 30.04. bei Wen Liu ywliu(at)hfg-karlsruhe.de

Termine: 19.04. 17:00-19:00 (Vorbesprechung) / 04.07.-09.07 (Exkursion)

Sprache: Deutsch und/oder Englisch

The colloquium is dedicated to the course on Large Language Models running in parallel to it, to the activities of the KIM research group and to AI-related research projects. To enrol or to propose a topic, please send an e-mail.

Das Kolloquium erarbeitet die Publikation zur einjährigen Workshop - und Lectureserie "Scenography in the present". Die Beiträge der Publikation sind weitgehend fertig, die Gruppe erarbeitet zusammen das Konzept, Bildstrecken und Rahmentexte. In Zusammenarbeit mit Studierenden des Kommunikationsdesigns entsteht die Gestaltungsidee.

Safety vs. Security. Ein kritisch-kunstwissenschaftlicher Salon zum Zeitgeschehen
Die Begriffe Safety und Security bilden ein breites Spektrum, um sich mit kunstwissenschaftlichen, politischen und kulturpraktischen Erscheinungen und Gegenständen auseinanderzusetzen. In einem akademischen, jedoch zwangslosen Salonformat wird aktuelles Zeitgeschehen im Kurzschluss mit geeigneten Begriffen und Theorieansätzen vertieft und bei wechselnder Besetzung aus unterschiedlichen Perspektiven erörtert und diskutiert. Impulsvorträge bilden dabei die Ausgangspunkte für Studierende, ihre individuellen, wissenschaftlichen oder künstlerischen Ansätze mit Externen und Lehrenden zu besprechen.
Termine werden jeweils noch bekannt gegeben. Hier sind interessierte Studierenden herzlich eingeladen, Themenschwerpunkte und Interessen zu setzen und dazu im Vorfeld Vorschläge zu machen. Ideen gern per Mail an Jules Buchholtz oder Barbara Kuon.

Das Kolloqium findet voraussichtlich donnerstags abends in 14-tägigem Rhythmus statt.

(English version below)

Interaktive Experiences, ludische Kunstwerke, Immersive Erlebnissräume und nonlineares Storytelling. Dieser Kurs richtet sich an Studierende der Medienkunst und Szenografie, die spielerische Elemente (analog und digital) an den Schnittstellen zwischen Medienkunst, Theater, Erfahrungsräume und Spiel in ihren Arbeiten zum Einsatz bringen wollen. Wir erforschen Kunstwerke, die in diesem Grenzbereich angesiedelt sind und entwickeln selbständig interaktive, ludoimmersive und ludonarrative künstlerische Arbeiten.
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Ludointeractives and Artgames

Interactive Experiences, Ludic Artworks, Immersive Experiential Spaces, and Nonlinear Storytelling. This course is for students of media art and scenography who want to use playful elements (analog and digital) at the intersections of media art, theater, experiential spaces, and play in their work. We will explore artworks located in this borderland and independently develop interactive, ludoimmersive and ludonarrative artistic works.

They walk into an open space. They take a deep breath and look around. There are living things in the space: breathing, growing, making sounds, entering and departing, leaving traces in the ground. There are also not-living things lying or leaning, covering, concealing, framing and interrupting each other. Among all these things they feel very new, but curious what it might be like to make this unfamiliar space a place of their own—even if just for a moment.

Tentatively, they start their first exercise in assembling: Setting out what is theirs in this place with its own parameters, restrictions and possibilities. Smelling the air, they think about what it tells them.

Exhausted from the exercise, they let their thoughts rest for a bit.

Their second exercise is about disassembling what they found: every now and then they gather in unreal space they all access through waves in the air. They compare, discuss and share their findings with other people.

The third exercise comes later; this one is about adapting: They have changed places by then, but they have brought all their things and souvenirs from the first place. Carefully unwrapping them now, they look very different in their new surroundings. They smell the air again. Is it the same as in the first place? What makes it different? They start to document what has happened.

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This seminar experiments with an open public natural space as a democratic way of exhibition making. In two workshops students from the Kunsthochschule Kassel and HfG Karlsruhe meet in two specific settings. At the Floating University in Berlin from 15. - 18.5.2023 and in the Black Forest near Karlsruhe in July 2023, to develop a group exhibition in response to the setting. The sites and artistic methodology intend to create the focus for the investigation of a broader framework. Sharing the air, permanent human and non-human inhabitants, ecological and architectural conditions are just as relevant as gestures of hosting, inviting, showing and authorship. In addition to group discussions, short online lectures and the site interventions, students will collectively design a publication.


The course is held in German and/or English depending on the needs and preferences of participants.
Maximum number of participants: 8

“There is no end to what a living world will demand of you.” Octavia E. Butler, Parable of the Sower.

Performative readings and a series of experiential exercises and excursions will inform stagings derived from the sci-fi novel "Red Star". Alexander Bogdanov's protagonists on Mars struggle with the issues of their world: art, architecture, gender, education, environment, infrastructure, labor, social organization and even what it means to fall in love. They open up a space for micro-reality shifts to operate, somewhere between shapeshifting and time travel, to imagine being differently in the present. The alien environment on Mars is a useful backdrop for understanding how imaginaries can be situated, transformed and activated.

Read and staged in relation to the "Parable of the Sower" and other contemporary notions of worlding, the class will question the ways “we" sense and socialize our world(s) and propose that these constructs are always present within natural and social constellations. The readings and bodily exercises will feed into a series of stagings for time-based productions such as performance, audio, text and moving image.

During the summer of 1965, I travelled across country with my younger brother, Carl, and a school friend who had a job lined up in Hollywood. Yet Berkeley—then the mecca of creative and political scholarship and action, where an important poetry conference was just about to begin—was the tangible destination. Little did I realize how this trip would affect the entire direction of my life. In retrospect it seems miraculous that being in a particular place at a particular time should activate or propel one’s life in such a purposeful way. I was perhaps already primed. I was a novice, naive young votary. I was curious to hear some of the live voices of these persons I was privately emulating. They were less predictable, far ranging, their field was much more open, expansive. So-called subject matter was explicit, tender. The poems were political, spiritual. Lines were shocking, dissonant, powerful, beautiful, lyrical, strange. The audience stayed with these poets all the way. Responsive to the point of shouting out commentary. These were not entertainments. The poet was not a politician or salesman per presence, the groping for what was it? More light? More glimmers that were poems? Outside poems? The sense that one had a personal dance or motion in the world, a “job” to do, seemed to sustain this huge bear of a man whose feet lifted off the ground as he read, arms supporting his massive frame on the podium. And his arms had waved and danced in the air as he read, gestures into the ether. This was a body poetics. And these poets had put their whole beings on the line. Was I being too roman for a liberated life. Women could be empowered, more in touch with their bodies as landscapes for writing, not imprisoned by hope and fear of being desirable, feminine. Language could stretch to these new parameters. Other cultures—ancient cultures—were being rediscovered. We could see newly, freshly, through prehistoric eyes. Sappho’s fragments were suddenly modernist poems. Ethnopoetics was as relevant—more relevant in fact—as it studied the songs and rhythms of the indigenous people of this continent—than the European canon. “Make it new”. “Projective verse”. “No ideas but in things”. “Exploratory poetics”. “Form is no more than an extension of content” “Duende. ” “Personism.” “Continuous present.” Although I never eschewed commas, Gertrude Stein said they were only good for hanging your hat on. Of course!” (Anne Waldman on the experiences which lead to establishing the Naropa Summer School programme: Jack Kerouac School of Disembodied Poetics).

We will examine ways in which to build a Winter School and propelled by this destination, the mechanics of building bricks will break off smaller imminent projects. We will study the history of off-site education, trace their lineage and plot a new target. We will learn to build chairs, draw-up space to work, write for the future, read from the past and produce books to the Greatest Hits Library (I will explain). We will ask: What could we do? More work? More paragraphs that were linebreaks? We will make various objects and attempt to open “the field”. There will be guest workshops and lectures by graphic designers, architects and perhaps a poet.

Over the past few years, we have witnessed a significant shift in our multisensory encounters, as they are being increasingly enhanced and monetized through technological advancements, products, and services that are tailored to cater to our highly digitalized environment.

Many of our previous sensory-rich experiences have been condensed into streamlined digital interactions. Eating a meal, writing a letter, or meeting a friend are just a few examples of activities that are now commonly conducted through digital channels.

In this course we will explore our bodily senses in the digital age. By researching, discussing and dissecting things such as ‘having a meal’ and ‘writing a letter’ and how these previously very multisensory experiences have drastically changed along with the digital environment, trying to find out which values are important to bring with us into the future.
How can we consider multisensory worlds where we marry physical experiences with digital elements? How can we implement digital technology in a way that enhances the sensory experiences rather than over-stimulating a single sense at the expense of others?
From communication design to product design, the students will work towards the future of dining. We will work conceptually, across mediums and hands-on to investigate our relationship with technology and together render sensory realties.

MFFFM is a collaborative, associative, morphological, transdisciplinary journey.

In MORF FROM FORM FROM MORF, we will produce a diverse series of works using an associative, morphological method. Here we develop forms that emerge from other forms in an associative manner. The result is a series of outcomes of which each work is always a reaction to the previous work of another. The method invites us to learn new techniques, step into other disciplines and work on solutions when it is not immediately clear how to proceed. The archive of works created in this way will be diverse and experimental, it may range from material tests to performances and from videos to objects, and everything in between. The works, sometimes visible sometimes less so, will all relate to each other. But of equal importance as the works is their documentation, it is to this that your colleagues will respond, and we will work on treating documentation as central to the design process. The seminar will conclude with joint publications of this documentation.

This method will give you a toolbox that includes dealing with "failure," handling difficult briefs, flexibility of approach, and understanding the importance of documentation.

The current libre / open source toolset allows pushing the boundaries of book making. During the last 10 years, in a wish to go beyond limits imposed by proprietary software, designers, artists and collectives researched new ways of thinking the publishing chain. PrePostPrint, initiated by Raphaël Bastide and Sarah Garcin in 2017 is a network made up of such people, events and tools. The collective shares ways of crafting graphic objects, with alternative, libre or DIY tools or made in a certain context constrained by its economy, its emergency or its collaborative nature.

The goal of the seminar A Party to Print is to organize a party within the school, to get it documented, and to print a book about it. This book will be the party, and the party will be the book. Students will have to develop and design dedicated digital protocols and tools to live document the event, using automation, HTML to print, single source publishing, live collaboration, generative typography / layout / content…

Even if no specific knowledge is required, we will make sure to create a balanced group to collaborate on code, design, food, and event organization.

A, B, C … 1, 2, 3 … 1a, 1b, 1c, 2, 3a … A1, A2, B1, B2, B3 … Hierarchien entstehen in einem System aus Einzelelementen in erkennbaren Verhältnissen und Zuordnungen. Lesbar werden diese Systeme, wenn zwischen den Inhaltsebenen, sich bereichernde Zusammenhänge und Abhänigkeiten bestehen. Inhaltlich können diese Systeme aus jeglicher Art von Einzelinformationen bestehen und visuell durch sinnbezogene Kontraste, Ausprägungen und Ausgestaltungen bereichert werden.

Typografie II befasst sich mit der Analyse von Ordnungs- und Hierarchiesystemen, Strukturierung von Inhalten und der systematischen und nachvollziehbaren Aufbereitung verschiedener Inhaltstypen eines zusammenhängenden Ganzen. Der Fokus des Kurses liegt darauf, typografische Systeme visuell neu zu denken und in ihrer Eigenheit überraschend umzusetzen.

Verpflichtend für alle Studierenden des ersten Studienjahrs Kommunikationsdesign.

In recent years, there has been a new interest in Critical Theory in and from the Global South. At a time when the notion of critique came under attack in Western academia, be it due to its alleged eurocentrism or anthropocentrism, Critical Theory became a global umbrella term for interdisciplinary schools of critique, engaging with, departing from or criticizing the three “critical” discourses of Marx, Nietzsche, and Freud. With the globalization of Critical Theory, concepts of critique, criticism, subjectivity and universalism are put to the test: what is “western” or “eastern”, “northern” or “southern” cannot be answered sufficiently with reference to geography, culture and language anymore. This course engages with the debates that preceded and followed from the globalization of Critical Theory. In continuation of last semester’s course on “Critiques of Modernity,” we will interrogate the historical conjuncture of postcolonial theory and the critical canon of European philosophy.

“The unconscious is structured like a language” – with this famous aphorism Jacques Lacan inscribed the signifier in the realm of the unconscious and the drives. “Returning to Freud,” Lacan gave rise to a new notion of language, extending to objects, images, media and even the new cybernetic machines that were already discussed in France as early as the 1950s. In contrast to Lacan and other structural semiotizations of the mind, Félix Guattari proposed a different (non-Freudian) notion of the unconscious. For Guattari the unconscious is structured like a machine of flows (production), in which logos (representation) would no longer be primary. The dispute between the circles of Lacan and Guattari was part of the much larger debate on structuralism and poststructuralism that unfolded in France post 1968 in philosophy, anthropology, linguistics, psychoanalysis and other disciplines. Departing from this controversy, the seminar intends to highlight alternative dimensions of language in minds, markets, and machines. The previous semester’s seminar “What is abstract labour?” discussed forms of abstraction other than thought, exploring social abstraction in the dimensions of capitalist commodity exchange and technological development. Similarly, this seminar investigates forms of language beyond linguistic formalisation in the disciplines of psychoanalysis, semiotics and political economy.

Das Seminar richtet sich an Studierende des Studiengangs Ausstellungsdesign/Szenografie mit Grundwissen in Rhino 3D.
Wir werden nun kompliziertere 3D-Modelle herstellen und tiefer in die Themenbereiche Vorbereitung für Modellbau, Visualisierung und Umsetzung von Ausstellungsplanung eingehen.

Das Mittelmeer als Ort, als Grenze, als Raum — für Wind, Wellen und Grund, für Reisen, für Flucht, für Meeresbewohner, Wirtschaftsgüter und Narrative, für Fernweh, für Erinnerungen, für Stagnation, für Bewegung und Ströme.

Mit Bewegtbild als Medium werden wir In diesem Seminar aus unterschiedlichen Perspektiven auf das Mittelmeer blicken, recherchieren, dokumentieren, erarbeiten und kommunizieren, an der HfG und vor Ort.

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The Mediterranean Sea as a border, as a place, as a space - for wind, waves and ground, for journeys, for escape, for sea dwellers, cargo ships and narratives, for longing, for memories, for stagnation, for movement and currents.

Using moving image as a medium, In this seminar we will look at the Mediterranean from different perspectives, research, document, work and communicate, at the HfG and on-site.

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Language: German and/or English

Some things seem to come from on all-embracing truth. Like a Rabobank ATM card, which has exactly the right size to slide smoothly into every payment slot on every continent; or South Korean screw threads, which conform to any given pitch around the world; or the AAA+ batteries from Kenya, which seem to just perfectly fit into every device around the world. Yet what might look like a global monopoly at first glance, is actually the result of the intense standard-making activity by institutions like the International Organization for Standardization (ISO). A growing number of such organizations develop technical criteria, that are applied to an increasing number of components, products and processes all around the world, reaching from the microscopic to the gigantic, making the world a more unified and uniform place.

There seems to be a standard for almost everything today. There are standards for JPEGs and MPEGs, books, magazines, and music, for computer protocols, the font format OFT, RFID-chips, containers, car seats, colour systems by Pantone and paper formats. There are standards for the bristles of tooth brushes, iron ore mining techniques and spacecrafts. There is even a standard glass for wine tasting (ISO 3591:1977), a standard for black tea (ISO 6078:1982) and for cooking pasta (ISO 7304-2:2008). Unsurprisingly, the incessant standardization of everything by ISO and like-minded organizations is described by critics as a “world-state” and “world-cultural authority”.

Nevertheless, companies and governments all around the world trust standardizing bodies like ISO almost blindly, since they are often regarded as strongholds of objective, rational activity. Inside its offices and labs, trustworthy engineers, “technical committees” and “independent technical experts” develop standards based on scientific theories, experiments and arguments, as well as a consensus-seeking voting process. Equally, ISO uses the supposedly objective language of science for their documents. Statistics, graphs, diagrams, forms, grids, technical illustrations and scientific codes pretend a standardization process free of political ideology, solely guided by rational thinking.

However, although ISO-standards are rendered in the language of science, they are not as apolitical as some would wish. Quite the opposite is the case, as Keller Easterling argues in her book Extrastatecraft, since standards “determine how objects and content are organized and circulated and thereby (…) make certain things possible and other things impossible.” For example, ISO-standards aim to remove global trade barriers and make economic exchange more efficient. By doing so, their predefined formulas make the extraction of raw materials easier, help to intensify their transport around the globe, accelerate industrial production processes and contribute to its related CO2-emmissions. Additionally, the implementation of global standards has also often replaced local forms of labour and knowledge, thereby marginalizing certain bodies, genders, communities and social relations that don’t meet the prewritten standards. All of these dimensions–extraction, exploitation, uniformity, inequality, and so on–lie hidden under the surface of the thousands of standardization documents produced by ISO and similar organizations to this day. And all of them rendered in the crystal-clear words and indisputable images of technoscience.

In the seminar Setting Standards, we will challenge, uncover, deconstruct and question global standardization practices within Graphic Design and beyond. By hacking some of the standardizations and its visual languages, we will imagine how vernacular measurements and formats, not informed by economic efficiency and means of production, can represent more diverse, compassionate and entangled tales of life.

Begriffe der postkolonialen Theorie sind heute allgegenwärtig. Im Feuilleton, auf Social Media, in der Popkultur oder an der Universität finden wir sie, zumeist ihres ursprünglichen Kontextes enthoben. Mit ihrer Hilfe werden Shitstorms produziert, ganze Institutionen oder gar Städte (angeblich) dekolonisiert oder ganz individuell Sprach- und Verhaltensänderungen eingefordert. Für manche sind sie unabdingbarer Teil der eigenen woken Identität, für andere wiederum Ausdruck eines neuen Autoritarismus progressiver Kräfte. Jenseits dieser gegenwärtigen Kulturkämpfe wollen wir uns in diesem Lektüreseminar eingehend mit einigen zentralen Begriffen der postkolonialen Theorie auseinandersetzen und nachvollziehen aus welchen Diskursfeldern und konkreten historischen Situationen und Kämpfen sie entstanden sind.

„It matters what matters we use to think other matters with; it matters what stories we tell to tell other stories with; it matters what knots knot knots, what thoughts think thoughts, what descriptions describe descriptions, what ties tie ties." Donna Haraway

Worldbuilding ist eine Methode, die zur Gestaltung von Science-Fiction- und Fantasy-Erzählungen in Film, Videospielen und Literatur verwendet wird. Es handelt sich um eine Praxis, bei der eine holistische Welt entworfen wird, aus der eine unendliche Anzahl von Erzählungen entspringen können. Ausgehend von Gayatri Spivaks Konzept des Worldings werden wir digitale und analoge Artefakte generieren, die als Startpunkte für eigene alternative Zukünfte fungieren. Durch die Entwicklung konkreter Artefakte werden die Details unserer geschaffenen disruptiven Welten zum Leben erweckt. Fiktion, Storytelling und Szenografie stehen im Fokus dieses Seminars. Die Teilnehmenden sind eingeladen, eigene Projekte unterschiedlicher Formate zu realisieren.

Disruptive Worlding II ist eine Fortsetzung des gleichnamigen Seminars aus dem letzten Semester von Charlotte Eifler und wird dieses Semester in Zusammenarbeit mit Ebba Fransén Walhör und der Kuratorin Agnieszka Roguski durchgeführt. Es beinhaltet eine Exkursion zu der Gruppenausstellung WORLDBUILDING: Videospiele und Kunst im digitalen Zeitalter in Düsseldorf Anfang Mai.

In the last two decades, discussions about artistic research have flooded contemporary art discourse. Since the “early noughties”, countless thematic symposia, conferences, exhibitions and seminars on artistic research have taken place. In a relatively short period of time, it has become a normative institutional paradigm in the academic art system. While sharing a general criticism of this tendency as yet another manifestation of the need to rebrand artistic practice according to current trends in cultural and educational policy by creating new, fitting ‘isms’ and concepts, the seminar will attempt to grasp the essence, causes and, above all, possible consequences of these developments for artistic practice. In particular, it will focus on pivotal publications, representative art projects and various methodological and conceptual approaches to artistic research. The course will be accompanied by a series of guest lectures, which will present relevant examples of artistic research in contemporary art practice.

How can you get the life you want? Are there skills which can be learned to help you achieve that?
What do I want to do with my adult life? What am I going to do when I finish studying? Questions like these never really go away, creating anxiety for just about everyone. At the same time, these questions should never disappear, as we should never stop developing and growing. This seminar looks into what artistic and creative design principles we can apply to our daily lives, on a personal and creative level. Befriending doubt. Discarding falsely framed questions and dysfunctional beliefs. Testing the waters. Various ideas and techniques will be examined, elaborated upon and put into action.

Wie kannst du das Leben bekommen, das du dir wünschst? Gibt es Fähigkeiten, die man lernen kann, um das zu erreichen?
Was will ich mit meinem Erwachsenenleben anfangen? Was mache ich nach dem Studium? Fragen wie diese werden nie ganz verschwinden, und sie lösen bei fast allen Menschen Ängste aus. Gleichzeitig sollten diese Fragen niemals verschwinden, da wir als Individuen nicht aufhören sollten, uns zu entwickeln und zu wachsen. Ein Seminar, das untersucht, welche künstlerischen und kreativen Gestaltungsprinzipien wir in unserem täglichen Leben auf einer persönlichen und kreativen Ebene anwenden können. Falsch formulierte Fragen und dysfunktionale Glaubenssätze ablegen. Sich mit Zweifeln anfreunden. Das Wasser testen. Verschiedene Ideen und Techniken werden untersucht, vertieft und in die Tat umgesetzt.

Am Thema Urheberrecht kommt man im Bereich der Kreativwirtschaft kaum vorbei. Ob Texte, Grafiken, Fotos, Filme oder Softwarecode - viele Arbeitsergebnisse von kreativen Schaffensprozessen sind urheberrechtlich geschützt. Daher sind sowohl für die Kreativschaffenden selbst, als auch diejenigen, die solche urheberrechtlich geschützten Werke nutzen wollen, Grundkenntnisse des Urheberrechts dringend erforderlich. Im Workshop werden anhand von konkreten Beispielen aus der Praxis die wesentlichen Regelungen erläutert und Wege aufgezeigt, um die wirtschaftliche Verwertung von Urheberrechten abzusichern.

Wer eine Geschäftsidee hat, stellt sich in der Regel zwei Fragen: Wie lässt sich gewährleisten, dass es die oder der Kreativschaffende selbst ist, welche*r die Idee vermarktet, und nicht jemand anderes?
Die zweite Frage zielt auf die rechtlichen Möglichkeiten ab, eine Geschäftsidee zu schützen.
Für Geschäftsideen und Neuentwicklungen können, sofern entsprechende Voraussetzungen vorliegen, Gebrauchsmuster sowie ein Patent angemeldet werden. Im Angebot werden anhand von Beispielen die unterschiedlichen Möglichkeiten skizziert.

Schlaf ist essentiell. Er garantiert körperliches und psychisches Funktionieren, aber auch die Fähigkeit, überhaupt etwas ins Entstehen zu bringen. Wenn es in einer der großen Schöpfungsgeschichten heißt: „Es wurde Abend und es wurde Morgen. Daraufhin ließ Er ihn in einen tiefen Schlaf fallen und entnahm ihm eine Rippe […]“, so ist Schlaf hier als Grundbedingung für einen schöpferischen Akt zu sehen. Gleichsam ist durch ihn die Zeit, in der etwas geschaffen werden kann, begrenzt. Zeugnisse davon, die Dauer des Schlafes auf ein Minimum zu reduzieren und den Tag in mehr als zwei Intervalle zu teilen, geben Aufzeichnungen und Berichte über schöpferisch tätige Menschen wie etwa Leornardo, Franz Kafka, Buckminster Fuller u.a. In einem zentralen Sinne sind Leben (und auch Künste) also von der notwendigen Wiederholung einer Funktionsunterbindung geprägt und davon, sich kurzfristig unverfügbar zu machen im Sinne einer temporären Weltentzogenheit. Denn wer schläft, verliert das Bewusstsein und die Kontrolle über sich und andere. In der Suspendierung von Wahrnehmung ruhen gleichsam alle Kapazitäten von Produktion, Steuerung und Macht, hingegen wird menschliche Verwundbarkeit bloßgelegt. Was ist Schlaf: eine Form von Abwesenheit? Erbauung zur Erhaltung von Produktivität? Unterbrechung der Verwertungslogik? Selbstverdauung? Eine Tarnkappe gegen Überwachung und Kontrolle? Die Minimalform von Frieden? Eine Todesübung? Selbstentsagung? Selbstsuspendierung? Vorübergehende Nichtheit? Eine geheimnisvolle Endomorphose? Als Thema der Künste zu allen Zeiten erschließt der Schlaf eine Vielzahl formal-ästhetischer, künstlerischer und politischer Fragestellungen, denen das Seminar aus vier Perspektiven nachgehen will: kunsthistorisch-medienperformativ / philosophisch-ontologisch / räumlich-performativ / politisch.
Das Theorieseminar enthält praktische Anteile (Block). Studierende sind eingeladen, ihre eigenen Arbeiten einzubringen, Verarbeitungen der Seminarinhalte und im Seminar entwickelte eigene Ansätze werden auf dem Rundgang präsentiert.

Format
- Vier Vorlesungen mit Seminar und Diskussion im Anschluss
- Zwei Reading Sessions mit drei vorzubereitenden Texten

Termine
- 20.04. 19:00 - 20:00 Vorbesprechung (remote)
- 27.04. (VL 1+SE)
- 11.05. (VL 2+SE)
- 25.05. (reading)
- 09. + 10.06. praktischer Block
- 22.06. (VL 3+SE)
- 06.07. (VL 4+SE)
- 20.07. (reading + Wrap-Up)
- praktischer Block (voraussichtlich 09. + 10.06. oder 24. + 25.06.)
- Präsentation Einzelarbeiten Rundgang

Scheinerwerb
Kurzreferat + Hausarbeit (15-20 S.)
Kurzreferat + praktischer Beitrag Rundgang + vertiefte Reflexion (8-12 S.)

Game Culture, Game Design, Game Studies – das Forum Ludorum ist die Austauschplattform und Kernveranstaltung des Gamelab der HfG für kulturelle und wissenschaftliche Diskurse sowie gestalterische Aspekte zum interaktiven Medium Computerspiel. Gemeinsam analysieren und diskutieren wir über aktuelle Entwicklungen, Debatten, alte und neue Games. Dabei stellen wir gesellschaftliche, historische, intermediale und popkulturelle Bezüge her. Die Themen des Semesters werden gemeinsam ausgewählt. Eigene Themenvorschläge und Vorstellungen von Projekten sind herzlichst willkommen.
Das Forum wird vor allem, aber nicht ausschließlich Erstsemestern und Neuankömmlingen empfohlen.
KIT-Studierende können im Rahmen des Seminars einen Leistungsschein Fachtheorie im Ergänzungsfach Medienkunst (6 ECTS) erwerben. Die Anforderungen für den Erwerb eines Leistungsscheins sind ein Referat und eine wissenschaftliche Ausarbeitung zu einem selbst gewählten Thema aus dem Bereich Games. Das Seminar ist offen für Studierende aller Studiengänge. Auch Personen ohne Leistungsscheinbedürfnisse sind herzlich eingeladen, mit uns zu diskutieren, ihre Projekte oder Themen vorzustellen.

Das Seminar wird wieder hauptsächlich vor Ort und selten über den HfG GameLab Discord durchgeführt.



DEU
Panorama, Diorama, Small-Scale Installationen und protocineastische Apparaturen bilden den Ausgangspunkt einer zunächst theoretischen, d.h. kunstwissenschaftlichen sowie kunsthistorisch informierten Auseinandersetzung mit technisch-basierter Wahrnehmung, Aufmerksamkeit für Übersehenes und performativ-interaktiven Seherfahrungen.
Im Seminar befassen wir uns darauf aufbauend mit der Verräumlichung von Bildern, dem Kurzschluss von Realem (Umgebung) und Fingiertem (Simuliertem) als Clash von Bewegtbild und Umgebung, mit der Codierung von Räumen auf akustischer, bildlicher und materieller Ebene sowie mit der Performativität von veränderten Größenverhältnissen. Die reflexiven und interaktiven Beziehungen von Bild und Umgebung (auch hinsichtlich Brückenschlägen in virtuelle Welten und deren Einfluss auf die Neukonstruktion physischer Räume) werden im Seminar mithilfe geeigneter Analysekategorien zunächst theoretisch und anhand von Beispielen erarbeitet und sodann praxisorientiert umgesetzt. Video- und Klanginstallationen, Akustik-basierte Settings, Umgebungs- und Site-spezifische Arbeiten, Found-Footage orientierte Videoarbeiten, aber auch Simulationen oder Small-Scale Dioramen u.a. bilden dabei das Spektrum, das durch die Entwicklung eigener Settings für performative Rezeptionserfahrungen individuell erschlossen wird. Die so entstehenden Arbeiten werden in einem öffentlichen Showing zum Ende des Semesters (etwa auf dem Rundgang) gezeigt. Das Einbringen und Weiterentwickeln eigener Arbeiten und das Entwerfen von Projekten aus dem Seminarkontext heraus ist also sehr willkommen. Nach Bedarf kann dies auch in einem praktischen Block passieren.


EN
Panorama, diorama, small-scale installations and protocineastic apparatuses form the starting point of an initially theoretical, i.e. art-scientific as well as art-historically informed examination of technically-based perception, attention to the overlooked and performative-interactive visual experiences.
Building on this, the seminar will deal with the spatialization of images, the short-circuit of the real (environment) and the imagined (simulated) as a clash of moving image and environment, with the coding of spaces on an acoustic, pictorial and material level as well as with the performativity of altered proportions. The reflexive and interactive relations of image and environment (also with regard to bridging into virtual worlds and their impact on the physical space) will first be worked out theoretically and by means of examples in the seminar with the help of suitable categories of analysis and then be implemented in a practice-oriented manner. Video and sound installations, acoustic-based settings, environment- and site-specific works, found-footage oriented video works, but also simulations or small-scale dioramas etc. form the spectrum, which will be individually explored by developing own settings for performative reception experiences. The resulting works will be shown in a public showing at the end of the semester (e.g. on the Rundgang). Bringing in and further developing own works and designing projects out of the seminar context is very welcome.

Programmieren und Probieren mit C, Python, Java, SuperCollider, Max / Msp / Jitter
Aufbauend auf der Vermittlung von Grundlagen der Programmierung werden eigene Projekte entwickelt: Live-Coding, Netzwerk-Konzerte, physikalische und mathematische Grundlagen für Simulation und Anlyse in verschiedenen Sprachen.

Digitale und analoge Klangerzeugung, Interaktion, visuelle Analyse und Synthese, generiert und programmiert unter verschiedenen Environments der Medieninformatik.
Es werden Objekte und Verfahren in Beispielen besprochen und in Übungen und Projekten klangliche, musikalische und visuelle, szenische Anwendungen entwickelt.

Es werden Semesterthemen gewählt.

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.

Leistungsschein Medienkunst oder Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst
Veranstaltungssprache Deutsch & Englisch

Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche!

This course equips musicians with practical, hands-on skills for building their own musical circuitry or for modifying existing audio hardware. It offers practical knowledge of electronics useful for sound creation, noise making and music interaction. Participants are introduced to soldering and assembling audio circuits on breadboards (or perfboards) in the context of audio composition, live performance and sound art. A major portion of the course will be devoted to hardware prototyping, including test and fault finding sessions. The emphasis will be upon the designing of electronic instruments as well as interfacing transducers and developing alternative controllers. Artistic and practical use of the circuits will also be explored and discussed. Finally, it is planned to carry out a concert performance with self-made electronic instruments at the end of the semester.

Das Seminar „Diagrammatik matrixialer Ökologie: phylogenetische Endo-relationen“ will die Veranstaltung „Drei Ökologien, Doing, Thinking, Seeing in the world“ mit einem onto-ökologischen Ansatz von Endo-Relationen anhand der Kategorie des Matrixialen ergänzen.

Das Matrixiale ist die Gattung (genos) aller Arten von Müttern. Es handelt sich um eine unvollständige Menge, die jede mögliche Art von Mutter umfasst, nämlich Mutter-Tier, Mutter-Erde, Mutter-Mineral, Mutter-Pflanze, Mutter-Mensch, Mutter-Zelle, Mutter-Metall etc., deren spezifische Differenz durch den Prozess der Individuation mittels Einbettung gekennzeichnet ist. Die Gattung (genos) das Matrixiale ist hier nicht zweiwertig bestimmt, das heißt, ihr ist kein zweites Geschlecht entgegengesetzt, etwa ein entgegengestellter Vater. Das Matrixiale bildet vielmehr eine Verwandtschaft (phylum) aller Arten von Müttern, die miteinander durch eine Innerlichkeitsbeziehung verbunden sind. Die Mutter-Zelle ist der Mutter-Pflanze und dem Mutter-Tier innerlich, der Mutter-Mensch ist der Mutter-Pflanze äußerlich, doch das Mutter-Tier innerlich etc. In dieser Hinsicht bestimmen die inneren Beziehungen zwischen unterschiedlichen Arten von Müttern eine neue Organisation von Geschlecht, dessen Phylogenese hier anhand ontologischer, ökologischer und epistemologischer Postulate darzustellen ist.
Folglich und ausgehend von der matrixialen Geschlechtsordnung besteht die Absicht, hier auf zwei Postulate der Matrixialität einzugehen: 1) ein ökologisch-ontologisches und 2) ein epistemologisches. Erstens bezeichnet das Endomilieu die ontologische und ökologische Bestimmung jeder Art von Mutter: ontologisch, weil das Werden (Ontogenese) jeder Individuation in eine Umwelt eingebettet ist, die wiederum in einem übergeordneten Mutter-X (Milieu) platziert ist. Und ökologisch, weil die Relationalität und Bezüglichkeit die Konditionen des jeweiligen Werdens sind. Zweitens bestimmen das Endomilieu und Endobeziehungen das epistemologische Problem, die Wahrnehmung der Umwelten, an denen man teilhat. Der Vorschlag eines „kooperativen Sehens“ wird hiermit die Paradoxie des Erfassens von Endo-Relationalität nicht aufheben, eher annehmen und mithilfe dessen die ökologische Bedingung jener Art von Umwelten und deren Hybridisierung neu sehen, denken und dementsprechend handeln.
Methodologische Anmerkungen:
Dieses Seminar bezweckt eine interdisziplinäre Verflechtung von Wissen. Die Rede von der matrixialen Ökologie kreist um den Begriff ökologische Relationaltiität, der anhand der operativen Epistemologie (Selbstorganisationstheorien), des systematischen Denkens und des ökologischen Wissens behandelt wird.
Allgemeine pädagogische Betrachtung: In Anlehnung an die Lektüre und anhand meiner Präsentation des Themas möchte das Seminar seinen Gegenstand als einen experimentellen Denkraum gestalten, in dem alle Teilnehmer*innen an der Schaffung von Wissen mitwirken.
Das Seminar besteht aus einer Leseklausur, Diskussionen, Vorträgen und Zusammendenken.
Spezifische Lektüre und eine sekundäre Bibliographie werden im Voraus übermittelt.
Keine Vorkenntnisse.

Die Diskurse des Neuen Materialismus fordern die Abkehr von anthropozentrischen Perspektiven und die Privilegierung nicht-menschlicher Objekte. Eine ihrer Ikonen ist die Cyborg, der kybernetische, algorithmisch und biotechnisch mess- und steuerbare, mit nicht-menschlichen Entitäten existenziell verflochtene menschliche Organismus.

Psychoanalytisch betrachtet korreliert die Fixierung auf nicht-menschliche Objekte mit einer wachsenden Präsenz des (hypermoralischen) Über-Ich, der (hypermelancholischen) einsamen Ekstasen, der (hyperkonformistischen) rigiden Identifikationen ohne Begehren nach Transzendenz, nach Konfrontation mit dem/der Anderen. Sie ereignet sich in biopolitisch bzw. hyperkapitalistisch organisierten Gesellschaften, die nicht mehr durch Gesetz und Sprache, Tabu und Sublimierung strukturiert werden, sondern durch Genießen, genauer gesagt: durch den Befehl zu genießen (dem nicht zuletzt das asketische Genießen des Opfers des Genießens entspricht).

Im Zentrum des Seminars steht die Frage: Was will die Cyborg? Zur Annäherung an eine Antwort werden wir diverse trans- und posthumanistische Diskurse und ihre Manifeste aus psychoanalytischer Perspektive betrachten und diskutieren. Dabei werden wir insbesondere narzisstische Imaginationen der Allmacht, der Unabhängigkeit, der Selbsterlösung und der Unsterblichkeit in den Blick nehmen. Außerdem werden wir einen historischen Vergleich ziehen zwischen den technikreligiösen (techgnostischen) Phänomenen unserer Zeit und den Selbsterlösungs- und Unsterblichkeitskulten der spätantiken gnostischen Sekten. Lesen werden wir Texte u.a. von Hugo Ball, Walter Benjamin, Jane Bennett, Donna Haraway, Jacques Lacan, Massimo Recalcati, D.A.F. de Sade, Jean-Paul Sartre, Barbara Stiegler, Simone Weil.

Sprache: Deutsch und/oder Englisch


The discourses of New Materialism call for the abandonment of anthropocentric perspectives and the privileging of non-human objects. One of its icons is the cyborg, the cybernetic, algorithmically and biotechnically measurable and controllable human organism existentially intertwined with non-human entities.

From the psychoanalytical perspective, fixation on non-human objects correlates with a growing presence of the (hypermoral) superego, of (hypermelancholic) solitary ecstasies, of (hyperconformist) rigid identifications without desire for transcendence, for confrontation with the Other. It occurs in biopolitically or hypercapitalistically organized societies that are no longer structured by law and language, taboo and sublimation, but by enjoyment, or more precisely: by the command to enjoy (to which not least the ascetic enjoyment of the sacrifice of enjoyment responds).

The seminar will focus on the question: what does the cyborg want? To approach an answer, we will look at and discuss various trans- and posthumanist discourses and their manifestos from a psychoanalytic perspective. In particular, we will look at narcissistic imaginaries of omnipotence, independence, self-redemption, and immortality. We will also draw a historical comparison between the techno-religious (techgnostic) phenomena of our time and the self-redemption and immortality cults of the late antique Gnostic sects. We will read texts by Hugo Ball, Walter Benjamin, Jane Bennett, Donna Haraway, Jacques Lacan, Massimo Recalcati, D.A.F. de Sade, Jean-Paul Sartre, Barbara Stiegler, Simone Weil, among others.

Language: German and/or English

What exactly is Bio Design and how does it work? In this introductory course, the basic principles of (micro-)biology are explained and situated in the discourse of Bio Design. In addition to the theoretical introduction, equipment and tools of the BDL are presented and requirements for working in the laboratory taught. A practical part, in which the basics of sterile work are tested experimentally, serves to substantiate what has been learned. Registration required. In this course, students acquire the authorization to work in the Bio Design Lab at the instructed machines/stations. The introductory course takes place regularly at the beginning of the semester and additionally by arrangement with three or more participants.

In Presentation by Dukhee Jordan, she will introduce herself and provide an overview of her work as an artist and educator, serves as an introduction for the HfG community.

Introduction Session to the Summer Semester Program, going over excursion dates, seminar content and exhibition dates. Introduction to the semester exhibition concept.

Die Veranstaltung untersucht den Begriff Sound in seinen unterschiedlichen Bedeutungsfacetten und Kontexten. Dabei findet eine Auseinandersetzung mit der Wahrnehmung von Klangumgebungen und Hörgewohnheiten statt und es wird der Frage nach der Beziehung zwischen Klangursache und dem eigentlichen Klang nachgegangen. Unter diesem Aspekt werden Ansätze der Akusmatik, der Elektroakustik, der Klangökologie oder der Ethnografie aufgegriffen und untersucht. Anhand von Beispielen zu Soundscape, Field Recordings, spektralen Verfahren, Raumklang und Soundart werden ästhetische Kriterien analysiert. Inwiefern technologische Entwicklungen, wie virtuelle oder augmentierte Realitäten, neue Fragestellungen hinsichtlich dieser Bereiche aufwerfen, ist ebenso Gegenstand der Vorlesung.

Nach dem Vorlesungsteil werden entsprechende Beispiele in einem Kolloquiumsteil von den Studierenden in Form von Vorträgen oder eigenen künstlerischen / musikalischen Arbeiten vorgestellt.

Gemeinsam mit dem Driving the Human- Projekt „The Backpack of wings“ entwickeln wir Narrative um die Migrationsroute von Jonas (Weißstorch, männlich, geboren 2013), die wir mittels GPS-Daten tracken. Wir kombinieren dieses techno-biologische Werkzeug und dessen Outputs mit Mythen um Zugvögel, sowie lokale, residente Spezies. Wie können diese Narrative nicht nur biologisches Verhalten, sondern auch die Relationen zwischen Tier und menschlichen Handlungen erkunden? Wie lassen sich die technologischen Methoden für die Gemeinschaft nutzen und neu denken? Gemeinsam mit dem Seminar „Realtime Media & Organic Forms“ unter der Leitung von Helin Ulas erkunden wir, wie Sensortechnologien für nicht-menschliche Akteure einen Weg in die Gestaltung finden können.
Um unseren Spielraum zu erweitern findet eine Exkursion mit der NABU in den Karlsruher Oberwald statt.

In conjunction with the Driving the Human project "The Backpack of wings", we develop narratives around the migration route of Jonas (white stork, male, born 2013), who we track using GPS data. We combine this techno-biological tool and its outputs with myths about migratory birds and local resident species. How can these narratives explore not only biological behaviour, but also the relations between animal and human actions? How can technological methods be used and rethought for the community? Together with the seminar "Realtime Media & Organic Forms" led by Helin Ulas, we explore how sensor technologies for non-human actors can find a way into design.
To broaden our scope, there will be an excursion with NABU to the Oberwald forest in Karlsruhe.

A designer I know was on the jury for a graphic design competition in France. Among the many stunning and flawless designs, a quickly made poster caught her eye – a sketch more than a finished design; a composition of rhythmically arranged pen strokes onto the poster’s dimensions. Something about its presence and confidence testified to the maker’s talent and ability to “just make something”, and because of this it stood out from the extravaganza the majority of contributions consisted of. When turning it over the poster was signed “Pierre Bernard”*, to which she naturally replied with a confirming shrug of the shoulders acknowledging Bernard’s signature and effortless abilities.

When years ago I taught at the art school in Estonia I was critical of the teaching of an eccentric architect called Leonhard Lapin (who is also known under the pseudonym Albert Trapeež) who applied a method based on Mahamudra teachings, and had the students contemplate over tons of simple compositions they’d make with just a few brush strokes painted on large sheets of paper, after which they’d extensively discuss each one being successful or not, and why or why not. Although intrigued by how the hypnotised students were going at it, I never considered joining the class, and never got to fully understand the spirit of the activity. I mostly thought it was weird and old fashioned and that those students should just join my class instead. Hey, I was young and truly thought the world revolved around me.

Although the main chunk of it is made on a computer, some sign of human presence is something I value a lot in my own designs. I appreciate the works of others – and I appreciate many pieces of design, whether those are items of clothing, a wonky line-up of ceramic cups, or a snazzy sketched up bunch of posters – when they are made by a mortal soul and their ability to fail. But not every squiggle is instantly good and ready to use, and it can take years for your casually made poster to be good enough to be picked up by Linda van Deursen at the Chaumont Poster Festival.

Let’s get hypnotised, just like those students back in Tallinn in 2006.

I’ve learned so much more in the meantime that I would like to share here with you. How to get lost in drawing sessions, or how to distinguish one sketch from the other. Which ones are good, and which ones are mediocre child’s play? And, what about children’s drawing, or what is it like to draw like a child? In this workshop you will discover the successes of boringness and endurance, and recognize the qualities of repetition, so that they can be applied in any future design. Through a series of exercises using writing (by hand, typing it, or have an a.i. do it for you) and drawing and image making techniques, you’ll explore the triviality of stains and scratches. Although I can also imagine investigating other mediums too, more performative actions, like making pirouettes, ad libbing and on-the-spot made sculptures... I have some ideas on how to present all this, or even exhibit, and it could also include some larger formats, like blowing things up, you know, enlarging, no explosives…

My references are a bit all over the place. Look up Adelhyd van Bender, Amie Dicke, Laure Pigeon, Bernadette Corporation, and Elsworth Kelly’s collages and cut ups, outsider artists Christopher Knowles and August Walla, the Pattern and Decoration movement, Lily van der Stokker, the trippy drawings of Joachim Koester, Leen Voet’s attempts remaking Felix De Boeck’s entire body of work with just a pencil and ruler, and what about the frottages of Max Ernst.

* Pierre Bernard (25 February 1942 – 23 November 2015) was a French graphic artist and designer. In 1970, Pierre Bernard founded Grapus with François Miehe and Gérard Paris-Clavel. Grapus was a collective of graphic artists, working together between 1970 and 1991, which sought to combine excellence of design with a social conscience.

The artistic duo Andra Jurj and Lena Geerts are reconceptualizing the contested geopolitics of borders and ownership between humans and nonhuman actors in their project “Monsters and Ghosts of the Far North”. Together with them, the workshop invites to think and create different ways of mapping, focusing on agents that inhabit our landscapes, sounds and smells, changing over time and building upon scientific datasets. The ideas resulting from mapping a local environment in forms of analogue cartography will be brought into a multi-medial collage of the multi-sensorial landscape. From narratives to games, from digital codes to sensorial strategies and working with scientific researchers, Andra Jurj and Lena Geerts will share insights and provide guidance for your own projects.

Die mediale Erweiterung des performativen Raumes ist eine der Grundbedingungen der zeitgenössischen künstlerischen Praxis. Uns interessiert in diesem Workshop nicht nur das Verhältnis von Raum - Performer*in - Video, sondern insbesondere der Wechsel zwischen Live-Kamera und vorproduziertem Material.
Wie lassen sich die unterschiedlichen Bewegtbilder und Bildräume sinnvoll verschneiden? Als Ausgangspunkt und Untersuchungsgegenstand der kurzen Videoerzählung, die jede/r Studierende aufgefordert ist zu entwickeln, steht der eigene Körper (oder der eines/einer Mitstudierenden) und die Räume der HfG.

Grundlegende Fragen betreffen die Bewegung des Körpers, bzw. der Figur im Raum, Blickverhältnisse und zeitliche Relationen, die Verschränkung von Innen- und Aussenräumen; aber auch das Video-Setting im Raum: Welche Möglichkeiten, das Videobild zu verorten gibt es? Wie lässt sich die Unmittelbarkeit der Live-Kamera, die den performativen Moment oder Details im Raum als Close-up und in Echtzeit wiederzugeben vermag, am Besten zum Einsatz bringen?
Zunächst werden wir uns dem Thema über filmische Anschauungsbeispiele aus der künstlerischen Praxis der frühen Videokunst (Untersuchungen des eigenen Körpers im ihn umgebenden Raum), sowie der Aufführungspraxis des Theaters nähern.

Im praktischen Teil des Workshops geht es um die Konzeption der individuellen Videoerzählungen – bestehend aus vorgefertigtem Material und einer live-Raum Komponente – sowie deren Umsetzung. Die Studierenden drehen das Videomaterial gemäß ihres skizzierten Skripts und richten das Video-Setting im Moving Image Raum ein: Positionierung von Kamera, Projektor / wahlweise Monitor und ggf. Projektionsfläche. Zum Ende des Workshops präsentiert jede/r seine performative Video-Erzählung innerhalb der Gruppe.

Die Filmemacherin und Bühnenbildnerin Steffi Wurster setzt sich in ihrer Arbeitspraxis im Theater und als Dokumentarfilmerin mit Bewegtbild in sehr unterschiedlichen Formaten auseinander.

Auch wenn der Begriff sperrig ist, wir gehören dazu: Kunst, Design, Darstellendes, Film, Musik, Games und Weitere bilden die Grundlage der Kultur- und Kreativwirtschaft, die seit ihrer Schöpfung als eigener Wirtschaftssektor 2009 rund 3 % zur Gesamtwirtschaft beiträgt, Tendenz steigend.

Wir werden gemeinsam einen groben Fahrplan für die Zeit nach dem Studium entwickeln und orientieren uns dabei an folgenden Themenblöcken:

- Individuelle Standortbestimmung - Woher wohin?
- Business Modelling in Kunst und Design - Was wofür?
- Bürokratie - Wie weiter? Versicherungen, KSK, Finanzamt und die entsprechenden Prozesse

Die beiden Termine zu Beginn und Ende des Semesters ergänzen einander, Schwerpunkt im Mai ist die eigene Positionierung und Entwicklung der individuellen beruflichen Tätigkeit, im Juli liegt der Fokus auf Finanzen und bürokratischen Prozessen.

Im Laufe des Semesters können zusätzlich begleitende Einzelgespräche wahrgenommen werden.

Das Angebot richtet sich an Studierende aller Fachgruppen ab dem 4. Studienjahr sowie Alumni direkt nach dem Abschluss, es ist auch möglich in früheren Semestern teilzunehmen.
Workshop und Beratungen finden in Präsenz und Online statt.

The selection of colour is an integral part of every design process. Colour is as relevant as the search for the perfect form or the optimal function, the suitable material, the right processing or the appropriate format.
Despite the importance of colour, there is often a lack of knowledge and a feeling of being overwhelmed by the sheer endless possibilities offered by digital tools, various colour guides and systems—from Pantone and HKS to RAL and NCS. In this workshop we want to approach the subject of colour through discussions, experiments and explorations of materials and systems.

The workshop introduces frameworks, concepts, and language that encapsulates immersive and real-time media creation for performances and installations. We will look into possible creative computation methodologies; we will mainly concentrate on visual programming environments(Touchdesigner).

Through this introductory workshop, you will gain knowledge of creative computation terminologies, how to navigate a visual programming environment (TouchDesigner), and use script-based programming protocols within this environment using Python. The workshop will introduce the interface and system building in TouchDesigner, as well as an overview of different operator nodes.

DE

Licht als transformative Komponente des Raums und als physisch zugängliche Sprache, produktiv wie rezeptiv, bildet den Schwerpunkt dieses praktischen Workshops. Es geht um das Verstehen und Erspüren unhintergehbarer narrativer Qualitäten bei der Arbeit mit Licht. Die Teilnehmenden erfahren eine Einführung in die Gestaltung von Raumatmosphären, die für sich stehen können und gleichzeitig den Lichtraum als befragbaren Dialogpartner und Quasi-Performer interpretieren. Welche impliziten Handlungsanweisungen birgt ein solcher Raum, die er den Betrachtenden durch Farbcluster, atmosphärische Dichte und situative Skizzierung mitteilt? In Bezug auf Ausstellungskonzepte geht es darum, den Ausstellungsraum als Teil der künstlerischen Konzeption zu verstehen. Er soll nicht allein als Behältnis, sondern als Erfahrungsraum und „Lebenswelt" entwickelt werden. Dies erfordert die experimentelle Erkundung strategischer Vorgehensweisen. Der Workshop beginnt mit der Befragung von Ausstellungsarchitektur, Materialien und Lichtqualitäten und führt zur schrittweisen Entwicklung von Dialogstrukturen zwischen Lichtquellen, Oberflächen und deren skulpturaler Anordnung innerhalb einer vorgegebenen Architektur bzw. eines thematischen Ansatzes.

EN

Light as a transformative component of space and a physically accessible language in both productive and receptive terms is the focus of this practical workshop. It is about understanding and sensing inescapable narrative qualities when working with light. Participants will experience an introduction to the shaping of spatial atmospheres that can stand on their own and at the same time interpret the light space as an interrogative dialogue partner and quasi-performer. What implicit instructions for action does such a space harbor, which it communicates to the viewer by means of color clusters, atmospheric density, and situational sketching? In terms of exhibition concepts, it is a matter of understanding the exhibition space as part of the artistic conception. It should not be developed solely as a container, but as a space of experience and a "living world". This requires the experimental exploration of strategic procedures. The workshop begins with the questioning of exhibition architecture, materials and light qualities and leads to the gradual development of dialog structures between light sources, surfaces and their sculptural arrangement within a given architecture and thematic approach.

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Scheinerwerb: Grundlagenschein ADSZ, Workshopnachweis Ausstellungsdesign, Workshopnachweis Szenografie

Dieser Kurs richtet sich an Studierende, die bereits am Einführungskurs Farbfotografie / Farblabor und Bildproduktion teilgenommen haben.
Es werden verschiedene analoge 35mm und Mittelformat-Kamerasysteme angewendet, eigene Farbfilm-Filme entwickelt und im experimentellen Umgang das Zusammenspiel der Farb-Filter im analogen Farblabor erprobt.
Das Negativ, das sich auf dem Film in der Fotokamera abzeichnet, ist zuerst einmal ein Dokument. Es zeigt, was ich fotografiert habe. Also die „Wirklichkeit“?
In diesem Seminar werden wir mit verschiedenen Kamera-Formaten (Kleinbild, Mittel- und Grossformat) gemeinsam fotografieren und auf verschiedene Arten physisch und haptisch in die Bildgestaltung und Bild-Schaffung eingreifen:
Mit Spiegeln, Lupen, Blitzlicht und Utensilien für performative Aktionen ausgestattet, inszenieren und fotografieren wir an zwei Tagen im Botanischen Garten Karlsruhe: Wir schaffen und konstruieren surreale Momente in der Parklandschaft mittels des Einsatzes von Blitz - und Gegenlicht, Sonnen-Reflektionen, Nahaufnahmen und Bild-Verzerrungen durch Spiegel oder Lupen und inszenierten Spiel-Situationen. So konstruieren und manipulieren wir im ersten Schritt den Ort und die Bildmotive.
Im nächsten Schritt entwickeln wir die entstandenen analogen Farbfilme im Fotolabor. Anschließend arbeiten wir experimentell mit den Farben und erkunden das Farbspektrum mit den Farbfiltern über die realistische Abbildung hinaus:
Wie kann ich mit den analogen Negativ-Prozessen die fotografische Abbildung steuern und beeinflussen, um auf eigene persönliche Weise eine künstlerische Übersetzung und Interpretation der Wirklichkeit zu erzeugen?