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Dieser Einführungskurs richtet sich an Studierende in den ersten Semestern ihres Studiums. Im Format einer an Werkbeispielen orientierten Vorlesung bietet diese Lehrveranstaltung einen ersten Überblick über die Geschichte und Theorie der sogenannten „Medienkunst“. Der Schwerpunkt liegt hierbei auf Werken, die sich elektronischer bzw. digitaler Technologien bedienen. Vorgestellt werden künstlerische Beispiele sowie für deren Diskussion und Einordnung relevante Begriffe und Methoden. Ergänzend lesen wir gemeinsam einige Grundlagentexte.
In die Lehrveranstaltung eingegliedert ist zudem die Gesprächsreihe „Don18: Gespräche zu Medien und Kunst: Unconventional Computing“ (ca 4 Donnerstage, 18-20 Uhr HfG/ZKM). Ziel ist die Ermutigung der Teilnehmenden zur aktiven Gesprächsbeteiligung.
Eine regelmäßige Teilnahme und Schreibübungen oder Kurzvorträge führen zum Leistungsschein Basisl-Lehrveranstaltung Kunstwissenschaft und Medienphilosophie.
Das Beherrschen jedes Werkzeugs beginnt mit dem Beherrschen der Grundlagen. Daher wird sich dieser Kurs genau darauf konzentrieren: die ersten Schwünge mit einem Hammer.
Du wirst die grundlegenden Konzepte und Funktionen von Adobe Photoshop, Illustrator und InDesign kennenlernen, die dir helfen, verschiedene grafische Materialien zu erstellen und die Kernprinzipien dieser Programme zu verstehen. Dieser Kurs vermittelt dir ein fundiertes erstes Verständnis, das es dir ermöglicht, später auf diese Fähigkeiten in den kommenden Semestern aufzubauen.
Neben den digitalen Werkzeugen wird der Kurs auch den Designprozess vor und nach der Nutzung des Computers behandeln. Vorher: analoge Werkzeuge, das Verwenden des Zufalls, das absichtliche Begrenzen deiner Möglichkeiten, die Nutzung von Protokollen, Wiederholung, Störungen, das Arbeiten mit der linken Hand – diese Aspekte sind genauso wichtig wie digitale Fähigkeiten. Danach: Drucktechniken, Risographien, Buchbinden, Publikationsformate, Ephemera, Papierauswahl, CMYK, … .
Der Kurs basiert auf Workshops, wobei jede Phase mit der Erstellung eines kleinen, konkreten Projekts abschließt.
Referenzen und geteiltes Wissen sind mächtige Werkzeuge. In unserer Praxis hat das Teilen von Referenzen, Ansätzen, Ideen, Tricks und Texten großen Wert. Daher werden wir in jeder Sitzung mindestens eine Referenz einbringen, die zusammen mit deinen eigenen Referenzen und Ergebnissen zusammengetragen wird.
Das Seminar „Poröser Kanon“ ist eine Einführung ins internationale, experimentelle Theater: Sehr unterschiedliche künstlerische Handschriften und Praktiken werden anhand von Videomaterial, Texten und Aufführungsbesuchen konkret betrachtet, um ein Gefühl für die Bandbreite zeitgenössischer performativer Künste zu bekommen. Das Konzept eines Kanons ist natürlich Unsinn – zu fluid sind Zeit und Diskurse, zu sehr noch immer westlich-weiß-männlich geprägt, zu sehr auf Werke und Einzelkünstler:innen fixiert. Dennoch spielt dieses Seminar mit der Idee eines gemeinsam entworfenen, sich immer wieder ändernden, nicht endenden best of spielen und dabei versuchen herkömmliche Listen durch unterrepräsentierte Positionen zu ergänzen. Neben gemeinsamer Recherche anhand von Videos, Texten etc. werden regelmäßig prägende Künstler:innen per Zoom ins Seminar zugeschaltet, um unmittelbar von ihrer Arbeit zu berichten und sich unseren Fragen zu stellen. Teil des Seminars ist eine Exkursion nach Brüssel, zum Kunstenfestival, einem der weltweit bedeutendsten Festivals für zeitgenössische performative Künste.
Dieses Seminar eignet sich sowohl für Studierende, die am ersten “Kanon”-Seminar teilgenommen haben wie für Neueinsteiger:innen.
Der Hambacher Wald sollte ursprünglich vom Energieversorgungskonzern RWE für die Braunkohle des Tagebaus Hambach abgebaggert werden. Aus dem nahegelegenen Dorf Manheim sind die ansässigen Dorfbewohner*innen fast alle umgesiedelt worden, die Architekturen vor Ort verfallen. In den letzten Jahren haben Klimaaktivist*innen wiederum vor Ort im Sündi (Erbwald) provisorische Hütten und Zelte errichtet, um die Räumung des Dörfes zu verhindern. Ganz aktuell werden Bäume im benachbarten „Sündenwäldchen“ gerodet.

In einer Exkursion wollen wir uns gemeinsam mit Großformatkameras dokumentarisch und künstlerisch diesen Architekturen vor Ort nähern. Das Arbeiten mit der Großformatkamera erfordert Geduld, Zeit und das Erlernen von Großformatkamera-Techniken (Verschwenkungen, Verschiebungen, Scheimpflugsche Regel), die wir vor Ort üben und ausprobieren werden.

Modul I (Nach Hambi – mit der Großformatkamera)

Ziel ist es, die Grundlagen des Umgangs mit der Großformatkamera kennenzulernen.
Nach der Exkursion werden die schwarz/weiß Negative gemeinsam entwickelt und gescanned.
Studierende, die auf einer Großformat-Exkursion waren können die Bilder weiter ausarbeiten. Entweder für das künstlerbuch (Modul II) oder analogen schwarz/weiß-Labor.

Nach Hambach wird gemeinsam angereist, übernachtet wird vor Ort in einer Ferienwohnung/Zelt. Die Rückreise findet individuell statt.

Nach Hambi II – Gestaltung eines Fotobuchs mit 4x5 inch Aufnahmen (Modul 2)
Entwicklung eines künstlerischen Fotobuchs zum Hambacher Wald und Lützerath.

Nach Hambi III – 4x5 inch Dunkelkammer-Workshop (Modul 3)
Das anschließende experimentelles kleinformatige Printen im schwarz/weiß-Labor.

Abschluss des Projektes ist eine gemeinsame Ausstellung der Fotografien und eine Publikation.

Max. 6-7 Teilnehmende
Teilnahme ist an jedem genannten Tag erforderlich
This seminar is dedicated to the digital capture, transformation and recontextualisation of spaces, objects and moments. The use of the latest 3D scanning technologies and digital visualisation methods opens up new possibilities for creative design and interpretation.
The focus is on various 3D scanning techniques - from photogrammetry to high-precision structured light scans. The captured data is then further developed using digital processing methods, alienated or placed in new contexts. The combination of algorithms, textures and light creates unique digital artefacts that can be experienced both in virtual environments and through physical media.
The seminar pursues an experimental and interdisciplinary approach. Whether in architecture, design, art or research - the methods taught make it possible not only to document digital images of reality, but also to reinterpret them and develop them further in terms of design and so much more.
The programme concludes with a joint presentation of the resulting works, in which the participants reflect on and present their individual projects and creative processes.
The seminar is divided into 3 sub categories:
Designing Within Planetary Boundaries – From Philosophy to Absolute Sustainability
This lecture traces the historical and theoretical development of sustainability, starting in 1713 with Hans Carl von Carlowitz. We will explore key milestones, including the Club of Rome, the UN Stockholm Conference, the Brundtland Report, and the concept of planetary boundaries, leading up to the idea of Absolute Sustainability and its implications for our future. The lecture will also showcase examples of how planetary boundaries can be integrated into the design phase.
Open to all students and anyone interested.
Industrial Manufacturing
How are the products we use daily manufactured? This session focuses on mass production, examining its processes and impact. Students are required to research and present a specific mass production process, which will be discussed in the classroom.
Material Properties and Testing
How do we describe and test the mechanical properties of materials? In this session, students will conduct simple mechanical tests on steel, aluminum, and plastic. The results will be presented and discussed in the classroom.
Monday May 5: Curating Media Art
An overview of curatorial styles, issues of presentation, responsibility, risks and rewards. Examples of working with institutions and artists as curator will be discussed, along with the importance of publications, websites and accessible archives for research.

Tuesday May 6: Activist media art
Media art is a powerful tool for activism: performance, video/film, Augmented Reality, CG, 3D environments, and installation art bring awareness of social and political issues. Examples will include artists engaged in feminist and decolonial topics.

Wednesday May 7: Community and media art
The role of media in collectives, festivals, mailing lists, and not for profit organizations are evident in today’s internet information silos. Community concepts were part of fluxus, new music and video art, often surrounding access to equipment and resources.

Thursday May 8: Online and On-air
Artists’ fascination with television and broadcast will be shown, with early examples of pioneering artists’ interventions. TV was a pioneering component of the 1977 Documenta 6, with the ‘Satellite Telecast’, and Documenta 9, with the 100 day work: ‘Piazza Virtuale’.

Students are obliged to attend all four days. Attendance for all four days is required for a workshop credit.
Vertiefendes (Nach-)bearbeiten zeitbasierter, audiovisueller Medien mit einem professionellen Schnittsystem (hier: DaVinci Resolve) Das Seminar richtet sich an alle, die bereits geschnitten haben und somit über sehr gute Kenntnisse besitzen. Ausführlich eingegangen wird auf die Möglichkeit der nachträglichen Farbkorrektur (Grading).

(Begrenzte Anzahl von Teilnehmer*innen, Voraussetzung Teilnahme: Grundlagennachweis „Rohschnitt“ notwendig, Anmeldung nur per Anmeldeformular Medienkunst, regelmäßig jedes zweite Semester)
Sprachen: Deutsch
Der Kurs bietet die spezialisierte Einführung in die Bedienung der Digitalen Filmkamera Arri Alexa inklusive erweitertem Zubehör (Dolly Grip, Licht) und ist Bedingung für die Ausleihe der jeweiligen Geräte.

(Begrenzte Anzahl von Teilnehmer*innen, Voraussetzung Teilnahme: Grundlagennachweis „Digitale Videokamera“ notwendig, Anmeldung nur per Anmeldeformular Medienkunst, regelmäßig jedes zweite Semester)

Sprachen: Deutsch und / oder Englisch
David Lynch said in an interview in 2020 “I would say that picture dictate sound, but sometimes it is the other way around. Sounds conjures an image. And so the sound is what come first. But sound is, I think every director would realize this, that sound is 50% of the picture, if not more, at least it is for me, and to get sound to marry to the picture is the trick. So it's not just a sound effect for a sound effect, it's in that world, it marries to it. And you work and work and work till you get that.”

This seminar is dedicated to film students who are currently preparing an intermediate diploma or a diploma with a short or feature length narrative or documentary projects and who need to consider theoretically and practically once for good how to handle sound on set so your soundtrack stands against or with your images.

A scene will be rehearsed at scale 1 with actors during this seminar to give you a working understanding – basic and advanced industry skills leading you to explore the different equipment of sound recording (digital recorders as well as microphones), to master sound on set and understand how sound is effectively image building.

Dates:
June 24, 25, 26, 27th, 2025

Contact to register: Professor Hugonnier’s Hiwi Hyeonju Lee: hlee(at)hfg-karlsruhe.de
To register you must commit to all 4 days.
Deadline to register: April 28th, 2025
Maximum 6 students
1- ANALOGUE ONTOLOGY AND FILM HANDLING AND TECHNIQUES
(May 6, 7, 8, 12th)
We will start this seminar with a theoretical introduction to the ontology of the analogue image so it can be fully grasped and understood. Different films and filmmakers’ practices who only work on 16mm, will be presented.
Then for the next two days 16mm techniques will be introduced, i.e. the different range of cameras and lenses. You will be able to handle 16mm film stock, learn how to load a camera and to use a light meter, without losing sight of the processing, the photochemistry, the value and pricing as well as the workflow 16mm implies. Each of you will be asked to prepare a dossier detailing for your silent narrative 3 minutes film project.
The consultation day to review your dossier will be Monday May 12th.

2- SHOOTING ON 16mm (Between May 16, 17, 18th)
You will shoot your film between May 16th and 18th taking turns with the analogue cameras available. Once done your films will be sent to ANDEC, a film lab in Berlin to be processed and scanned.

3-16MM DIY DEVELOPMENT (May 19, 20, 21st)
During this session you will develop one roll of 16mm reversal Black and White with the title and credits of your films. During this development session, you will be able to practice rewinding cans, mixing chemicals, timing the baths, learn how to dry film strips and how to troubleshoot mistakes.

4-EDITING ON STEENBECK TABLES WITH TILL GOMBERT (June 3, 4, 5, 6th)
Once ANDEC sends back your films, Till Gombert will give you a broad and thorough introduction to the Steenbeck editing table, detail splicing techniques and show diverse experimental usage, as well as overseen how to manage the workflow the Steenbeck implies. Once done you will be able to edit your projects on the Steenbeck table.

5-PRESENTATION DAY (July 24 or 25th).
All films will be screened at the Blauer Salon during the end of the year show.

This seminar requires that you FULLY commit to all dates of all five sessions in order to register. Dates are as follow :
1st session : May 6, 7, 8, 12, 2025
2nd session : May 16, 17, 18, 2025
3rd session : May 19, 20, 21, 2025
4rd session with Ms Gombert : June 3, 4, 5, 6, 2025
5th session : July 25, 2025

Contact to register : Hyeonju Lee: hlee(at)hfg-karlsruhe.de (Professor Hugonnier’s Hiwi’s)
Please specify which semester you are in when you register.
Maximum students : 6
Deadline to register: April 28th 2025
Digital Arts goes into Studio Practice invites students to develop their creative projects in a structured studio environment. This seminar bridges theory and practice, focusing on project development, ideation, and realization toward the Rundgang exhibition.

The seminar concentrates on bi-weekly check-ins, project planning, group discussions, and accompanying workshops. Two special workshop modules are integrated into the course: "Media Scenography Workshop" (30.06-04.07.2025) and "From Enlightenment to Enlichenment" (16.06-20.06.2025). The seminar will include Sprechstunde with the lecturers for one-to-one check-in sessions.

We will explore world-building practices, scenographic storytelling methods, and the combination of digital tools with analog approaches, working toward a practice-based research methodology. The seminar welcomes both continuing students who have taken previous Digital Arts workshops/seminars in the Winter Semester and newcomers interested in developing their digital art practice.

The seminar will have a limited capacity of 15 students maximum.
In a 2020 interview, David Lynch reflected, "I would say that picture dictates sound, but sometimes it is the other way around. Sound conjures an image... Sound is 50% of the picture, if not more... and to get sound to marry to the picture is the trick."

Building on that idea, we ask: What if we begin with sound?
Aimed at film students preparing intermediate or final diploma projects—whether short or feature-length, fiction or documentary—the course invites a deep engagement with the creative and technical dimensions of sound. Together, we’ll explore how sound not only supports the image but can lead, shape, or even redefine it.

Participants will gain both theoretical insights and hands-on experience in capturing sound on set. Through the full-scale rehearsal of a scene with actors, you’ll develop a working understanding of the art and technique of sound recording. From the selection and use of microphones and digital recorders to on-set sound strategies, the seminar will help you build a sound practice that is deliberate, expressive, and integral to your filmmaking.
The understanding of studio and sound technology is mandatory for working in the HfG's production studios. The course is focusing on acoustics, sound perception and studio equipment and outlines the physics of sound as well as the principles of acoustic transducers and sound generators. The theory of analog and digital signal processing is accompanied by practical explanations of the operating concepts of mixing consoles, audio interfaces, DAWs, and amplifiers. Connection and transmission technology is also covered.
This course will examine the relevance of geological thought and methodology for the understanding of built environments. Students will be introduced to key geological concepts, bringing this knowledge into the analysis of built artefacts through the reading of texts, discussion of definitions, understanding of field discoveries, and investigation of specimen.
“Ultimately, I like to think, when you get to the furthest point of technology, when you get to outer space, what do you find to bring back? Rocks!”
Isamu Noguchi

The earth and its rocks have been a source of knowledge for the science of geology and beyond. Meanwhile environmental and philosophical discussions focus on the earth’s new geological epoch, one that is marked by human presence, activities and their after-effects. Geological thinking offers a lens to understand the complex dynamics between intertwined human and other than human processes as they are manifest in select constructed environments to be discussed in class.

Methodologically, the seminar will discuss terms such as rocks, fossils, minerals, aggregates and modes of representation such as stratigraphy, geosections and petrography. We will read historic and contemporary geological texts paired with texts from philosophy, anthropology, and political geography. Thinking with feminist new materialisms, we will approach built environments that engage with earthly processes. Collective writing exercises and invited speakers will complement our class discussions and readings. In excursions, we will visit “the laboratory” and “the field”, as distinct spaces of knowledge.

Conversations will aim at a collective writing of field questions: how does the knowledge gathered relate to the making of the built environment? By critically examining material specimens and their manifestations in practices of drawing and analysis, students will be exposed to the impact of geological processes as they unfold in time. Acquiring an understanding of fundamental geologic principles, the seminar will expand the students’ knowledge beyond typical architectural understandings of matter and space. Ultimately, the seminar aims to provoke a more expansive and complex analysis of the relationship between constructed environments and the material earth, one that engages with the interrelatedness between different scales, times and matters.

The outcome of the seminar will be a field guide, a written (and optionally visual) companion of a selected site.
Dieses Format richtet sich an fortgeschrittene Studierende, die an der Gesprächsreihe „Don18: Gespräche zu Medien und Kunst: Unconventional Computing“ (donnerstags 18 Uhr HfG/ZKM) teilnehmen und im Anschluss an diese eine Seminararbeit verfassen möchten. Ziel ist die Vertiefung eines selbst gewählten Themas im Rahmen einer betreuten schriftlichen Arbeit. Voraussetzung ist die Teilnahme an den Terminen der Gesprächsreihe, an Sprechstunden und/oder Kolloquien sowie ergänzende Lektüre und Recherche.

This format is tuned towards advanced students who plan to attend the dialogue series ‘Don18: Conversations on Media and Art: Unconventional Computing’ (ca 4 Thursdays, 6pm HfG/ZKM) and who would like to write a seminar paper on this basis. The goal is to further explore a self-chosen topic within the framework of a supervised written paper. Requirements are attending the guest lectures, participation in colloquia and/or consultation hours as well as supplementary reading and individual research.

////////////////// Don 18 – Conversations on Art and Media: Unconventional Computing is a lecture series with invited guests from the expanded fields of media art and theory, co-organized by members of HfG Karlsruhe and ZKM. On four Thursday evenings during spring and summer 2025, Don18 will discuss unconventional conceptions and materializations of computers as well as alternative ways of dealing with them. In the light of the quasi-monopoly of big tech companies and in view of powerful presets and standards, Don18 and its guests will address the questions: To what extent can computers look or function differently? In which ways can we reflect on, perceive or handle computing devices differently or change them? (Concept and Organization: Julia Ihls, Victor Fancelli Capdevila, Tina Lorenz, Lea-Luka Sikau, Nina Zschocke.) //////////////////
This course investigates the relationships between language and computers. It does so by addressing the entanglements of human-to-human interfaces, human-to-machine programs and machine-to-machine protocols. Through readings in media studies—specifically software studies—and short programming experiments, we will discuss how computing technologies can be used to frame what we say, and how we say it, and therefore question the extent to which our discourses are technologically determined.

The theoretical part will start from the computer’s linguistic abilities. As a machine that manipulates symbols to represent other machines, and allows the processing of any kinds of messages, how did it get there, and how effective is it? We will see how such a conception was constructed at the expense of meaning and materiality, and consider how interfaces attempt to recreate both meaning and materiality.

The practical part will involve short programming exercises, in order to illustrate the realities of computer writing, as well as a final essay written on a web platform. However, no previous programming experience will be assumed.
Die geplante 11. Ausgabe von Materialien zu Ausstellungsgestaltung und Szenografie (MAS) beschäftigt sich mit Ausstellungsgestaltung in der DDR – ein oft übersehenes Kapitel der Designgeschichte. Während Gestalter*innen in der BRD und der DDR auf dasselbe modernistische Erbe zurückgriffen, mussten sie sich in verschiedenen politischen Kontexten behaupten. Wie passten sie ihre gestalterische Praxis an diese Bedingungen an? Und wie gelang es Künstler*innen und Designer*innen, sich innerhalb eines repressiven Staates kreative Freiräume zu bewahren?

Eine zentrale Figur unserer Untersuchung ist Klaus Wittkugel, Grafiker, Ausstellungsmacher und Professor an der Hochschule Weissensee, dessen Werk einen Einblick in die Spannungsfelder des Designs in der DDR bietet. Das Archiv der Akademie der Künste in Berlin bildet die Grundlage für unsere Forschung.

In Zusammenarbeit mit Prof. Paul Bailey und der Künstlerin Henrike Naumann entsteht eine Ausgabe, die sich kritisch mit den Themen Design und Propaganda auseinandersetzt. MAS 011 wird zum Ende des Sommersemesters erscheinen und beschäftigt sich mit der Schnittstelle von Design, Ideologie und Ausstellungsgestaltung in der DDR.
Developing a New Exhibition Furniture

Dieses Blockseminar zielt darauf ab, ein Ausstellungsmöbel für das Karlsruher Kupferstichkabinett in Zusammenarbeit mit der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe zu entwickeln. Durch eine Kombination aus Sammlungsbesuchen, Expert*innengesprächen, Workshops und gemeinschaftlichen Diskussionen werden wir Einblicke in die Konservierung, Lagerung und Präsentation von Kunstwerken auf Papier gewinnen.

Zu den besonderen Sammelgebieten von Kunstmuseen gehören Kupferstichkabinette oder Grafische Sammlungen. Sie beinhalten viele Arten von Kunstwerken auf Papier: Zeichnungen, Druckgrafiken, Fotografien, illustrierte Bücher usw. In höfischen Sammlungen wurden diese in kleinen Zimmern (französisch „cabinets“) aufbewahrt, in denen sich eine exklusive Gruppe von Interessierten ihrem Studium intensiv widmen konnten. Heute erreichen diese Sammlungen in Online-Präsentationen ein breites Publikum und erfahren dadurch eine neue demokratische Öffentlichkeit. Dennoch sind die Existenz und die spezifischen Charakteristika grafischer Sammlungen den meisten Museumsbesucher*innen unbekannt. Denn aufgrund der Empfindlichkeit des Papiers gegenüber Licht, Luftfeuchtigkeit und Temperatur können die Werke nur in temporären Ausstellungen und bei einer geringen Beleuchtungsstärke von etwa 50 Lux gezeigt werden.
In Kooperation mit der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe soll ein innovatives Ausstellungsmöbel entstehen, das die besondere Anforderungen der Präsentation von Kunst auf Papier erfüllt. Mit etwa 100.000 Einzelwerken gehört das Karlsruher Kupferstichkabinett zu den ältesten und bedeutendsten grafischen Sammlungen Europas. In Veranstaltungen vor Ort werden die Spezifika von Kunstwerken auf Papier, die große Bandbreite ihrer Techniken (Druckgrafiken, Zeichnungen, Aquarelle, illustrierte Bücher) anhand von Originalen studiert und die besonderen Herausforderungen im Umgang mit den Originalen, ihre Aufbewahrung und Restaurierung aus kunstwissenschaftlicher und restauratorischer Sicht erörtert sowie Präsentationsmöglichkeiten diskutiert.
Die Herausforderung eines zu entwickelnden Ausstellungsmöbels ist die Kombination aus drei Elementen:
1. Die Präsentationsmöglichkeit von Kunstwerken auf Papier, die als lichtempfindliche Originale geschützt werden müssen
2. Eine bequeme Sitzgelegenheit, die Besuchende einlädt, sich niederzulassen und die ihre Aufenthaltsqualität in den Ausstellungsräumen erhöht
3. Ein digitales Vermittlungstool, das Informationen zu den Besonderheiten von Kunst auf Papier im Allgemeinen sowie zur spezifischen Sammlung der Karlsruher Kunsthalle Verfügung stellt.
Eine Realisierung in Form eines Prototyps ist für das Wintersemester 25/26 geplant.

This block-seminar aims to develop an exhibition furniture for the Karlsruhe Kupferstichkabinett in collaboration with Staatliche Kunsthalle Karlsruhe. Through a combination of collection visits, experts talks, workshop sessions and collaborative discussions, we will gain insight into the conservation, storage, and display of works on paper.

Works on paper—drawings, prints, photographs, and illustrated books—are among the most fragile yet historically significant holdings in museum collections. Traditionally studied in private “cabinets”, they now present new curatorial possibilities through digital access and innovative display solutions. The existence and specific characteristics of graphic collections are still unknown to most museum visitors, and their sensitivity to light, humidity, and temperature imposes strict limitations, requiring thoughtful approaches to their presentation.

In collaboration with Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, this seminar will contribute to the development of a specialized exhibition furniture specifically designed for the Karlsruhe Kupferstichkabinett, one of Europe’s most significant collections of graphic art, comprising approximately 100,000 works on paper. We will study in the colllection, with introductions to original artworks on paper, to the wide range of techniques used (prints, drawings, watercolors, illustrat
Environmental, geopolitical, social, and technological transformations have been challenging social relations and safety in societies worldwide. At HfG there is no exception, and our community’s well-being has also been impacted by various processes that require attention, listening, constant reassessment, readjustment, unlearning, training, and the development of support and care tools.

Building on various initiatives that groups and individuals over the past years at HfG have already engaged in aimed at tackling problems and raising awareness of discourse, language, systemic issues, and social justice — this umbrella seminar is a joint endeavor to creatively, collectively, and with an intersectional approach update the HfG code of conduct and shape a series of proposals on how to learn and live together and improve the social well-being of our community.

Simultaneously, this seminar will be an opportunity to apply the tools of media and mediation, theory and language, communication and audiovisual practices, space-making and performance toward an attempt of collectively shaping (Mit-Gestaltung) the environment we wish to work in together. Through reading groups, collective writing, role-play, somatic practices, graphic design, scenography, media, and performance, this seminar is a collaborative initiative from the equality team of the AStA, the Community Toolkit Workshop, the GSB team, a representative of the teaching staff from all departments at HfG, and of the Personal Rat.

We will kick off the seminar with a cross-departmental workshop to write together our own version of an awareness, care or "code of conduct"-like document for the HfG. Following that, a series of workshops will be offered by different departments along with a CTW-led reading circle. The goal is to perform, mutate, zoom in, inhabit and expand the contents of the document. Informed by all the different inputs, towards the end of the seminar, we will reconvene to update the document and bind the body of work produced and shape various forms of presenting, disseminating, publishing and performing it during the Rundgang. The aim is for the results of this collective endeavor to reach through all segments of our HfG community.

Join in to shape together Hf(M)G.
Das Fotostudio ist für Studierende geöffnet, die bereits an der theoretischen und praktischen Einführung (Grundlagen Workshop) teilgenommen haben. In der Einführung lernen die Studierenden Licht zu setzen sowie die Studiotechnik zu bedienen. Hier können unter anderem studentische Arbeiten dokumentiert oder künstlerische Arbeiten erstellt werden. (Kommerzielle Fotoarbeiten sind grundsätzlich nicht gestattet.)
Achtung! Hier darf nur in zweier Teams gearbeitet werden. Beide Studierenden müssen zwingend einen Grundlagen-Nachweis für das Fotostudio haben. (Versicherungsrechtlicher Hintergrund.)
Die Werkstatt verfügt über Digitalkameras und Equipment zur Beleuchtung. Dies alles kann im Studio genutzt werden. Bitte beachtet, dass es sich beim Fotostudio nicht um einen Ausleihe handelt und das Equipment nicht außerhalb des Fotostudios bzw. der HfG genutzt werden kann. (Bitte wendet euch eventuelle Ausleihen an die zentrale Ausleihe, Film Ausleihe oder die MK-Foto Ausleihe.)
Jedes Fotoshooting muss im Vorhinein mit dem Personal des Fotostudios besprochen werden.
Zu Dokumentationszwecken, wäre es schön, wenn wir nach eurem Shooting drei eurer Bilder archivieren dürfen. Schickt uns nach der Bearbeitung drei Bild eurer Wahl.
Anmeldung & Besprechung: fotolab(at)hfg-karlsruhe.de (Telefonummer mitangeben)

Reservierung unter: https://cloud.hfg-karlsruhe.de/apps/calendar/appointment/YdoSW67tWKaG

Raum 201 / 2nd floor / Fotowerkstatt

EN:
The photo studio is open to students who have already taken part in the theoretical and practical introduction (basic workshop). In the introduction, students learn how to set the light and operate the studio technology. Among other things, student work can be documented here or artistic work can be created. (Commercial photographic work is not permitted!)
Please note! Students may only work in teams of two. Both students must have a Grundlagen-Nachweis for the photo studio (insurance background).
The workshop has digital cameras and lighting equipment. All of this can be used in the studio. Please note that the photo studio is not on loan and the equipment cannot be used outside the photo studio or the HfG. (Please contact the Central Lending Office, Film Lending Office or MK-Foto Lending Office if you wish to borrow equipment.) Every photo shoot must be discussed in advance with the photo studio staff.
For documentation purposes, we would appreciate it if we could archive three of your photos after your shoot. Please send us three images of your choice after editing.

Registration & discussion: fotolab(at)hfg-karlsruhe.de (please include telephone number)

Reservation: https://cloud.hfg-karlsruhe.de/apps/calendar/appointment/YdoSW67tWKaG
Die Vor-/Diplom-Sprechstunde bietet eine dezidierte Plattform für alle Studierende, die an ihrem Diplom- oder Vordiplom-Projekt arbeiten und dabei die Fotografie als Medium einsetzen möchten. Diese Sprechstunde richtet sich speziell an Studierende, die ihre Projekte in der Fotowerkstatt, dem Fotolabor oder dem Fotostudio realisieren möchten. Das Hauptziel dieser Sprechstunde ist es, den Studierenden eine individuelle Betreuung und Beratung und einen gegenseitigen Austausch anzubieten, um sie in ihrem kreativen Prozess zu unterstützen. Die Fotowerkstatt möchten den Studierenden dadurch helfen, ihre künstlerischen Ideen zu konkretisieren, technische Fragen zu klären und Wege zu finden, um ihre Projekte umzusetzen.
Anmeldung & Besprechung: Eisenhart Keimeyer fotolab(at)hfg-karlsruhe.de (Telefonummer mit angeben)

Diplom und Vordiplom sollen ein Semester im Voraus bei der Werkstatt angemeldet werden, da die RA-4 Farbmaschine nicht immer hochgefahren wird.
Im Juli, August, September bleibt das Fotolabor geschlossen.
Auch wenn der Begriff sperrig ist, wir gehören dazu: Kunst, Design, Darstellendes, Film, Musik, Literatur, Games und weitere bilden die Grundlage der Kultur- und Kreativwirtschaft.

Was wir besprechen können:
- Individuelle Standortbestimmung
- Business Modelling in Kunst und Design, Honorare und Finanzen
- Bürokratie: Versicherungen, Künstlersozialkasse, Finanzamt und die entsprechenden Prozesse
- Zeitplan und gemeinsame Recherche nach externen Beratungs- und Weiterbildungsangeboten

Verbindliche Anmeldung zum Einzel- oder Gruppengespräch an: jstegman(at)hfg-karlsruhe.de

Das Angebot richtet sich an Studierende aller Fachgruppen ab dem 4. Studienjahr sowie Alumni direkt nach dem Abschluss.
Zwischen Kunst und Kommerz ist der Berufseinstieg für Künstler:innen ein Drahtseilakt.
Freiberuflichkeit oder eine feste Stelle? Wir unterstützen Sie auf Ihrem individuellen Weg, beraten Sie bei der Zielfindung und helfen bei der Stellensuche.
Geld für meine Ziele? Informationen über finanzielle Hilfen der Agentur für Arbeit oder des Jobcenters.

Zur Dozentin
Julia Bär, Dipl.Ing., ist Beraterin im Hochschulteam der Agentur für Arbeit Karlsruhe-Rastatt.

Verbindliche Anmeldung zum einstündigen und individuellen Einzelgespräch bitte bis 25.04.25 an: Julia Bär, Julia.Baer(at)arbeitsagentur.de

https://www.arbeitsagentur.de/vor-ort/karlsruhe-rastatt/berufsberatung/hochschulteam
Einzelbesprechung zu Projekt-, Vordiplom- und Diplomarbeiten. Offen für alle Fachbereiche.
Anmeldung vorab per Mail.
Beratungstermine für alle Studenten zur Besprechung ihrer Projekte. Kleine Gruppen sind ebenfalls willkommen. Bitte vereinbaren Sie per E-Mail einen Termin mit mir.

Consultation meetings for all students to discuss their projects. Small groups are also welcome. Please email me for an appointment.
Talk with me about your ideas, work, projects, problems, wishes and life. Please contact me via email for appointments.
Participants will be asked to reserve a half hour time slot between, beginning at 11.00, until 16.00. This appointment will be an individual, private meeting with Huffman, an internationally experienced Media Art Curator.
Each person will be asked to make a brief presentation of their current work and receive critical feedback and suggestions. It is an opportunity to discuss artistic aspirations and ideas, and get useful, personalized information.
Beratung zur Entwicklung eigenständiger künstlerischer Arbeiten: Themenfindung, Medium-Spezifität und Ausstellung; Betreuung von Vordiplomen und Diplomen;

Counselling for the development of independent artistic work: Finding themes, medium specificity and exhibition practices; supervision of pre-diplomas and diplomas.
Sprechstunde zu Projekten, (Vor-)Diplomen, oder begleitend zu Seminaren.

Sprachen: Deutsch oder Englisch
Individual sessions, i.e.: nurturing, caring and tailored feedback available for anyone who is currently preparing an intermediate diploma or a diploma. This is a call to all students with a filmic practice or interested in filmmaking.

Dates:
22.04., 13.05., 26.05., 27.05., 09.06., from 10:00 to 17:00 Uhr
06.05 / 07.05 / 19.05 / 17.06 / 25.06 / = from 17:00 Uhr
More time can be allocated on demand.

Contact to register: mhugonnier(at)hfg-karlsruhe.de
Projektbesprechungen, Betreuung von Einzel- und Gruppenprojekten. Projekt-, Vordiplom- und Diplombetreuung in Form von Einzelgesprächen. Nach Vereinbarung: ksobel(at)hfg-karlsruhe.de.
Die Vorbereitung auf das Vordiplom findet am 06.06. um 16:30 Uhr in 101 statt. Offen für alle Interessierte.

Consultation hours Consultation of individual and group projects. Project, pre-diploma and diploma supervision in the form of individual meetings. By appointment: ksobel(at)hfg-karlsruhe.de.
Individual and project-specific advising. Including but not limited to sound design, film sound, electronic projects, music technology, and microcontrollers.

Please bring your laptop and/or working materials.
Einzelsprechstunde zur Betreuung von freien Projekten, Vordiplomen, Diplomen oder begleitend zu Seminaren. / Individual consultation hours for supervision of independent projects, pre-diplomas, diplomas or accompanying seminars.
Besprechung von und Feedback zu Projekten, Hausarbeiten etc.
Feedback on projects, home works etc.
Einzelsprechstunde zur Betreuung von freien Projekten, (Vor-)Diplomen, oder begleitend zu Seminaren. / Individual consultation hours for supervision of independent projects, (pre-)diplomas, or accompanying seminars.
Einzelsprechstunde zur Betreuung von freien Projekten, Vordiplomen oder begleitend zu Seminaren. Auch längere Sitzungen zur Vertiefung von CAD Kenntnissen möglich.
Individual consultation hours for supervision of independent projects, prediplomas or accompanying seminars. Longer sessions to deepen CAD knowledge are also possible.
Individual consultation hours for talking and supervision of independent projects, prediplomas, diplomas or seminars. Please bring something to talk about and start from.
Der Fokus des Karlsruher Festivals liegt auf der Dokumentation. Im Gegensatz zu anderen Dokumentarfilmfestivals konzentriert sich dokKa auf die Vielfalt von Dokumentationen. Dabei wird die Wahl des technischen Mediums (Film, Ton, Installation) dem Inhalt, der künstlerischen Form und der thematischen Auseinandersetzung untergeordnet. Es werden jährlich bis zu 20 Filme und Hördokumentationen präsentiert. Demnach ein Grenzgänger und offen vor allem für experimentelle und neue Formen. Wichtig für das Festivals ist die anschließende Diskussion mit den Regisseur:innen und Autor:innen.

Termine:
Vorbesprechung/ Festivaleröffnung: 30.04., 18:00 - 20:00 Uhr, Kinemathek Karlsruhe
Vorführungen/ Werkstattgespräche: 01.05.-04.05., ganztägig, Kinemathek Karlsruhe, Schauburg Karlsruhe
Nachbesprechung/ Preisvergabe: 04.05., 18:00 - 20:00 Uhr, Kinemathek Karlsruhe

Eine kontinuierliche Anwesenheit ist erwünscht und sinnvoll. Für den Erwerb des Leistungsnachweises wird eine Mindestanzahl von Vorführungsbesuchen, sowie eine abschließende Hausarbeit vorausgesetzt.
(Begrenzte Anzahl von Teilnehmer*innen, Anmeldung aus Zeitgründen per E-Mail bis 25.04., 12:00 Uhr an nhain(at)hfg-karlsruhe.de, regelmäßig jedes zweite Semester)

Sprachen: Deutsch und / oder Englisch
We warmly invite you to visit some of the most significant institutions in Austria, such as the Vienna Secession (Aglaia Konrad), the Belvedere (Hans Haacke), the Albertina, and the Leopold Museum. Additionally, we will explore the MAK, Kunsthaus, and MuseumsQuartier.
While in Vienna, we also plan to visit the Angewandte, especially the Werkstätte Analoge Fotografie, which is led by artists Lisa Rastl and Claudia Rohrauer.
Then we will travel on to Graz, we will visit Susanne Kriemann's solo exhibition Ray, Rock, Rowan (Being a Photograph) at Camera Austria as well as the book launch of her new book, published by Camera Austria, designed by James Langdon.
Ziel des Austauschprogramms ist es, den akademischen und interkulturellen Dialog mit chinesischen Partnerinstitutionen zu vertiefen. Im Zentrum stehen gemeinsame Vortragsreihen, Workshops und eine künstlerisch-technische Zusammenarbeit in den Bereichen Medien, Klang und Musik. Besonderes Augenmerk liegt auf dem kreativen Austausch durch DIY-Elektronik, künstlerische Maker-Projekte, kollektive Improvisation sowie eine abschließende gemeinsame Performance.

Die Exkursion bietet Studierenden die Möglichkeit, aktiv an internationalen Kooperationen teilzunehmen, Einblicke in die lokale Musiksszene zu gewinnen und eigene Projekte im Rahmen eines interdisziplinären Austauschs zu präsentieren.

Leitung: Lorenz Schwarz & Dr. Paul Modler
Ziel der Exkursion ist es, den akademischen und interkulturellen Dialog zwischen Studierenden und Lehrenden aus Deutschland und Südkorea zu intensivieren. Im Rahmen von Vorträgen, Diskussionen und praxisorientierten Workshops sollen aktuelle Themen aus den Bereichen Medienkunst, Klangkunst und experimentelle Musik gemeinsam erforscht und diskutiert werden. Ein besonderer Fokus liegt auf der Verbindung von technischer Praxis – insbesondere im Bereich DIY-Elektronik – und künstlerischem Ausdruck. Durch die Zusammenarbeit mit lokalen Partnerinstitutionen entsteht ein Raum für kollaboratives Lernen, gegenseitige Inspiration und kreative Produktion. Ziel ist es, sowohl langfristige Netzwerke als auch neue künstlerische Perspektiven zu entwickeln. Höhepunkt der Exkursion bildet eine gemeinsame Performance, die strukturiert improvisierte Klang- und Musikstücke öffentlich zur Aufführung bringt.
Die Kooperation mit dem Theatre du Maillon Strasbourg geht in die nächste Runde. Im Sommersemester 25 haben wir die Möglichkeit, die Aufführung “Wayqeycuna” von Tiziano Cruz zu sehen. Die Performance findet am Freitag, den 23. Mai um 20.30 Uhr statt und voraussichtlich haben wir die Gelegenheit, vor Ort ein Künstlergespräch zu führen.
https://maillon.eu/de/inszenierung/938.wayqeycuna--tiziano-cruz

Zum Format gehört ein szenografisches Nachgespräch am 27.05. um 16h.
These FFF meetings is calling all film students of every level and will happen twice during this summer semester. During these gatherings we will exchange about the school, the program, hear about your wellbeing and your projects so we can all foresee what is missing and needed to achieve them in terms of artistic input, production, crew and finances.
To do so you will be asked to present your project to the group.
These gathering are to create a synergy between all film students and the MK film team so everyone knows of each other projects and everyone can find help – ears, hands and support when needed.
This initiative is are an essential step to shape our department, so your participation is more than highly recommended, it is vital so the MK film team achieves magnifying your talents.

Dates: May 20th and June 24th from 18:00 to 21:00

Contact to register : Hyeonju Lee: hlee(at)hfg-karlsruhe.de (Professor Hugonnier’s Hiwi)
Please indicate which semester you are in when you apply.
Deadline : April 28th 2025
Colloquium for students working on their pre-diploma projects. The colloquium provides a space for discussion, feedback, and exchange, supporting both individual and group projects.
Der Intertuesday dient dem interdisziplinären Austausch innerhalb und außerhalb der HfG. Dienstagabends finden dazu an mehreren Terminen im Semester hochschulöffentliche Sessions statt, in denen Studierende und Ehemalige, Lehrende und Gäste der Hochschule über ihre aktuellen Projekte und Recherchen sprechen.

Bei Bedarf soll die Möglichkeit geboten werden, mit den auswärtigen Gästen die behandelten Themen am Folgetag in Workshops zu vertiefen.

Bisher geplante Termine sind: 3. Juni, 24. Juni, 15. Juli 2025
In this terms colloquium we will focus on writing, and ths on editing and reading. You will be welcomed to bring your writing samples and questions, writing in progress as well as earlier finished texts, and we will discuss them in the group. This will be a place to develop and discuss your thesis writing and plans, but also other types of writing, regardless of which programme you are studying in. We will thus look at both academic writing and artists writing, as well and the essay form. We will also work with assignments, where we all write a short text based on the same topic/case study and/or same style, to be agreed upon by the group. We also look at more formals aspects, such as outlines, abstracts and notational systems. Writing can be submitted in both English and German.

In diesem Semesterkolloquium werden wir uns auf das Schreiben konzentrieren, und zwar auf das Lektorat und das Lesen. Sie sind herzlich eingeladen, Ihre Schreibproben und Fragen mitzubringen, sowohl in Arbeit befindliche als auch bereits fertiggestellte Texte, die wir dann in der Gruppe diskutieren werden. Hier können Sie Ihre Dissertation und Ihre Pläne entwickeln und diskutieren, aber auch andere Arten des Schreibens, unabhängig davon, in welchem Studiengang Sie studieren. Wir werden uns also sowohl mit dem akademischen Schreiben als auch mit dem künstlerischen Schreiben und der Essayform beschäftigen. Wir werden auch mit Aufgaben arbeiten, bei denen wir alle einen kurzen Text zu einem bestimmten Thema/Fallbeispiel und/oder in einem bestimmten Stil schreiben, auf den sich die Gruppe einigen muss. Wir befassen uns auch mit eher formalen Aspekten wie Gliederungen, Zusammenfassungen und Notationssystemen. Die Texte können sowohl auf Englisch als auch auf Deutsch eingereicht werden.
Das Kolloquium soll sich mit der Konzeption, Gliederung und Abfassung von wissenschaftlichen Texten und anderen Textsorten befassen, die auch in Zeiten digitaler Textverarbeitung und KI-Anwendungen eine Herausforderung bleiben - beginnend mit der Entwicklung einer Fragestellung oder den daran anschließenden Recherchen und ihrer Eingrenzung. Die Veranstaltung steht Studierenden aller Fachgruppen und Semester offen und bietet Gelegenheit, eigene Projekte (inkl. Magister- und Diplomarbeiten) gemeinsam zu diskutieren. Unabhängig davon sollen im Laufe des Semesters auch einige kurze Schreibübungen abgehalten werden.
One story, told ninety-nine times, each in a different style. In 1947, Raymond Queneau published this collection of retellings under the title Exercises in Style, featuring a version written in “Dog Latin”, another like a dream and yet another as a Haiku.
Style is like a dialect—it is contextual and not everyone understands it. It acts as a signal, addressing a particular audience. Style can alter meaning; it can even be the message itself. Hail back to Marshall: the Medium is the Message!

In this three-part evening colloquium, we will train our visual rhetoric and explore the possibilities of graphic languages.
If there is something you want to know and cannot discover by meditation, then, my dear, ingenious friend, I advise you to discuss it with the first acquaintance whom you happen to meet. He need not have a sharp intellect, nor do I mean that you should question him on the subject. No! Rather you yourself should begin by telling it all to him.

— On the Gradual Construction of Thoughts During Speech, Henrich von Gleist
In this short text, Henrich von Gleist challenges the idea that speech is simply the act of conveying preformed ideas by describing his own practice of 'talking to think'.

I propose a series of ‘gradual construction’ sessions where each participant is offered an opportunity to engage in the practice of ‘talking to think’ with a focus on a challenging aspect of your current projects i.e. an aspect you are stuck with or lost within. We will call upon the skills and expertise of the group to bring your thoughts into action, practically.

Arrive prepared to introduce your current thoughts/challenges and we’ll take it from there.

Attendance and participation in all sessions is required to acquire the scheinerwerb.
Over the course of the summer semester we will host four sessions, each tailored to a specific stage and requirement of the Pre/Diploma exam. The sessions are devised as moments of collective review and to address some of the key challenges/opportunities you may encounter while developing an independent project. Throughout we will refer to a range of perspectives on research-oriented practices; share projects-in-progress; exercise modes of peer-review and critique; and receive contributions from alumni and professors. The colloquium runs alongside the supervision you must organize with the Professors who will examine your Pre/Diploma independently.

Note: This colloquium is tailored to the needs and expectations of the KD students graduate exam. That said, all are welcome to join and participate in the sessions, if you feel it may be useful.
Metafont is a software and a chameleon of sorts. It allows a designer to describe typographic characters algorithmically for the very intelligence of a letter to “be captured in a way that permits us to obtain an infinite variety of related letters from the same specification.” Sounds daring?

Somewhen in the 1960s printed matter is typically typeset with metal letters. Setting these typographic chunks into lines of words, sentences and paragraphs, the composition of a single page seems a daunting task. — where is the O? Heck, i’ll just use a 0 — And when the first two humble volumes of The Art of Computer Programming by Donald E. Knuth are published, typesetters are faced with multistoried mathematical formulas of cryptic symbols, by the hundreds, and just a few dozen gifted ones are capable of composing such a technical text into a readable printed matter.

Later, in 1972, the second volume of The Art of Computer Programming is out of print and to be reissued. This time set with phototypesetting, an emerging technology rapidly replacing its hot metal counterpart. Still in its infancy, the new light-based technology produces a poor quality of printed formulas that leaves Donald deeply disappointed and wondering why one should spend six years in writing what nobody will be able to read. He sets out to tackle this problem on his own and designs a new digital typesetting system, “TeX”, accompanied by an independent font description system, “Metafont”. These softwares will become an instrument used by scientists around the world to facilitate the typesetting and publication of scientific papers. For Donald equations must “endure the smudge of the over-inked press onto the flimsiest of papers. They must not fade away on the drum of a laserprinter, nor under the not-so bright light of ancient photocopiers in the math library. The letters must not blur under the dimmest of lighting near the periodicals through the foggiest of trifocals; they must shine clearly through the forest of pen scratching during proofreading.”

Whether Metafont was and is an efficient candidate to meet these ambitious criteria remains questionable. But we will take its story as a starting point for this colloquium on: Metafont, its birth, its matter, and its arrogance. On four dates we will look further into the history of this font description language, put it to use and describe characters together — an O, or an 0, or… let's see. There will be code and we will move in the austere environment of the computer command line, so any existing knowledge of programming might proof helpful. But if you are neither familiar with code or nor a big friend of algebra, never fear, we will all be in the same boat together, full of mistakes.

The dates of this colloquium are 14.05., 28.05. and (to be confirmed) 19. – 20.6. during the 23. Gulaschprogrammiernacht of the Chaos Computer Club Karlsruhe.
This format is not open for application. It is specifically for students currently engaged in design projects mentored by a professor, such as: Rundgang design, Kohlswat design, design for MAS publication, etc.
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Für dieses Format ist keine Anmeldung möglich. Es richtet sich speziell an Studierende, die derzeit an von einer Lehrperson betreuten Designprojekten arbeiten, wie z.B.: Rundgang-Design, Kohlswat-Design, Design für MAS-Publikation, etc.
Das Kolloquium für freie Projekte findet einmal pro Semester statt. Darin werden freie Projekte, die vorab im Rahmen von Sprechstunden betreut wurden, präsentiert und diskutiert. Studierende können je einmal ein Freies Projekt pro Studienabschnitt anrechnen lassen.

The colloquium for free projects takes place once a semester. Free projects that have been supervised in advance in consultation hours are presented and discussed. Students can receive credit for one free project per study phase.
Monatliche Gruppenbesprechung von Vordiplom- und Diplomprojekten in wechselnden Konstellationen. / Monthly group discussion of pre-diploma and diploma projects in changing constellations.
Das Open Studio ist ein Austauschformat des Fachbereichs Ausstellungsdesign und Szenografie. Studierende haben die Gelegenheit, laufende oder bereits abgeschlossene Projekte vorzustellen und miteinander über diese in den Austausch zu kommen.
Wenn Du Lust hast von einem Projekt zu erzählen, egal ob schon abgeschlossen oder noch im Arbeitsprozess, dann melde dich gerne bei uns!
Wie schaffen wir “Ordnung” ?
Wie gehen wir mit unseren Kleidern, aber auch mit jenen alltäglichen Dingen, die heute noch einen Hausstand bestimmen, um?
Wohl nur selten so, wie die hierfür tradierten Möbeltypen uns das auftragen. Aber wie dann ?
In diesem Seminar soll über aktuelle Ordnungsstrategien und sich daraus ergebende Mobiliare nachgedacht werden.
Frei assoziative, ebenso wie analytische und aus der Beobachtung abgeleitete Lösungsansätze sind dabei willkommen.
(seminar + excursion)


INTERWOVEN

The textile industry faces notable challenges, including environmental degradation, labor exploitation, and overproduction which results in vast amounts of textile waste. Despite growing calls for sustainable practices, the sector remains entrenched in outdated methods, underscoring the need for systemic reform. However, advances in both traditional and cutting-edge technologies, alongside innovative systems, are creating new possibilities. Increasingly, solutions that are both environmentally and socially responsible are emerging.

This seminar will address the challenges facing the textile industry while exploring the technological and creative innovations that are driving its transformation. We will visit key locations, such as museums, research centers, progressive companies and designers, to examine how design and technology are converging in the pursuit of more sustainable textile production.
Furthermore, we will investigate how potential collaborations can shape applications ranging from systems and products to installations.


Visits in The Netherlands:

The TextielMuseum
:
The TextielMuseum in Tilburg stands as a pivotal institution dedicated to preserving and advancing textile knowledge and techniques. Housed in a former textile factory, the museum boasts a rich collection that chronicles the history of the textile industry while reflecting the evolving practices that shape the future of textile design and production. As a research center, the museum fosters the fusion of traditional craftsmanship and modern technologies, with the TextielLab playing a central role in daily experiments and collaborations among designers, artists, and experts.
During our visit, we will explore the full scope of textile production, from raw fibers to advanced weaving and (3D) knitting techniques. A tour of the TextielLab will showcase ongoing projects, including weaving, knitting, laser cutting and embroidery. Additionally, we will delve into the industrialization of textiles, examining the role of early factories and the impact of mechanization.
The museum’s extensive archives, including over 20,000 books on textiles and an impressive collection of textile projects and industrial heritage, provide invaluable resources for further research.

ByBorre
:
Founded in 2015 by Borre Akkersdijk, ByBorre is a textile company and platform that challenges traditional textile design and production methods with a focus on sustainability, transparency, and innovation. ByBorre has gained recognition for its integration of digital technologies to address issues such as waste and inefficiency in conventional production processes. It fosters collaboration between knitters, digital specialists, and other creatives to explore new techniques. One of ByBorre’s key initiatives, the Textile Passport, aims to improve transparency within the textile supply chain.

Christien Meindertsma (TBC)
:
Designer Christien Meindertsma examines the life cycles of products and raw materials, often documenting processes or creating commercial products. Her projects highlight local production, underutilized resources, and reveal the hidden processes of industrialization, promoting a deeper understanding of the materials (like wool) and products that surround us.

Kvadrat / Febrik :
Febrik, a part of Kvadrat, specializes in innovative knitted textiles, bridging a technique traditionally used in fashion with the realm of upholstery. Their designs combine distinct aesthetic qualities with technical performance, continuously evolving through research and development to adapt to a wide range of applications.
Beschreibung auf Deutsch

Dieses Projekt beginnt mit einer gemeinsamen Fragestellung: Welche unsichtbaren Ebenen stecken in Alltagsobjekten?

Die Studierenden wählen ein einfaches Objekt – etwa ein Glas, Schneidebrett oder eine Rolle Toilettenpapier – und analysieren es im Detail: Welche Materialien sind enthalten? Woher stammen sie? Wie wurde das Objekt hergestellt? Welche Arbeitsschritte sind nötig? Wie wird es genutzt – und was passiert am Ende seines Lebenszyklus?
Die Ergebnisse dieser Recherche werden in einer kurzen Präsentation im Kurs geteilt.

Anschliessend wählen die Studierenden einen spezifischen Aspekt – zum Beispiel den Ursprung der Rohstoffe, einen Produktionsschritt, die Recyclingfähigkeit oder eine mögliche Umnutzung – als Ausgangspunkt für ihr eigenes Gestaltungsprojekt.

Ziel ist es, diesen „unsichtbaren“ Aspekt sichtbar zu machen – durch eine eigenständige gestalterische Umsetzung: als Objekt, Installation oder andere kommunikative Form.

Der Entwurfsprozess wird durch regelmässige Einzelbesprechungen und Feedback begleitet.

Schwerpunkt: Materialrecherche, Objektanalyse und die kreative Übersetzung von Information in eine greifbare Form. Design wird als Werkzeug zur Kommunikation und Vermittlung verstanden.


Beschreibung auf Englisch
This project starts with a shared question: What invisible layers are hidden in everyday objects?

Students choose a simple object – such as a glass, cutting board, or roll of toilet paper – and analyze it closely: What materials does it consist of? Where do they come from? How and where was it produced? What processes are involved? How is it used, and what happens at the end of its life cycle?
Each student presents their findings in a short presentation to the group.

Based on this research, they select one specific aspect – such as the origin of raw materials, a step in the production process, recyclability, or an alternative use – as the foundation for their design project.

The aim is to make this “invisible” aspect visible – through an independent creative outcome: as an object, installation, or another form of visual communication.

The project is supported through regular one-on-one sessions and feedback.

Focus: material research, object analysis, and translating information into tangible, communicative design. Design is approached as a tool for communication and transformation.

Beschreibung auf Deutsch

In diesem Seminar verbinden wir Inspirationsvorträge mit einer gestalterischen Rechercheaufgabe.
Wir präsentieren Projekte aus unserer eigenen Praxis (mischer’traxler studio) im Dialog mit Arbeiten von Designerinnen, Künstlerinnen, Architektinnen, Aktivistinnen u.a., die sich mit Themen wie Material, Nachhaltigkeit, Kreislaufwirtschaft, biozentrischem Denken und holistischen Weltbildern auseinandersetzen.

Begleitend und im Anschluss entwickeln die Studierenden in Kleingruppen eine digitale, imaginäre Ausstellung zu einem selbst gewählten Thema. Diese umfasst mindestens zehn Referenzprojekte aus unterschiedlichen Disziplinen (Design, Kunst, Architektur, Wissenschaft etc.) und wird als 5–7-minütiges Video präsentiert. Ziel ist es, relevante Inhalte zu recherchieren, visuell zu kombinieren und kuratorisch aufzubereiten.

Ergänzt wird das Seminar durch eine dreitägige Exkursion nach Wien mit Ausstellungsbesuchen, Firmenbesichtigungen und Studio Visits. (16. - 19.Juni 2025)

Bei geeigneter Form kann ein Theorieschein erlangt werden.


description in English

This seminar combines inspirational lectures with a research-based design task.
We will present projects from our own practice (mischer'traxler studio) in dialogue with works by designers, artists, architects, activists, and others who engage with themes such as material, sustainability, circular economy, holistic and biocentric worldviews.

Parallel to and following the lectures, students work in small groups to develop a digital, imaginary exhibition on a self-chosen topic. Each exhibition includes at least ten reference projects from various disciplines (design, art, architecture, science, etc.) and is presented as a 5–7-minute video. The goal is to research relevant content, connect aesthetics and meaning, and curate a coherent visual narrative.

A three-day excursion to Vienna complements the seminar, including exhibition visits, company tours, and studio visits. (16-19.June 2025)

A theory certificate (Theorieschein) can be obtained when the outcome is appropriate for it.
The interdisciplinary project “THE NEST” is dedicated to the research and creative transformation of bio-regional materials and value chains.
The aim is to develop a modular, bio-regional pavilion structure that will be presented during the Rundgang (24.-27.07.2025). The seminar takes place in cooperation between Product Design (Freia Achenbach), Digital Fabrication Lab (Simon Gehring) and the 'Living Library' of the Bio Design Lab (Julia Ihls/team). The combination of design, innovative manufacturing technology and sustainable resources creates a spatial narrative that makes the potential of bio-regional materials visible. The focus is on material research and experimental implementation. What properties make bio-regional materials unique? How can they be processed in such a way that they are convincing in terms of both design and function? These questions are at the heart of the project. Regional biomaterials are analyzed, their physical and aesthetic potential is researched and innovative processing techniques are tested. The knowledge gained in this way will flow directly into the design of the pavilion structure. Another focus is on combining sustainable materials with digital production methods. The use of computational tools supports the design language of natural materials and makes targeted use of their structural properties. The result is a flexible, modular system that not only offers an outstanding visual appearance, but also focuses on sustainability aspects. The project offers a unique opportunity to take a hands-on approach to sustainable materials and innovative production techniques - and to actively participate in creating a future that preserves resources.
In this seminar we will look into our relationship with the material world in our immediate surroundings, the university campus and the neighbourhood. More specifically, we will delve into our relationship to broken, obsolete and outdated things. What are common and exceptional ways society deals with these things? Are these ways the same in the campus or are there different, perhaps more avant-garde, ways to deal with these relationships? Should they be?

Participants of this seminar are called to cultivate an intimate relationship with a broken, obsolete or outdated thing of their choice and reflect on possible ways to act: to restore it as closely to its original, leave it as it is, recycle it, repair it visibly, redesign it through repair, transform it completely and more. Will there be tensions, broken hearts, tender moments, happy ends?

Compostable material practices and recipes will also be taught in this seminar, such as the “reverse wood” and natural dyeing with plants and compost. Can such materials and hand-craft techniques be used in repairing mass-produced, synthetic-materials-based products?

Infrastructures of Repair is part of a long-term teaching and research project Library of Infrastructures. The Library will be organized in themes such as: Repair, Energy, Care, More-Than-Human-World.
Dieser Kurs konzentriert sich auf die Übersetzung von Sinneseindrücken in eine visuelle Sprache mit traditionellen analogen Medien wie Bleistift, Kohle und Tinte. Vom ersten Tag an erkunden die Studierenden taktile, auditive und emotionale, nicht-visuelle Elemente, indem sie unterschiedliche Oberflächen - raue Steine, weiche Stoffe oder metallische Objekte - berühren und zeichnerisch umsetzen. Dabei geht es nicht um bloße Wiedergabe, sondern um eine intensive Auseinandersetzung mit persönlichen Erfahrungen und Erinnerungen.
Ein Schwerpunkt liegt dabei auf dem Spannungsfeld zwischen den physischen Eigenschaften traditioneller Medien und den digitalen Neuerungen, die der technische Fortschritt mit sich bringt. Methoden wie unbewusstes Zeichnen, materialbasierte Experimente und kreative Zeichentechniken, die von den Lernprinzipien der AI inspiriert sind, veranschaulichen den Einfluss analoger Praktiken und digitaler Technologien auf künstlerische Prozesse. Jede Session lädt dazu ein, unmittelbare Sinneseindrücke analog zu übersetzen, die Grenzen zwischen sichtbarer und unsichtbarer Welt neu zu interpretieren und innovative Werke zu schaffen.
WE NEED YOU!

Join the “woke” propaganda machine and help create games with a progressive message!

This praxis-focused Seminar is a space for everyone interested in Games as a medium for art, creating cultural and political narratives or any specific skill connected to Game Production (2D/3D assets, storytelling, game systems, gameplay, etc.)

In a collaborative effort we work on a game or interactive artwork from base concept to playable product and share and learn the skills we need on the way.

No matter if you are already experienced in one or more aspects and want to help the process or if you just want to learn something new your very welcome to join.

The Seminar is open to students of all departments or universities and the communication will happen in whatever languages work best for everyone (probably English and German though).

Meetings will happen in a biweekly rhythm and conclude with a workshop phase where we will come together to finish our game (specific workshop dates and times will be discussed in the seminar).
Just about fifty short years ago, a ball was paddled back and forth across a screen. It wasn’t the moon landing, but this simple action was the basis of one of the first computer games. Pong was core in shaping what has become a multi-billion profit generating global industry. Since then, computer games have become that ubiquitous media that is everywhere in one form or another. Unifying, dividing, compelling, even addictive for some people, they are part and parcel of contemporary culture. Candycrush, Grand Theft Auto, Minecraft – just a few of the most popular games that are played by people everywhere on different digital devices. What about Communist Games, Indie Games, Art House games and all the other sub-genres? What are the engines behind the engines? This omnipresent cultural phenomenon isn’t all high tech and cash flow, as arty geeks and nerdy freaks are also in the mix. In Playing with the (im)possible – Computing Games, proposes a spectrum of seeing, playing and making games by artists, activists, developers and game enthusiasts. Playing with the (Im)possible – Computing Games will look at game histories, practices and genres with an invitation for students to share their own experiences and works. In SoSe 25 there will be a particular focus on gender in games and gaming culture.

Press Play to Start.

Depending on the level of engagement, students can receive one of two credit options: (Leistungsschein Medienkunst, Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst).

There is beauty in embracing both the past and the future, for it is in the blending of the old and the new that progress is made.

- Marge Piercy, He, She and It

How are our lives, politics, desires, and decisions are formed, informed, and scripted by screen-based imaginaries? This seminar returns to the times of the net and what came before. It will look at various forms of (new) media like video, net.art and electronic disturbance through the lens of urgency and the screen based wishes to escape the embodied realities of hetero-normative states of being, and open up the dreamtime space of alt.cultures and their struggles for liberation. We will read related manifestos as tools of those not included in Big Tech's algorithm to see how they inform social practices that challenge and corrupt the steady flow of politics, economics, aesthetics and history. Learning with those operating outside the dominant systems that produce and reproduce power, Manifestly Media will dust off the utopic metallic cast of 90's cyberculture and re-examine its less shiny and more radical potentials. This seminar will be continued over several semesters and navigate hacking, net.art, techno-feminisms, netzkritik and media art from below. In SoSe 25, we will navigate projects and texts by Shu Lea Cheang, Fran Ilich, Mark Fischer, Coco Fusco, Attila Kotanyi, Lynn Hershman Leeson, Marge Piercy, Carsten Nicolai, Alexei Shulgin and more.

Depending on the level of engagement, students can receive one of two credit options: (Leistungsschein Medienkunst, Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst).
This ongoing seminar is derived from earlier iterations of Decoding the Colonial Algorithm and is shaped with ongoing student research. It continues navigating through the myriad histories crossing over, under and through Karlsruhe. Borrowing tools from feminist practices and psycho-geography, students will generate their own embodied routes, evidence and narratives through time and space. The navigations have shifted to investigations and will continue to delve into Karlsruhe’s own ongoing connections with colonialism.

This is derived from looking at how culture is embedded in codes and how those codes are embedded in software and hardware and how this cycle repeats to reproduce cultural norms. It further looks at the colonial project and how its ghosts haunt the everyday and inhabit not just the devices we use and take for granted, but the social actions we all perform. The issues addressed involve questions like: Which of these actions are codified within the colonial operating system? How and where were they implemented and by whom? To what ends? How are they still in operation today? How are they present in the tools we use? What are the ghosts in the machine? This will be complemented by the counter measures of the post-colonial, de-colonial and and anti-imperialist struggles and practices, both contemporary and historical and how those take form in the social and political and in arts and cultural practices.

We will also delve into the sometimes murky territory of terminology: how language itself functions as a code. When you know the codes, you have the keys. The seminar will include ongoing research, local excursions and navigating routes that demonstrate the multiple dimensions present in the every day. Experiments in testing water quality, magnet fishing and generating urban scores and active research will complement readings and project development.

Students that did not participate in the earlier seminars are welcome to join and advised to request advance research notes and material. Depending on the level of engagement, students can receive one of two credit options: (eistungsschein Medienkunst, Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst).
Which strategies do we develop when the ground beneath us is no longer stable? How do our notions of community, technology, and infrastructure shift in times of collapse? And what narratives shape our understanding of crises and the possibility of renewal?
This seminar approaches apocalyptic imaginaries through artistic, theoretical, and experimental lenses. We navigate the intersections of political, ecological, and technological upheaval to explore the survival strategies that arise when existing systems falter.
We will also examine leftist prepper cultures, which—unlike conventional conservative or libertarian survivalist discourses—focus on collective resilience, solidarity networks, and speculative technologies. How can we collaboratively envision pleasurable futures ?

Combining critical texts, artistic experiments, body work and practical approaches to alternative worldbuilding, the seminar invites students to contribute both with art works and texts which we will publish at UMBAU Journal.
In collaboration with the Staatsarchiv Chemnitz, ASA-FF, and the initiative NSU – Offener Prozess, this seminar invites students to engage with practices of remembrance and public memorials.
The project around a digital and physical memorial space dedicated to the victims and those affected by the NSU complex unfolds both online and in situ. During critical research and conceptual development we examine the political structures and local and wider entanglements that enabled acts of right-wing extremist violence in Chemnitz.

Re:member the Future III culminates in an exhibition at the Dokumentationszentrum NSU-Komplex auflösen in Chemnitz, on 5th of July 2025.

Between 2001 and 2010, the National Socialist Underground (NSU), a neo-Nazi terror group, carried out a series of racially motivated murders and bombings—supported by a dense network within the far-right milieu of Jena, Chemnitz, and Zwickau. The broader project and exhibition Offener Prozess examines the NSU complex through the lens of East German societal dynamics, particularly in Saxony, tracing the interwoven narratives of migration, systemic racism, and sustained resistance.
Drawing on the concept of living memory, the project "NSU Komplex auflösen" by ASA FF centers marginalized perspectives, while critically exposing the structural and institutional conditions that fostered—and continue to perpetuate—right-wing atrocities.
D
Im Hardtwald nördlich von Karlsruhe befindet sich der Campus Nord des Karlsruher Instituts für Technologie, auf dessen Gelände das ehemalige Forschungszentrum für Kernenergie liegt. Dort befinden sich auch die ehemaligen Forschungsreaktoren, die in unterschiedlichen Stadien des Rückbaus sind.
Die Aktivitäten des Forschungszentrums wurden von 1956 bis 2006 von Berufsfotografen dokumentiert. Dieses Bild-Archiv umfasst 210.000 Aufnahmen. Davon sind 20.000 Aufnahmen digitalisiert worden.
Im Jahr 2020 wurde das Buch “10% Das Bildarchiv eines Kernforschungszentrum betreffend” zusammen mit Spector Books herausgegeben, in welchem unterschiedliche Blickwinkel auf das Bild-Archiv dokumentiert sind. Es ist geplant, ein weiteres Buch zum Bildarchiv und in Zusammenarbeit mit KIT und Spector Books 2026 heraus zu geben.

Im Seminar werden wir die unterschiedlichen Bildwelten, die sich im Archiv befinden, erforschen. Es wurde alle Aktivitäten der Kernforschung und der Mitarbeitenden dokumentiert. Darüber werde wir auch eine kleine Geschichte der Fotografie kennen lernen.
Dazu lesen wir Texte und besprechen künstlerische Arbeiten zum Thema.

Weiter werden wir die realen Orte der Kernforschung, der Kernenergie-Gewinnung und des atomaren Abfalls im Umfeld von Karlsruhe und in Baden-Württemberg besuchen. Es entstehen sowohl eigene fotografische Arbeiten, die kritisch innerhalb unseres Seminars und in Kontext von theoretischen und ästhetischen Aspekten beleuchtet werden.

Das Seminar ist Teil 1 einer Reihe von 3 Seminaren.
Im WiSe 2025/2026 planen wir eine Zusammenarbeit mit der Freien Universität Amsterdam und Dr. Maria-Kyveli Mavrokoropoulou.
Im SoSe 2026 soll das neue Buch dann zusammengefügt und gegen Ende 2026 herausgegeben werden.

EN
The North Campus of the Karlsruhe Institute of Technology is located in the Hardtwald forest.There the former nuclear research centre is located. The former research reactors, which are in various stages of dismantling, are also there.
The activities of the research centre were documented by professional photographers from 1956 to 2006. This image archive comprises 210,000 photographs. Of these, 20,000 images have been digitised.
In 2020, the book ‘10% Concerning the image archive of a former nuclear research center’ was published together with Spector Books. Different perspectives on the image archive are shown there. It is planned to publish a new book in 2026, re-searching the image archive with a new group of people, in collaboration with HfG, KIT and Spector Books.

In the seminar, we will explore the different visual worlds to be found in the archive.The images speak of different activities concerned with nuclear research, but also a brief history of photography can be observed. And we will read texts and discuss artistic works related to our subjects archive and nuclear.

We will visit some of the actual sites of nuclear research, nuclear energy production and nuclear waste located in the Karlsruhe area and in Baden-Württemberg.
Our own photographic works will be set in dialogue with what has been documented before.

The seminar is the first one in a series of three seminars. In winter semester 2025/2026 we will collaborate with Dr Maria-Kyveli Mavrokoropoulou of Vrije Universiteit Amsterdam.
Einführung in die Grundfunktionen eines digitalen Schnittsystems (hier: DaVinci Resolve). Ziel ist der sichere Umgang mit der Schnittsoftware, um in der (Nach-)bearbeitung zeitbasierter, audiovisueller Medien die inhaltlichen Fragen in den Vordergrund des Arbeitens zu bekommen. Empfehlenswert auch für alle, die bereits Erfahrung mit vergleichbarer Software haben. Das Blockseminar ist die Grundlage für weiterführende Schnittseminare.

(Begrenzte Anzahl von Teilnehmer*innen, Anmeldung nur per Anmeldeformular Medienkunst, regelmäßig pro Semester)

Sprachen: Deutsch
This scriptwriting seminar is dedicated to the students who are currently working towards finishing a treatment or a first draft of a feature length narrative film or a short narrative film.

The seminar will start with a two-day group discussion lead by Professor Hugonnier (July 7 and 8) where you will be asked to present the progress you have made on your projects and your dossier since the excursion at the PAF in France in February 2025, or during last semester.

This will be followed by a three day one to one session (July 9,10,11) with Philippe Barrière - who is a script consultant at the Torino Film Lab, The Semaine de la Critique at Cannes Film Festival and professor Hugonnier so to help straighten, challenge or complexify your scripts.

Dates:
July 7, 8 with Professor Hugonnier
July 9, 10, 11 with Professor Hugonnier and Philippe Barriere

To register you must commit to all 5 days.
Contact to register : Hyeonju Lee: hlee(at)hfg-karlsruhe.de (Professor Hugonnier’s Hiwi)
Deadline to register : April 28th, 2025
8 Students maximum



The Berlin Conference, which took place from 15 November 1884 till 23 February 1885, assembled men representing actual Germany, Hungary, Belgium, Denmark, Spain, USA, France, Great Britain, Italy, Netherlands, Portugal, Russia and Turkey engaging in one of the most efficient historical legalizations of ecological and human devastation. Thus, the waterway for the future flow of diamonds, gold, platinum, copper, cobalt, iron, uranium, bauxite, oil, and other raw materials was established. Mineral resources supply both our technological and biological bodies and are conductors of electric power, substance metabolism, and information transfer. They are the saps of our medialities. What else gets mediated and flows through these exchanges beyond human intentionality? Can we imagine or stage an ‘assembly of resources’, and what would it imply?

Assembly of Resources is a two-semester seminar. Assembly of Resources #1 was held during the winter semester of 2024/25 in collaboration with ORC - Open Resource Center, HfG, and Savvy Contemporary, Berlin. It started with a 4-day research excursion to Berlin and reading sessions that focused on the history and theory of extraction and colonialism. Assembly of Resources #2 takes place during the summer semester of 2025; this time, we will also investigate the life that exists within seemingly inert resources, continuing the series of field trips, reading sessions, workshops, and colloquia. Students are invited to develop their individual or collaborative projects and research, or to continue those initiated in the winter semester. In collaboration with the Living Library and Savvy Contemporary - exhibition opening on 14th November 2025.
In this seminar, we will explore both the theoretical and practical aspects of photography. We invite you to engage with what Kaja Silverman calls "the threshold of the visible world": What are photographs? What do they address beyond what is depicted within the frame? And what is implied when we handle and share them?
Photography serves as a portal through which our relationship to the human and more-than-human environment is negotiated, made visible, and communicated. As a way of understanding the core of the photographic medium, this seminar embraces artistic research.
In the summer semester, we will undertake a practical exploration of the Fruchthalle collection from a feminist perspective. This includes visiting the collection, developing our own approaches to engaging with it, and participating in the exhibition at the Fruchthalle Rastatt in July.
This semianar is held in collaboration with Vera Gärtner(ADSZ).
‚Open Lab’ emphasizes creativity and collaboration and is designed for anyone interested in sound, music, and technology. This course integrates principles of electronics, acoustics, and music theory with their artistic applications. It offers participants the opportunity to engage with technology, particularly for their own sound-related art projects. The course demonstrates how fundamental music technologies—such as oscillators, sound generators, filters, mixers, and speakers—function and how they can be utilized in the contexts of stage performance, music production, or sound art. Additionally, techniques are taught to build interactive sound environments and instruments using sensors, microcontrollers, and computers. Through group projects, participants can complete smaller works suitable for exhibitions or concert performances. Open Lab encourages also independent experimentation of ideas, supports collaborative projects, and provides guidance through theoretical input and hands-on workshop sessions.
From Psychotronics to behavioral manipulation through Stimoceivers and Muzak; nonlinearity and bifurcation, piercing transcranial magnetic stimulation; THE ELECTRONIC REVOLUTION, the magical half-dozen altered states; atmospheric disturbances, sporadic E, microcosmic tonal microsonics, omnipresent EMFs and the realm of ELFs penetrating the four seas (and also your thighs), a Faraday wave, crepuscular rays, malevolent signals, cymatics—the hidden geometries of sound; Francis E. Dec's lonesome-loathsome schizoid rants; the aleatoric hexagrams of the I Ching's ternary fractions, IAO — the emblematic Tetragrammaton, the ineffable א, the delicious pi; Moon Musick, Mina - the final sign and all of Ruha's epithets.
Begleitend zum Seminar „Betwixt and Between. Struktur und Anti-Struktur in rituellen Prozessen“ findet eine Reihe von Abenden im Blauen Salon (Kino der HfG) statt, in denen Spiel- und Dokumentarfilme zu unterschiedlichsten Schwellenzuständen von Gruppen oder Individuen gezeigt und diskutiert werden. Neben den Schwellenzuständen im Rahmen typischer Übergangsrituale geht es auch um Ausnahmezustände (z.B. Revolutionen, Kriege, Katastrophen) und um Schwellenwesen wie etwa Chimären, Vampire, Zombies, Engel, Heilige, Narren oder Cyborgs.
In allen Gesellschaften dienen Übergangsriten (rites de passage) der Absicherung des potenziell gefährlichen, weil undefinierten Übergangs zwischen Lebensstadien, Rollen, Identitäten, psychischen Zuständen, sozialen Strukturen oder physischen Räumen. Bei der Beobachtung von Übergangsriten stellte der Anthropologe Victor Turner fest, dass Individuen oder Gruppen in der mittleren der drei Phasen eines jeden Ritus – nachdem sie sich in einer ersten Phase von der sozialen Ordnung symbolisch abgelöst haben – in einen Zustand der Liminalität geraten: einen Schwellenzustand, einen Zustand der Mehrdeutigkeit, der Unentscheidbarkeit und der Verwirrung. Sie sind „betwixt and between“. In diesem ambivalenten Zustand zwischen Fakt und Fiktion machen die Initiierten eine von Turner „Communitas“ genannte Flow-Erfahrung von Gleichheit, Ganzheit, Einfachheit, Offenheit, Anonymität, Selbstlosigkeit und Besitzlosigkeit jenseits von Status, Rang, Distinktion, sexueller Differenz, Familie oder Hierarchie. Der Schwellenzustand zwischen „nicht mehr“ und „noch nicht“ erzeugt Unsicherheit und zugleich Faszination, er ist gleichermaßen Quelle von Schöpfung wie Zerstörung.

Die Filme werden jeweils von Seminarteilnehmenden kuratiert und präsentiert und im Anschluss an die Vorführungen gemeinsam analysiert und diskutiert.
In allen Gesellschaften dienen Übergangsriten (rites de passage) der Absicherung des potenziell gefährlichen, weil undefinierten Übergangs zwischen Lebensstadien, Rollen, Identitäten, psychischen Zuständen, sozialen Strukturen oder Orten. Bei der Beobachtung von Übergangsriten stellte der Anthropologe Victor Turner fest, dass Individuen oder Gruppen in der mittleren der drei Phasen eines jeden Ritus – nachdem sie sich in einer ersten Phase von der sozialen Ordnung symbolisch abgelöst haben – in einen Zustand der Liminalität geraten: einen Schwellenzustand, einen Zustand der Mehrdeutigkeit, der Unentscheidbarkeit und der Verwirrung. Sie sind „betwixt and between“. In diesem ambivalenten Zustand zwischen Fakt und Fiktion machen die Initiierten eine von Turner „Communitas“ genannte Flow-Erfahrung von Gleichheit, Ganzheit, Einfachheit, Offenheit, Anonymität, Selbstlosigkeit und Besitzlosigkeit jenseits von Status, Rang, Distinktion, sexueller Differenz, Familie oder Hierarchie.
In der liminalen Phase trifft Struktur (Sprache, Gesetz, Tradition) auf Anti-Struktur. Liminale Phasen sind Phasen der Transition und der Transformation und implizieren ein hohes Maß an Opferbereitschaft. Der Schwellenzustand zwischen „nicht mehr“ und „noch nicht“ erzeugt Unsicherheit und zugleich Faszination, er ist gleichermaßen Quelle von Schöpfung wie Zerstörung. Er kann als herausfordernd, unangenehm, bedrohlich und störend erlebt werden, aber auch als subversiv, inspirierend und ermächtigend, insofern die temporäre Suspension der sozialen Ordnung eine fließende, offene Situation erzeugt und ein Potenzial der Veränderung und Erneuerung freisetzt. Die dritte und abschließende Phase des Übergangsrituals dient der Wiedereingliederung der Initiierten in die soziale Ordnung mit neuer Rolle, neuem Status, neuer Identität. Liminale Zustände können aber auch verlängert auftreten oder langfristig reproduziert werden, etwa in Form marginaler Existenzen oder permanenter Ausnahmezustände.
Seit Victor Turners Arbeit in den 1960er Jahren wird der von ihm anlässlich der Beobachtung von Übergangsphänomenen wie Krankheit, Tod, Krise, Taufe, Pubertät, Heirat oder Trennung gewonnene Begriff der Liminalität verwendet, um politische und kulturelle Umbrüche und Umwälzungen aller Art zu analysieren, in denen soziale Hierarchien umgekehrt oder aufgelöst werden, die Kontinuität der Tradition ungewiss wird und Annahmen, die einst als selbstverständlich galten, in Frage gestellt werden, und die sich in Form von Revolutionen, Kriegen, Katastrophen und anderen kollektiven Ausnahmezuständen manifestieren. Auch das Leben von Exilierten, Kolonisierten, Minoritäten oder religiösen Gemeinschaften lässt sich als Existenz im Schwellenzustand der Mehrdeutigkeit und Unentscheidbarkeit beschreiben. Nicht zuletzt können Aufführungen aller Art (Musik, Theater, Karneval, Cabaret, Kunst, Film) sowie die performativen Praktiken des Spielens, des Erzählens, des literarischen Schreibens, des Denkens oder des Philosophierens als Phasen liminoider (d.h. experimentell herbeigeführter liminaler) Erfahrungen gelten.
Im Zentrum des Seminars steht die Lektüre von Victor Turners Buch „The Ritual Process. Structure and Anti-Structure“, in deren Verlauf sich zahlreiche Bezüge zu verwandten Ansätzen aus dem Bereich der Soziologie des Sakralen (Marcel Mauss, Roger Caillois, Georges Bataille, René Girard, Michail Bachtin, Mary Douglas) ergeben werden. Zusätzlich dienen kleinere Auszüge aus Texten von Immanuel Kant, Richard Wagner, Henri Bergson, Jean-Paul Sartre, Frantz Fanon, Hannah Arendt, Jacques Derrida, Gilles Deleuze & Félix Guattari, Julia Kristeva, Giorgio Agamben und Rosi Braidotti als Inspiration für die Diskussion unterschiedlicher Schwellenphänomene wie etwa der kunstreligiösen Erfahrung des Erhabenen, der liebesreligiösen Erfahrung des Mystischen, der politreligiösen Erfahrung des Totalitären oder der sozioreligiösen Erfahrung des Transhumanen.

Begleitend zum Seminar findet eine studentisch kuratierte und präsentierte Filmreihe zu unterschiedlichsten Schwellenphänomenen im Kino der HfG statt.
Unter dem Titel Chaosmose untersucht das Seminar die Zusammenhänge zwischen ästhetischen und psychischen Modalitäten, die historisch in der von Jean Dubuffet geprägten Strömung der Art brut zusammenlaufen und in den Arbeiten von Hans Prinzhorn, Walter Morgenthaler und Leo Navratil einer frühen psychiatrischen Analyse unterzogen wurden. Auf der Grenze von Kunst und Psychiatrie, bildet diese später als Outsider Art bekannt gewordene künstlerische Praxis den Ausgangspunkt für kunstwissenschaftliche und philosophische Lektüren, die anhand von einzelnen Kunstwerken und Filmen sowie relevanten Ausstellungen und Sammlungen Formen und Prozesse der Subjektivierung mit Blick auf das kreative Zusammenwirken ästhetischer und psychischer Kategorien untersucht. Als Lektüregrundlage dient u.a. Félix Guattaris letztes Werk Chaosmose. Im Rahmen des Seminars werden neben einer Exkursion in die Sammlung Prinzhorn an der Heidelberger Universitätsklinik verschiedene Gastvorträge stattfinden. Seminarsprachen sind Deutsch und Englisch.

Scheinerwerb: Leistungsschein Kunstwissenschaft oder Leistungsschein Kunst- und Medienphilosophie

Termine:
Di., 22.04.2025: 15:00 - 17:00 Uhr
Mi., 07.05.2025: 15:00 - 18:00 Uhr; Do., 8.05.2025: Exkursion nach Heidelberg
Mi., 04.06.2025: 15:00 - 18:00 Uhr, im Anschluss Gastvortrag; Do., 05.06.2025: 13:00 - 15:00 Uhr
Mi., 02.07.2025: 15:00 - 18:00 Uhr, im Anschluss Gastvortrag; Do., 03.07.2025: 10:00 - 13:00 Uhr

Sprechstunde nach Vereinbarung unter rladewig(at)hfg-karlsruhe.de


The course Chaosmosis explores the interrelations of aesthetic and psychological modes of expression converging in the field of ›Art brut‹. Coined as a term by the French artist Jean Dubuffet, ›Art brut‹ or ›Outsider art‹ was first studied in the immediate aftermath of the First Wold War by Hans Prinzhorn in Heidelberg, and later by Walter Morgenthaler and Leo Navratil in Swiss and Austrian mental hospitals and asylums, recalibrating the line between art and psychiatry.
Individual works of art, films as well as relevant exhibitions and collections will be the points of departure for art historical and philosophical readings that examine processes of subjectivation with a special focus on the creative interaction of aesthetic and psychological categories, looking at individual works of art and film, as well as relevant exhibitions and collections. Félix Guattari’s last book Chaosmosis provides a basis for the course’s reading. A visit to the Prinzhorn Collection at the Heidelberg University Hospital will be part of the course, as will be various invited guest lectures. Seminar languages are German and English.

Consultation hours by appointment: rladewig(at)hfg-karlsruhe.de

Tue, 22 April: 3 – 5 pm
Wed., 7 May: 3 – 6 pm and Thurs., 8 May: 10 am (visit to the Prinzhorn Collection)
Wed., 4 June: 3 – 6 pm, followed by guest lecture; Thurs., 5 June: 1 – 4 pm
Wed., 2 July: 3 – 6 pm, followed by guest lecture; Thurs., 3 July: 10 am – 1 pm
Über den Wahn hatte Freud nicht viel zu sagen, was ihm dazu aber einfiel ist vielleicht die ausschlaggebende Erkenntnis: der Wahn ist eine kreative Lösung für ein aussichtsloses Dilemma. Die Welt ist unerträglich geworden, wird verworfen und durch eine neue ersetzt. Dieser schöpferische Akt trägt häufig zugleich stereotypische (alles hängt mit allem zusammen und alle sind hinter mir her) und vollkommen idiosynkratrische Züge. Vor allem in seiner paranoischen Ausformung beschäftigt uns dieser Mechanismus auch jenseits der individuellen Pathologie.
Im Seminar wird uns interessieren, wie Lacan im Anschluss an Freud die strukturelle Unterscheidung zwischen Neurose und Psychose als entscheidende diagnostische Kategorie herausstellt. Für ihn, wie für Freud, war dafür der autobiografische Bericht Daniel Paul Schrebers zentral. In Schrebers Denkwürdigkeiten eines Nervenkranken zeigen sich allerdings nicht nur psychopathologische Auffälligkeiten, sondern darüber hinaus die Tatsache, welcher Not angesichts des Nexus von Gesetz, Geschlecht und Macht der Wahn Abhilfe zu schaffen versucht, und es ist zu diskutieren, wie aktuell diese Not ist.
Schließlich wollen wir Versuche, den Wahnsinn zur Methode zu machen, kennenlernen, wie sie etwa Dalí mit seiner „paranoisch-kritischen Methode“ entwarf, oder wie sie Eve Sedgwick in der Tendenz der Kritik als „paranoides Lesen“ erkannte.
In der Askese ändert sich die Beziehung zum Selbst. Diese Veränderung kann als Reduktion oder als Stärkung dieses Selbst geschehen; einmal in der christlichen Askese, die ein Loslösen von der Welt fordert, in erster Linie also einen Verzicht, aber auch im askein, der kreativen Arbeit am Selbst, einem technischen und künstlerischen Tun.
Das Seminar möchte einerseits fragen, wie diese Praktiken vor allem zur Transformation des Körpers eingesetzt werden können und wie sie den Körper in seiner Geschlechtlichkeit betreffen. Die verhandelten Selbsttechniken der sexuellen Abstinenz, des Hungerns, des Aushaltens von Schmerz stellen die vermeintliche Polarität von Macht/Ohnmacht und Enthaltsamkeit/Exzess in Frage.
Die Tradition der christlichen Mystikerinnen und deren Rituale der „Selbstentleerung“, letztlich des „Nichts-Werdens“, nehmen wir dabei zum Ausgangspunkt für theoretische Lektüren (Michel Foucault, Gilles Deleuze, Simone Weil, Giorgio Agamben).
Darüber hinaus soll diskutiert werden, welche Herausforderung das Sich-Entziehen, das Nichtstun für die künstlerische Praxis und die Inszenierung darstellt.
This seminar will provide an introduction to modes of display, and what is at stake in staging exhibitions, historically and presently. We will look at the roots of the so-called ’exhibitionary complex’ across disciplines, forms and institutions. How do exhibitions and the staging of things (objects as well as subjects), over theatres, gardens and galleries, attempt to produce certain effects on certain people, write certain histories and unwrite others? Why has certain models gained almost global hegemony (such as the white cube), and how are we to understand the proliferation of the biennale model? Moreover, we will look at not just the show, but also the no show (when things stop, for one reason or another). The three key philosophical terms of investigations shall be presentation, representation, and depresentation. Our case studies will be in the form of critical texts (and thus close readings), as well as specific formats of exhibitioning (and thus typology) and specific, historical exhibitions (and thus reverse engineering)

Dieses Seminar bietet eine Einführung in die Formen des Ausstellens und in das, was bei der Inszenierung von Ausstellungen auf dem Spiel steht - historisch und aktuell. Wir werden die Wurzeln des sogenannten "exhibitonary complex" in verschiedenen Disziplinen, Formen und Institutionen untersuchen. Wie versuchen Ausstellungen und die Inszenierung von Dingen (Objekten wie auch Subjekten) in Theatern, Gärten und Galerien, bestimmte Wirkungen auf bestimmte Menschen zu erzielen, bestimmte Geschichten zu schreiben und andere ungeschrieben zu lassen? Warum haben bestimmte Modelle eine fast globale Hegemonie erlangt (wie der White Cube), und wie ist die Verbreitung des Biennale-Modells zu verstehen? Außerdem werden wir uns nicht nur mit der Show beschäftigen, sondern auch mit der No-Show (wenn die Dinge aus dem einen oder anderen Grund aufhören). Die drei philosophischen Schlüsselbegriffe der Untersuchung sind Präsentation, Repräsentation und Depräsentation. Unsere Fallstudien werden in Form von kritischen Texten (und damit close readings) sowie spezifischen Ausstellungsformaten (und damit Typologie) und spezifischen, historischen Ausstellungen (und damit Reverse Engineering) durchgeführt.
Als Robert Rauschenberg im Juni 1964 den Goldenen Löwen für Malerei auf der Venedig Biennale gewann, schien New York endgültig Paris als Kunsthauptstadt der Welt abgelöst zu haben. Das Seminar nimmt verschiedene Kunstströmungen, Institutionen, ProtagonistInnen und Diskurse im New York der 1950–80er Jahre in den Blick, um die amerikanische Moderne in ihren verschiedenen Facetten zu beleuchten. Dabei werden Werke des Abstrakten Expressionismus, der Pop Art, Minimal Art, Land Art, Konzeptkunst sowie feministische Werke der Zeit betrachtet und im Hinblick auf Schlüsseltexte besprochen.

Im Rahmen des Seminars findet eine eintägige Exkursion nach München zur Ausstellung 'Fünf Freunde. John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Cy Twombly' am 29. Mai statt, sowie optional eine Exkursion nach New York vom 26.-31. August.

Mittwochs 10:00–13:00 Uhr

Je nach Bedarf wird das Seminar auf Deutsch oder auf Englisch stattfinden.


When Robert Rauschenberg won the Golden Lion for Painting at the Venice Biennale in June 1964, New York seemed to have finally replaced Paris as the art capital of the world. The seminar looks at various art movements, institutions, protagonists and discourses in and around the city of New York in the 1950–80s, in order to shed light on American modernism in its various facets. Works of Abstract Expressionism, Pop Art, Minimal Art, Land Art, Conceptual Art as well as various feminist works of the time will be examined and discussed with regard to key texts.

The seminar includes a one-day excursion to Munich to see the exhibition 'Five Friends. John Cage, Merce Cunningham, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Cy Twombly' on May 29 and an optional excursion to New York from August 26.-31.

Wednesdays 10:00–13:00

This seminar will be held in English or German, according to the participants' proficiency.
Dieses Einführungsseminar diskutiert den Zusammenhang von Politik, Ästhetik und Gesellschaft entlang von kritischen Begriffen, die seit dem 18. Jahrhundert die politische Philosophie geprägt haben. Politische Philosophie ist nach traditioneller Geschichtsschreibung mindestens so alt wie Platons „Politeia“ (ca. 375 BC), doch erst seit dem philosophischen Diskurs der Moderne erscheint das Ästhetische als eigenständiger Gegenstand, Gegenstandsbereich und Problemfeld in der Philosophie. Wir beginnen mit der These, dass es das Aufkommen des Ästhetischen ist, das das eigentlich „Moderne“ der politischen Philosophie ausmacht. Diese Verschränkung ist folgenreich. Spätestens seit Alexander Baumgartens „Aesthetica“ (1750) und Immanuel Kants „Kritik der Urteilskraft“ (1790) lassen sich das Ästhetische als Herausforderung für eine philosophische Diskussion des Politischen sowie das Politische als (Ana)Thema der philosophischen Ästhetik begreifen. Im Zeitalter des Industriekapitalismus nach 1900 werden Kunstautonomie und die Eigenständigkeit des Ästhetischen allerdings prekär; das Politische greift in die Erfahrungswelt des Ästhetischen ein, zugleich droht der Politik die „Ästhetisierung“ (Walter Benjamin 1935/36). Technik, Beschleunigung und Warenförmigkeit verlangen nach neuen politischen Begriffen, die das klassische Verständnis von Ästhetik in der Nachfolge von Kant, Romantik und Hegel revidieren: feministische, marxistische, postkoloniale und psychoanalytische Diskurse eint der Versuch, das Ästhetische auch in seiner politischen Reichweite sowie das Politische in seiner ästhetischen Dimension zu diskutieren.

This introductory seminar discusses the nexus of politics, aesthetics and society along critical concepts that shaped political philosophy since the 18th century. According to traditional historiography, political philosophy is at least as old as Plato's “Republic” (ca. 375 BC), but it is only since the philosophical discourse of modernity that the aesthetic appeared as an independent object, subject area and problem field in philosophy. We begin with the thesis that it is the emergence of the aesthetic that makes political philosophy “modern” in the strict sense. This entanglement has consequences. Ever since Alexander Baumgarten's “Aesthetica” (1750) and Immanuel Kant's “Critique of the Power of Judgment” (1790), the aesthetic poses a challenge for a philosophical discussion of the political, and, conversely, the political can be understood as (ana)thema of philosophical aesthetics. In the age of industrial capitalism after 1900, however, the autonomy of art and the independence of the aesthetic became precarious; the political intervened in the experiential world of the aesthetic, while at the same time politics was threatened with “aestheticization” (Walter Benjamin 1935/36). Technology, acceleration and commodification call for new political concepts that revise the classical understanding of aesthetics in the wake of Kant, Romanticism and Hegel: feminist, Marxist, post-colonial and psychoanalytical discourses are united in their attempt to also discuss the aesthetic in its political scope as well as the political in its aesthetic dimension.

Seminar language: English and/or German, depending on students' preference and capacity
Sehen ist niemals neutral – so lautet eine zentrale Einsicht in der Geschichte der Kritischen Theorie. Visuelle Wissensmodelle und Epistemologien des Sehens haben Strukturen der Macht, Herrschaft und Gewalt informiert, geprägt und in Kraft gesetzt. Umgekehrt haben kritische und anti-hegemoniale Theorien diese Strukturen in Frage gestellt, indem sie auf „partiellen Perspektiven“ (Donna Haraway 1988) bestanden und die epistemische Gewalt thematisierten, die dem verdinglichenden Blick der herrschenden (politischen) Ökonomie und wissenschaftlichen Sichtweise eingeschrieben ist. Diese Debatten erinnern uns daran, dass „Theorie“ von der griechischen Wurzel „theorein“ stammt, was so viel bedeutet wie betrachten, spekulieren oder anschauen. Neben seiner „theoretischen“ Bedeutung hat der Akt des Durch-Sehen-Erfassens auch eine sehr wörtliche Bedeutung in der Geschichte der Kriegsführung, bewaffneter Konflikte und Überwachung. Von Paul Virilios „Krieg und Kino“ (1984, 1986) bis zu Eyal Weizmans „Forensic Architecture“ (2017) sind die „Bilder der Welt und die Inschrift des Krieges“ (Harun Farocki 1989) untrennbar miteinander verbunden. Im Schnittpunkt von Philosophie, Kritischer Theorie, Kulturwissenschaften, Psychoanalyse und Technikgeschichte untersucht dieses Seminar die gewalttätige Asymmetrie, Inkonsistenz und Nicht-Identität von „Auge und Blick“ (Jacques Lacan 1964, 1978), Sehen und Gesehenwerden, Sicht und Perspektive.
As the history of critical theory has shown, vision is never neutral. Visual models of knowledge and epistemologies of vision inform, express and enact structures of power, domination, and violence. And conversely, critical and anti-hegemonic theories have challenged these structures by insisting on “partial perspectives” (Donna Haraway 1988), addressing the epistemic violence inscribed in the reifying gaze of the ruling (political) economy and dominant scientific vision. These debates remind us that “theory” originates from the Greek root “theorein,” meaning to consider, speculate, or look at. Besides its “theoretical” meaning, the act of grasping by vision has also a very literal meaning in the history of warfare, armed conflict and surveillance. From Paul Virilio’s “War and Cinema” (1984) to Eyal Weizman’s “Forensic Architecture” (2017), “Images of the World and the Inscription of War” (Harun Farocki 1989) cannot be separated. Relying on philosophy, critical theory, cultural studies, psychoanalysis and history of technology, this seminar explores the violent asymmetry, inconsistency and non-identity of “eye and gaze” (Jacques Lacan 1964, 1978), seeing and being seen, vision and perspective.

Seminar language: English and/or German, depending on students' preference and capacity
Nach 1800 erreicht die europäische Expansion der Frühneuzeit einen ersten Höhepunkt, mit aufstrebenden Industrienationen, die weltweit um Territorien und Ressourcen konkurrieren, während sich in ihren Hauptstädten neue Lebensweisen und Gesellschaftsmodelle ausbilden. Nach 1914 ist dieses „lange 19. Jahrhundert“ schließlich in einer Welle von Kriegen und Diktaturen zuende gegangen. Der Historiker Hans Kohn hat es in den 1960er Jahren unter dem Titel „European Century“ als eine Epoche beschrieben, in der Nationalismus und Modernisierung eine Einheit bilden.

Ausgehend von ausgewählten Werken des französischen Malers Édouard Manet (1832-1883), soll das Seminar zentrale gesellschaftliche Themen und Motive des 19. Jahrhunderts diskutieren, z.B. Restauration und Revolution, Bürgertum und Emanzipation, Sozialismus und Kolonialismus, Kulturkampf und Zensur, aber auch die künstlerische Verarbeitung von Traditionen und die fortschreitende Abstraktion in der bildenden Kunst.

The seminar will be bi-lingual / die Veranstaltung ist zweisprachig (dt./engl.) angelegt.
Obwohl Kunstmuseen neben anderen musealen Einrichtungen (z.B. für Naturkunde, Technik, Stadt- und Landesgeschichte) nur einen Teil des öffentlichen Sammlungs- und Ausstellungswesens ausmachen, ruhen auf ihnen besonders hohe gesellschaftliche Erwartungen. Ausgehend von den drängendsten ökonomischen, technischen und politischen Herausforderungen soll das Seminar daher die Besonderheiten des Kunstmuseums und seine möglichen Zukünfte diskutieren. Dies soll in thematischen Arbeitsgruppen geschehen, die sich der Institution Kunstmuseum als Architektur und Display, als Sammlung und Produktionsstätte sowie als Spiegel gesellschaftlicher Kräfte nähern. Je nach Zusammensetzung und Ablauf können die Ergebnisse zum Semesterende im Rundgang der HfG präsentiert und in Ausstellungen weiterentwickelt werden.

Das Seminar findet statt in Zusammenarbeit mit Prof. Dr. Frédéric Bußmann, Direktor der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe, sowie mit Unterstützung durch Prof. Charlotte Eifler (MK) und Prof. Tereza Ruller (KD).

Die Auftaktsitzung am 30.04. soll bereits mit einer Aufgabenstellung beginnen, die vorab bekanntgegeben wird. Die Studierenden werden gebeten, bis zur / in der Einführungswoche per E-Mail Kontakt mit den Lehrenden aufzunehmen.

Für 11. bis 13. Juli 2025 ist eine Exkursion nach Rotterdam vorgesehen.
Meeting Grounds: Essay as Event is ‘active, collective, conversational, counter, ecological, hypothetical, incomplete, inconvenient, improvised, non-fiction, material, mobile, relational, resistant, revised, temporal, wayward, on-going…’ *

This seminar invites investigation, and experimentation, with the visual essay as a verb (m/essaying), an event (a gathering) and as a social form for collective reasoning.
Over the course of the seminar, we will explore essayistic strategies that bring the temporalities, materialities and opacities of language into view, and consider how they might be put to practical and critical use within contemporary practices of communication design. To do so, we will suspend resolve and engage in a practice of trying, failing, and of knowing-as-you-go.

We will begin with a focus on ‘gathering materials’ to essay with, exercising modes of visual research/ing, reading, writing and compiling. The seminar will culminate with a collaborative live ‘gathering’, staged in the ZKM Pavilion.

* Terms harvested from contributions to ‘Meeting Grounds: Essay as Event’ series, 2023-24.
An ancient technology—so ubiquitous that we hardly recognise it as one—is among the most disruptive technologies in our history: the alphabet.
Yet, it is a technological invention that is fundamental to a vast array of our collective habits and cognitive patterns. As David Abram argues, it was so integral to the development of society in the Western Hemisphere that we should refer to it as Alphabetised civilisation rather than Western civilisation.

When oral cultures became literate, the land, animals, and plants fell silent—as if our senses, so naturally attuned and alert to perceiving the world around us, needed to redirect all their animating magic [Abram] to the flat surface of the page—to the written word. For as we read, we hear the sounds the words represent, and we listen to the conversation as our eyes take it in, in the form of glyphs and letters.
To learn this new magic, we had to turn away from our wide range of perception and our ability to communicate with and sense other beings. We turned to ourselves and we turned inward.

In antiquity, in the Greco-Roman world, reading was an oral practice, often in settings of public speaking. Texts were not meant to be read silently and individually, so they did not require structural indications. The introduction of word spacing in Western civilisation came much later, coinciding with the rise of silent reading in the 7th to 9th
centuries and driven mostly by Irish and Anglo-Saxon scribes.
Word spacing originally served as a guide, indicating a pause—a moment to take a breath. These spaces became the alphabetization of silence.
As the written word spread far and wide, largely replacing oral transmission, its growing importance created a need for additional signs and symbols to convey tone of voice, structure, and rhythm.

Punctuation derives from the Latin punctum, meaning being pierced or punctured. It is a phenomenon of the written language and was largely a matter of personal style. Handwriting allowed for flexibility, fluidity and invention. Some signs and marks would be in fashion for a period of time, only to be replaced by something else. However, with the invention of the printing press in the 15th century, those murmuring symbols were frozen in time.
Our repertoire of punctuation has remained largely unchanged for around 300 years. It seemed so definite and unchangeable—until the rise of digital communication. Texting on a phone or having a conversation through typing on a keyboard is one of the most disconnected bodily experiences. We cannot sense the visual cues on the face of the person we are speaking to, nor can we hear shifts in their tone of voice. In an effort to be as clear as possible, we resorted to screaming on our phones!!!! Aaaargh!!!!

In this seminar, we will explore the role and evolution of punctuation marks, both historically and in contemporary use. Should we abandon them altogether, or reimagine their forms to enhance nuanced communication in an age where everyone is screaming with short cuts of language‽ Maybe we need more of them or make them the main act of a sentence? Let’s *pause*, take a breath, and allow these silent symbols to speak for themselves. Let’s do an exercise in style [Queneau]…
SCENE I
Trust me, 9Pt should be enough. (The typeface wears confidence as its guise. With tracking at most by ten either side) Test me not! From eighty to one hundred and twenty in wordly space, no meandering rivers in sight! (We “see,” “hear,” “feel” what we read as we flow forward, line after line.)

SCENE II
(Rhymes are ragged and reasons justified, quotation marks speak with surprising accents, interrupted by dashes and pivoted by punctuation marks. Margins and footnotes murmur in passing tones, from seven to nine points, aligning solemnly every fourth line. Yet headlines, though styled similar to the text, command a respect most distinct.) Pray, tell me: where shall I commence my reading? Where continue thereafter? Hast thou deceived me?

SCENE III
(Paragraphs mount like high battlements to form columns—a structure, rhythmic and repeated within set rules, though uncertain if it will yield unto the march of time. Non-linear tales unfold as thou flip pages hither and thither.) Will it align with fate? Will it fall? What is happening? (A confrontation, suspense, catalysts, climax, resolution — DRAMA!)

EPILOGE
In this seminar we will work with classical and modern drama, borrowing concepts from dramaturgy to work with micro- and macrotypography, designing publications that we use to perform readings.
‘A Garden in Hell’ was the legendary fashion columnist and editor Diana Vreeland’s only pitch for her new living room. The interior designer hired for the job, Billy Baldwin, swiftly perused his options and settled boldly on a scarlet chintz with brilliant Persian flowers: “I raced home with yards and yards of it,” he later wrote, “and we covered the whole room — walls, curtains, furniture, the works.”

– Depiction of buildings and interiors is at the centre of the seminar.

“For Example”, writes Merleau-Ponty, “I see the next-door house from a certain angle, but it would be seen differently from the right bank of the Seine, or from the inside, or again from an aeroplane: the house itself is none of these appearances: it is (…) the house seen from nowhere”. – from Dorothee Elmiger’s essay ‘The Intimacy of the Proposal’ in Jürgen Beck’s books ‘Sun Breakers’ depicting a house of architect and designer Eileen Gray.

– We will visit a nearby house of “transformable dwelling” by Le Corbusier and study methods of documentation.

“The French Critic Gérad Genette speaks about how writers capture the intimacy of domestic space, slowing things down to a kind of shutter-speed that he calls the descriptive pause. (…) George Perec’s novel ‘Things’, is mostly a sequence of descriptive pauses inside the apartment of a young couple, their only ambition to afford all the things associated with life in a modern home. Perec said he wrote the book as a way to explore how the language of advertising is reflected in us. From the opening line the reader is ushered invisibly through the front door: ‘The eye, at first, would glide over the grey fitted carpet then give way to the woodblock floor of a living room about twenty-three feet long by ten feet wide. On the left in a kind of recess, a black leather sofa with pale cherry-wood bookcases on either side, heaped with books…’ Perec’s apartment is possessed by a spirit of predatory consumerism”. – from Paul Elimann’s essay ‘She wrote the word on the house with her finger’ in Nigel Shafran’s book ‘Dark Rooms.’

– The seminar will investigate historic visual fascination with biography and interior space.

Artist Marc Camille Chaimowicz was very interested in Eileen Gray’s work and personality. He installed one of her carpets and a lamp for his exhibition ‘Four Rooms’, and in his book ‘The World of Interiors’ a spread is dedicated to her. On the left page we see a portrait of Gray aged 92, sitting in a low armchair, dressed in a dark woollen skirt suit, near a cold fireplace in her Parisian apartment on Rue Bonaparte. Behind the chair, is her movable wall design: a black brick screen made from lacquered wood. On the right page Chaimowicz, has collaged a separate image of the screen onto an image of a bedroom.

– Production of interior objects is encouraged, so is studying the subject of interior design, in a wide spectrum spanning lifestyle magazines, floor plans, installation works, to the political potential of householding.
The seminar “Where one sees” offers an immersion in the world of (expanded) concrete poetry and (public) materialization of language, guided by the work of brazilian artist and poet Lenora de Barros, on the occasion of her exhibition “To See Aloud” at Badischer Kunstverein.

Taking verbivocovisual and intermedia research to new dimensions through an emphasis placed on the body and the sensorial realm, Lenora de Barros explores how photography, video, performance and spatial intervention become poetry, thus redefining and broadening our understanding of reading and seeing. 

During this project, we will explore writing and designing collectively – with words and images, sounds and gestures. You will be invited to reflect on and experiment with:
– embodying language and making poetry public through printed, digital or performed forms;
– displacing both form and content from location to location;
– translation landscapes…

Together, we will delve into the porous relationships between design/editorial work and curatorial work through open exhibition formats. We will question modes of transmission and mediation of process-oriented art and design. In order to expand our playground, Where one sees will take place between the HfG and Badischer Kunstverein (Waldstrasse 3, Karlsruhe).

The seminar will be organized around three 2-days teaching sessions (1.5d. teaching + 0.5d. independent time) as follows:

29–30.04.25: 2 days session
2–3.05.25: Symposium held at Badischer Kunstverein (optional but strongly recommended)
15–16.05.25: 2 days session
10–11.06.25: 2 days session
Time tbc: Online meeting to finalize projects and prepare their presentation
23.07.25: presentation day (morning set-up + afternoon presentation)
We build a sandcastle. Patiently trenching the ground dry then moist, lifting a cupped hand, drizzling sand, a flick of the wrist, and pat, pat, patting the walls into shape. Oh, enchanting sandcastle, here you are, as if you had always been there. But… , sandcastle, what are you made of? Are you made of our imagination or just grains of sand? Like computers. Are you a computer? and what does software eat?, sand? No answers and soon the castle's foundations wash away with the rising tide.

Humans consider themselves unique for their use of so-called tools. Tools are objects in innumerable shapes and here to help accomplish particular tasks, extending humans' individual abilities or modifiying their surroundings: lengthening the reach of an arm, accelerating the speed of travel, communicating on long-distance, recording ideas, keeping warm. These tools ought to be at one's unconditional command, but there is a law that questions the power structure between a tool and its operator, called the “law of the instrument”. This law states that making use of a tool we “tend to formulate our problems in such a way that the solutions to those problems demand precisely what we already happen to have at hand.” In other words, we tend to overly rely on a tool we know and are familiar with. Yes, it is tempting, if the only tool you have is a hammer, to treat everything as if it were a nail.

So, who is operating who? Is it the hand gripping the hammer? or, is the wooden stick swinging the hand?

In this seminar we will look at tools in the broadest sense — a hammer, electronic circuits, words, software, roads, you name it —, their traces and looping ways of bringing an idea to a form, or vice versa. We will work individually and collectively, with punctual presentations, exercises and screenings. Students of graphic and product design are welcome to join. Activities will be: making a … handle, reflecting on existing tools, and making new ones.
nina [21.02.25 15:42] Let’s say… on this hot lazy summer day we give in to the impulse to skip school and dip our toes in water. Indulge in idleness, play witches and mermaids. Maybe there is something to be said for a good hike. A good, long, almost awkward silence on top of the hill. A serious practice of playing hooky.

nina [21.02.25 15:42] Maybe tomorrow we pack up a good book, the zoom recorder, the color crayons, and a picnic for an afternoon at the lake.

nina [21.02.25 15:34] Because this leisurely practices takes over tech also, we take the machines to touch some grass. No more pulling our hair out in the overheated studio to debug the clever ChatGPT javascript snippet! We hand-write code in nature like field notes in a battered notebook! Like broadcasts in a talkie-walkie!

nina [21.02.25 15:40] tldr: this seminar is a series of outings into a practice somewhere labour and leisure, and how (soft) tech enriches it. Basic HTML+CSS understanding is required, because we will amongst other things be crafting webpages.

(nina changed status to: gone fishing 𓆜𓆝𓆞𓆟)
In this course we will explore the basics of coding websites. We will delve into the core languages (HTML, CSS and Javascript), share cheat codes and hacking tools, and gatebreak intimidating digital processes, all to empower ourselves to build cool stuff for the internet.

“The web is a flock of birds or a sea of punctuation marks, each tending or forgetting about their web garden or puddle home with a river of knowledge nearby.
If a website has endless possibilities, and our identities, ideas, and dreams are created and expanded by them, then it’s instrumental that websites progress along with us. It’s especially pressing when forces continue to threaten the web and the internet at large. In an age of information overload and an increasingly commercialized web, artists of all types are the people to help. Artists can think expansively about what a website can be. Each artist should create their own space on the web, for a website is an individual act of collective ambition.”
– Laurel Schwulst

Course language will be English and/or German depending on needs.
This course is mandatory for first year Communication Design students.
In a specific literary subgenre called “bestiaries,” monsters, beasts, and supernatural animal species are described, visually depicted, allegorically interpreted, and systematically ordered. These works typically seek to catalog and characterize mythical entities within their fantastical habitats.
Drawing inspiration from these imaginative and often grotesque collections, this seminar will utilize the concept of the bestiary as a critical framework to explore, analyze, and critique contemporary ideologies, philosophical concepts, and power structures embedded within the technology industry.
The territory the seminar seeks to map is the mythological area known as Silicon Valley. Far beyond a mere geographic region, Silicon Valley constitutes an amalgamation of ideas about social order, nature, humanity, technological ambition, and financial capital. With power comparable to mythic proportions, certain corporate behemoths and leviathans from this region have emerged as dominant entities capable of controlling global resources and even nation-states.
As part of this investigation, the participants will dissect texts such as Marc Andreessen’s techno-optimism manifesto or Sheryl Sandberg’s techno-feminism. The task will be to interpret, discuss, and critically respond to these concepts. Throughout the seminar, participants will experiment with contemporary tools, including generative AI, LLMs, web development, publication design, and digital publishing. Participants will produce a publication titled “The Bestiary of Silicon Valley”, which may materialize both digitally and in print.
The seminar is structured to welcome participants from diverse academic backgrounds and skill sets. Given the broad scope of the exploration, collaboration, and interdisciplinary teamwork will be encouraged.
The seminar will continue its enquiry into the relationship between extractivism (of bodies and of mining) and landscape. After exploring the landscapes of leisure and extraction in north Tuscany we start with our contribution to the Festival of Architecture Post-Colonia 7-13th April 2025, during which we are staging a public programme.

Developing an understanding of landscape as performative, we will try different methods and techniques in order to develop tools for mapping, scoring, instructions, recordings and other forms of performative interrelationships. Accompanied by theoretical and artistic texts, we will focus on how processes of observation generate and rehearse actions and performances.
We will develop conceptual and graphic languages from the research accumulated in the Winter semester, and adapt them to different media and sites. We will experiment with questions of presence, documentation, presentation and translation in the shadow of the Dungeness B nuclear power station (UK), accompanied by the (filmic) work and garden of Derek Jarman.
The seminar is a continuation of WS 24-25, which is considered a year-long seminar, so while new applications are possible, they need to be discussed on a case-by-case scenario.
Excursion: Mini residency at Prospect Cottage (Dungeness, UK), former home and sanctuary of artist, filmmaker, gay rights activist and gardener Derek Jarman (1942 - 1994) and opening of Folkestone Triennial, UK. 2025-07-11 to 2025-07-18
Kim Stanley Robinson beschrieb in seinem Roman “Das Ministerium der Zukunft” (2020) die Gründung einer transnationalen Institution als Reaktion auf eine verheerende Hitzewelle in Indien. Dieses “Ministry for the Future” (Ministerium für zukünftige Generationen) wird 2025 in Zürich gegründet. Inspiriert von dieser fiktiven Handlung realisiert das Neumarkt Theater Zürich mit Wissenschaftlerinnen vom Collegium Helveticum, Zürich und in Zusammenarbeit mit Studierenden der HfG Karlsruhe ein Setting für eine halbfiktionale, ortsspezifische und handlungsorientierte Serie von Performances, die gleichzeitig ein Klimaprojekt sind.In diesem Seminar beschäftigen wir uns mit climate fiction und dem Format des preenactments. Im Wintersemester wurden ein modulares Raum-Setting und Kostüme für ortsspezifische Inszenierungen von Versammlungen erarbeitet. Im Sommersemester endet das Projekt mit dem Finale der vierteiligen Serie, die nomadisch für jede Episode den Ort wechselt. Das bereits erarbeitete Setting wird jeweils an den neuen Ort angepasst und um eine künstlerische Intervention ergänzt.
Dieser Kurs konzentriert sich auf die Übersetzung von Sinneseindrücken in eine visuelle Sprache mit traditionellen analogen Medien wie Bleistift, Kohle und Tinte. Vom ersten Tag an erkunden die Studierenden taktile, auditive und emotionale, nicht-visuelle Elemente, indem sie unterschiedliche Oberflächen - raue Steine, weiche Stoffe oder metallische Objekte - berühren und zeichnerisch umsetzen. Dabei geht es nicht um bloße Wiedergabe, sondern um eine intensive Auseinandersetzung mit persönlichen Erfahrungen und Erinnerungen.
Ein Schwerpunkt liegt dabei auf dem Spannungsfeld zwischen den physischen Eigenschaften traditioneller Medien und den digitalen Neuerungen, die der technische Fortschritt mit sich bringt. Methoden wie unbewusstes Zeichnen, materialbasierte Experimente und kreative Zeichentechniken, die von den Lernprinzipien der AI inspiriert sind, veranschaulichen den Einfluss analoger Praktiken und digitaler Technologien auf künstlerische Prozesse. Jede Session lädt dazu ein, unmittelbare Sinneseindrücke analog zu übersetzen, die Grenzen zwischen sichtbarer und unsichtbarer Welt neu zu interpretieren und innovative Werke zu schaffen.
In einem Nagelstudio sitzen sich zwei Personen an einem Tisch gegenüber. Eine Szene in der Dienstleistung unmittelbar sichtbar wird: Die Hände der* Nageldesigner*in gestalten ein schmückendes Accessoire für die Hände der* Kund*in.
Paradoxerweise ist es ein Accessoire, das in seiner historischen Bedeutung das Gegenteil von Arbeit symbolisierte. In der Ming-Dynastie Chinas beispielsweise waren lange künstliche Fingernägel ein Statussymbol von Frauen der herrschenden Klasse und galten als Beweis dafür, dass körperliche Arbeit nicht selbst verrichtet wurde.
Das “Nägel-Machen” ist heute nicht länger auf eine bestimmte soziale Klasse beschränkt, vielmehr sind Nagelstudios populäre Self-Care-Treffpunkte. Der künstliche Fingernagel soll dabei bestimmte Schönheitsideale verwirklichen oder kann zum emanzipatorischen oder zum antifaschistischen Statement werden. Gleichzeitig findet die Arbeit in Nagelstudios oft unter prekären Bedingungen statt.

Im Seminar „Studio Kralle“ widmen wir uns dem Thema Arbeit/Nichtarbeit und üben das experimentelle Arbeiten mit dem heute historischen Kulissenbau für Theater und Film. Dafür besuchen wir zunächst ein Nagelstudio in Karlsruhe und übertragen dessen Raum in die HfG. Unser Ziel ist es, eine Rauminstallation für die Reling zu entwerfen, die mehrere Funktionen erfüllen kann: die eines Filmsets, eines szenischen Raums und eines sozialen Treffpunkts während des Rundgangs.
Uns interessiert die Schnittstelle zwischen filmischem Setbau und szenischer Installation.
In dem von uns re-konstruierten Raum eröffnen sich performative Möglichkeiten: Wir können Realitäten fiktionalisieren und Gegebenheiten umkehren. Der experimentelle Umgang mit der Kulissenwand als dem symbolischen Werkzeug des szenischen “als ob” hilft dabei, die Widersprüche und Potentiale einer Dienstleistung - sowohl in der filmischen als auch in der performativen Situation - sichtbar zu machen. Dafür beschäftigen wir uns auszugsweise mit dem „Drama des Sehens“ (Ulrike Haß).
Was sind die räumlichen und performativen Voraussetzungen, um eine Self-Care- in eine “we care”-Situation zu verwandeln? Welches Potential steckt in Arbeitsverweigerung? Inwiefern ist ein künstlicher Nagel Dekoration? Und was kann „Studio Kralle“ alles sein? Das Seminar holt sich Expertise bei einem Nagelstudio in Karlsruhe, bei der Modellbauwerkstatt der HfG sowie der Filmakademie Ludwigsburg um Theaterwandbau- und deren Inszenierungstechniken zu verstehen. Wir lesen den berühmten Text über Arbeitsverweigerung „Bartleby der Schreiber“ von Herman Melville und vieles mehr.
In Zusammenarbeit mit den Ludwigsburger Regiestudierenden besteht die Möglichkeit, dass Studierende der HfG Raumentwürfe, Kostüme, Musik oder Videoprojektionen für 1-2 Produktionen einer/s Regiestudierenden Theaterakademie übernehmen. Begleitet wird der Konzeptions - und Realisierungsprozess von Prof. Constanze Fischbeck an der HfG und dem Team der Theaterakademie Ludwigsburg.
ADSZ Modellbau Seminar

Das Seminar ist die Fortsetzung des Grundlagenkurses „Let’s say it’s an island“ I im Wintersemester 24/25. Im vergangenen Semester lag der Fokus auf abstrakten Modellen ausgehend von konzeptionellen Überlegungen und Recherchen. Die Wechselwirkung zwischen digitalen und analogen Möglichkeiten des Entwerfens und Modellierens sowie dessen Umsetzbarkeit soll nun in einem konkreten Innenraummodell angewandt werden.

Ausgangspunkt ist dabei der große Seminarraum 112, der mit Hilfe von Modellen neu gedacht werden soll. Zu Beginn vermessen und analysieren wir dabei die Gegebenheiten, Qualitäten, Mängel und Potentiale des bestehenden Raumes und entwerfen modellhaft im Verlauf des Semesters utopische und fiktive Szenarien, wie der Raum 112 neu gedacht werden kann. Das Medium Modell bietet dabei sowohl die Möglichkeit, eine radikale Umwandlung zu simulieren, gleichzeitig soll es in der Maßstäblichkeit einen Grad an Präzision vorgeben, der in Materialität und Details dem realen Raum nahekommt.

The seminar is the continuation of the basic course “Let's say it's an island” in the winter semester 24/25. Last semester, the focus was on abstract models based on conceptual considerations and research. The interaction between digital and analog possibilities of designing and modeling as well as its feasibility will now be applied to a concrete interior model.

The starting point is the large seminar room 112, which is to be rethought with the help of models. To begin with, we will measure and analyze the conditions, qualities, deficiencies and potentials of the existing space and, in the course of the semester, design utopian and fictitious scenarios of how room 112 can be rethought. The medium of the model offers the possibility of simulating a radical transformation, while at the same time providing a degree of precision in terms of scale that comes close to the real space in terms of materiality and detail.
Die folgenden Termine dienen als Möglichkeit, im Schwarz/weiß-Labor eigenständig zu arbeiten. Wie der Titel schon andeutet, soll eigenes Fotopapier mitgebracht werden. Achtung!! Die Voraussetzung für das eigenständige Arbeiten im Fotolabor ist der Grundlagen-Nachweis Fotolabor (Farbe oder Schwarzweiß). Leistungsnachweise und Workshops sind versicherungsrechtlich nicht ausreichend. Zum Arbeiten in der Fotowerkstatt bedarf es einer Technik- und Sicherheitseinweisung. Diese erfolgt durch die Fotowerkstattsleitung am Anfang zu jedem Semester. Farbvergrößerungen finden auf Anfrage statt, wenn genügend Studierende zusammenkommen. Farbfilmentwicklung findet dieses Semester nicht statt.
Reservierung unter: https://cloud.hfg-karlsruhe.de/s/6f4zeemK96kKAzi
Terminbeschreibung: nur während der Vorlesungszeit.

Open photo lab - Photo lab - Bring your own paper The following dates are an opportunity to work independently in the black and white labs. As the title suggests, you should bring your own photographic paper. Attention! The prerequisite for independent work in the photo lab is the basic photo lab certificate (colour or black and white). Certificates of achievement and workshops are not sufficient for insurance purposes. A technical and safety briefing is required to work in the photo lab. This is provided by the photo workshop manager at the beginning of each semester. Colour enlargements take place on request if enough students come together. Colour film development will not take place this semester.
Reservation under: https://cloud.hfg-karlsruhe.de/s/6f4zeemK96kKAziSchedule: only during the lecture period.
Kino im Blauen Salon invites you to the Summer Semester of cinema: This summer, the focus is on poetry, which stands to reason, as the nights are getting longer, the horizon endless and there's something in the air... but what does cinema have to do with poetry?! Find out in the “Cinema Poetico” film series, a world of multiple narrative strands, meandering perspectives, visual detours and everything that lies between the lines. The series presents a hand-picked selection of classics and hidden gems that form the silent branches of cinema.

There are also nocturnal excursions with the “Midnight Movies”, experimental short films, specials, guests and, of course, the highlight of the cinema year, the open-air cinema in front of the HfG!

A specially curated program of short film is presented before each film.
Film introductions are held in english or german as required.

11.04. Solaris (1972) + La Jetée (1962)
21.04. The Night of the Hunter (1955)
05.05. News from Home (1976)
19.05. Tokyo Monogatari (1953)
23.05. Open Air: 12 Angry Men (1957)
24.05. Open Air: Touki Bouki (1973)
25.05. Open Air: Orlando (1992)
29.05. Open Air: Die allseitig reduzierte Persönlichkeit – Redupers (1978)
30.05. Open Air: Kult Sneak
31.05. Open Air: Der Letzte Mann (1924): Stummfilm mit Livebegleitung
01.06. Open Air: Pippi außer Rand und Band (1970)
04.06. The Archiveology of Cinema
13.06. Audition (1999)
27.06. Chihiros Reise ins Zauberland (2001)
05.07. Aktwechsel - 35mm Workshop
07.07. L’Eclisse (1962)
18.07. Die Simpsons – Der Film (2007)
21.07. Sicilia! (1999) + À propos de Nice (1930)
02.08. Aktwechsel - 35mm Workshop

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More infos and times on www.kinoimblauensalon.de
Diese Kurse führen Euch in spezifische Prozesse der Modellbauwerkstatt ein. Jede Einführung ist auf ein bestimmtes Material oder eine Technik ausgerichtet und stellt sicher, dass ihr die notwendigen Sicherheitsvorkehrungen und theoretischen Grundlagen für die Arbeit in der Werkstatt erlernt.

Die Einführungen sind für alle Semester und Fachgruppen offen und können auch als Nachschulung wahrgenommen werden.

Einführungskurse:
- Schweißen 26.05. / 23.06.
- Drechseln 02.06. / 30.06.

Dauer: 2 h
Teilnehmerzahl: min. 3 Personen / max. 6 Personen

• Schweißen
Dieser Kurs vermittelt die theoretischen Grundlagen und sicherheitsrelevanten Aspekte des Schweißens sowie organisatorische Vorbereitungsschritte für Eure Schweißprojekte. Ihr erhaltet einen Einblick in die verfügbaren Schweißverfahren (WIG, MAG) sowie das Hartlöten. Wir sprechen über die richtige Materialauswahl, Gefahrenquellen und den sicheren Umgang mit den Maschinen, welche für die Vorbereitung eines Schweißprojekts notwendig sind.
Der Kurs ist Voraussetzung für eine spätere praktische Einführung am Schweißgerät, bei der ihr eigene Studienprojekte unter Anleitung umsetzen könnt.

Termine für eigene Schweißprojekte werden im Anschluss individuell nach Absprache festgelegt.

Im Sommersemester werden hierfür zwei Termine angeboten:
Montag, den 26.05.25, 10:00 - 12:00 Uhr
Montag, den 23.06.25, 10:00 - 12:00 Uhr

• Drechseln
In diesem Kurs erhaltet ihr eine theoretische und praktische Einführung in das Drechselhandwerk. Zunächst wird der sichere Umgang mit der Drechselbank und den dazugehörigen Werkzeugen erklärt. Wir sprechen über die richtige Materialauswahl und die Bearbeitungsschritte. Ihr lernt, wie Holzrohlinge richtig eingespannt werden, welche Techniken beim Drechseln anzuwenden sind und welche Sicherheitsmaßnahmen beachtet werden müssen. Der Kurs ist Voraussetzung für das eigenständige Arbeiten unter Aufsicht an der Drechselbank.

Im Sommersemester werden hierfür zwei Termine angeboten:
Montag, den 02.06.25, 10:00 – 12:00 Uhr
Montag, den 30.06.25, 10:00 – 12:00 Uhr
In diesem Kurs werdet ihr in die Unfallverhütungsvorschriften und Betriebsanweisungen der grundlegenden Maschinen und Bearbeitungsprozesse eingewiesen. Ihr macht praktische Übungen an handgeführten-, sowie standortbezogenen Maschinen der einzelnen Fertigungstechniken. Im Vordergrund stehen sicheres und fachgerechtes Arbeiten sowie die richtige Auswahl von und Umgang mit Werkzeugen und Material.
Wichtig: Kein sofortiger Scheinerwerb möglich!

Dieser Kurs berechtigt Euch, an den unterwiesenen Maschinen in der Werkstatt zu arbeiten. Er richtet sich an alle Semester und Fachbereiche und kann auch als Nachschulung wahrgenommen werden.

Dauer: 3 h
Teilnehmerzahl: min. 3 Personen / max. 6 Personen

Im Sommersemester werden hierfür zwei Termine angeboten:

Montag, den 12.05.25, 10:00 - 13:00 Uhr
Freitag, den 23.05.25, 10:00 - 13:00 Uhr
In diesem Kurs lernt ihr die Räumlichkeiten der Modellbauwerkstatt und ihre Möglichkeiten kennen. Wir erklären die Werkstattordnung, zeigen Euch die organisatorischen Abläufe und führen Euch durch die Werkstatt. Dabei wird auf die gängigsten Maschinen und Werkzeuge eingegangen und deren Fertigungsprozesse vorgestellt. Nach erfolgreicher Teilnahme seid ihr berechtigt, in den Handarbeitsräumen der Werkstatt zu arbeiten und Handwerkzeuge zu verwenden.

Diese Einführung richtet sich an alle Semester und Fachbereiche. Die Teilnahme ist bindend für die Nutzung der Modellbauwerkstatt.

Dauer: 1 h
Teilnehmerzahl: min. 3 Personen / max. 15 Personen

Im Sommersemester werden hierfür zwei Termine angeboten:

Montag, den 28.04.25, 10:00 - 11:00 Uhr
Freitag, den 09.05.25, 10:00 - 11:00 Uhr
Sybille Neumeyer is an interdependent artist and post-disciplinary researcher with focus on the climate crisis, environmental issues and eco–logical relations. Through polyphonic (hi)storytelling, installations, performative lectures, and video essays, she examines terrestrial communities, planetary metabolisms and multi-species atmospheres. As cultural worker she also hosts and organises participatory formats for collective (un)learning, such as walks, workshops and reading groups. In her projects Sybille Neumeyer is searching for transformative and hopeful narratives, modes of rooting and collective action towards social, ecological and multi-species justice.
How do cultural representations contribute to the production of reality and historiography? Which voices and stories are missing within Eurocentric narratives and exhibition productions?
And how does fragmented knowledge of the past distort our understanding of the present—and the futures we imagine?
For this seminar we will focus on historical paintings, working with the collection of the Kunsthalle Mannheim and examine collection interests, omissions and story telling forms.
Our point of departure is Édouard Manet’s seminal history painting L'exécution de l'empereur Maximilien, which captures a moment of colonial violence between the French Empire and Mexican Republicans. From here, we will explore artistic responses that disrupt dominant readings—through performances, immersive media, interactive games, moving images, or XR interventions.
These interventions will be shown in Kunsthalle Mannheim on June 18th and are embedded within the framework ‘The Missing Stories. Re-Mapping History in Contemporary Art’, in conjunction with the exhibition by the artist Tavares Strachan opening in April 2025.
Real-Talk ist ein Vortrags- und Austauschformat mit dem Fokus: “Wie geht es weiter nach dem Studium?"
Dieses Semester wird es dazu in drei getrennten Sessions Input von Jörg Stegmann und Céline Condorelli geben mit den jeweiligen Themen: Finance und Fees. Das dritte Thema Funding greift Hanne König mit der Einladung an Antonia Marten vom Kunstbüro in Stuttgart auf.Alle drei Termine finden donnerstags zur Mittagszeit 13 – 14 Uhr in einem lockeren Rahmen bei Sozial&Durstig statt. Zur Stärkung gibt's zeitgleich Waffeln oder Sandwiches.
Zum Thema Funding hat Hanne am 03.06. eine Tagesexkursion nach Stuttgart geplant, bei dem es um Förderstrukturen am Beispiel Stuttgarts gehen soll und wir Fördergeber treffen.
Teaches the fundamental aspects of sound, its production, propagation, recording and reproduction by introducing the underlying laws and models of physics, physiology and psychology. A proper understanding of this material is essential for the development of profound artistic expression in the sound-related arts. The aim of the course is to provide a theoretical background in sound technology and relevant audio topics, which promotes independent problem-solving skills in the realization of creative ideas. This is useful in the areas of media art and moving image, including sound design, acoustic communication, and electronic music. Lectures are held weekly and sessions build on each other.
Die Termine dienen als Möglichkeit eigenständig Schwarz-Weiß-Filme zu entwickeln. Manchmal haben wir auch Chemie für C-41-Farbentwicklung da. Lasst uns in der Anmeldung wissen, wie viele und welche Filme ihr entwickeln wollt.
Die Voraussetzung für das eigenständige Arbeiten im Fotolabor ist der Grundlagen Nachweis Fotolabor (SW, Farbe).

Weitere Vorrausetzungen:
- Recherchiert bitte eigenständig vor unserem Termin die Filmentwicklungszeiten für Euren Film mit dem Entwickler (ADOX XT-3 Developer).

Reservierung unter: https://cloud.hfg-karlsruhe.de/apps/calendar/appointment/iorjj4AptmL9
This seminar is dedicated to the digital capture, transformation and re-contextualisation of spaces, objects and moments. The use of the latest 3D scanning technologies and digital visualisation methods opens up new possibilities for creative design and interpretation.
The focus is on various 3D scanning techniques - from photogrammetry to high-precision structured light scans. The captured data is then further developed using digital processing methods, alienated or placed in new contexts. The combination of algorithms, textures and light creates unique digital artefacts that can be experienced both in virtual environments and through physical media.
The seminar pursues an experimental and interdisciplinary approach. Whether in architecture, design, art or research - the methods taught make it possible not only to document digital images of reality, but also to reinterpret them and develop them further in terms of design.
The programme concludes with a joint presentation of the resulting works, in which the participants reflect on and present their individual projects and creative processes.

A workshop certificate may be awarded for exceptional performance; this will be reviewed by the department.
AHOI studios ist ein interdisziplinäres Künstler:innen-Kollektiv, das sich für Inklusion in der Kunst einsetzt. Viele Menschen mit Beeinträchtigungen haben nur eingeschränkten Zugang zu Bildungsangeboten, die ihnen eine künstlerische Qualifikation ermöglichen. AHOI studios setzt sich für einen gleichberechtigten und barrierefreien Zugang zur Kunst ein – nicht nur im Bereich der Ausbildung, sondern auch in Hinblick auf die aktive Teilnahme am Kunstmarkt.

In einem kollaborativen Workshop mit Studierenden der HfG Karlsruhe entsteht eine Plattform für gemeinsames kreatives Arbeiten. Im Mittelpunkt steht die Gestaltung und Umsetzung von keramischen Objekten, die aus einem dialogischen und experimentellen Prozess heraus entwickelt werden. Dabei geht es nicht nur um die handwerkliche und gestalterische Praxis, sondern auch um den Austausch von Perspektiven, Methoden und künstlerischen Herangehensweisen.
Der Workshop bietet die Möglichkeit, Keramik als inklusives, vielseitiges Medium zu erforschen, das taktile, materielle und formale Qualitäten vereint. Durch gemeinsames Modellieren, oder Gußformen erstellen oder Drucken und Brennen werden individuelle wie kollektive Werke geschaffen, die im Anschluss präsentiert werden.
Mit diesem Projekt soll ein Raum entstehen, in dem barrierefreie Kunstproduktion nicht nur diskutiert, sondern aktiv praktiziert wird – als Teil einer offenen, vielfältigen und zukunftsweisenden Gestaltungskultur.

Bei besonderer Leistung kann ein Workshopschein vergeben werden, dies wird von der Fachgruppe geprüft.
What responsibility do we have as designers when choosing our materials? What stories do their production methods tell us and what can we learn from local manufacturers and regional 'tactic knowledge'? The Living Library (LL) project deals with these questions. In a one-year teaching program (10/2024 – 10/2025) we will explore the immediate region in a radical deep dive (50km radius around the HfG), get to know the network around local materials, manufacturers and production methods and present our results continuously hybrid in the analog LL display at the HfG and on the LL/BDL website. A documentary open- access publication will then be published at the end of the project (03/2026). In addition to a general overview of material design, speculative mapping and bioregional practices, you will get to know various concrete material narratives theoretically and practically. Together with international guests from art, design and sciences, we will explore the surrounding area in compact activation units with local day excursions, deepen the respective focal points in public lectures/panels and apply the knowledge gained in practice in subsequent day workshops.

The second module in the summer semester 2025 “GROWING AND HARVESTING” comprises a general introduction and three activation units/topic blocks:

0) General introduction (28.04., 13:00 - 15:00) with LL team Julia Ihls, Jaap Knevel, Pleun van Dijk & Fara Peluso
1) Wood (05. - 06.05., all day) with Simon Gehring & Stefan Kuderman/Zentrum Holzbau
2) Invasive Plants (02. - 03.06., all day) with Filipa Cesar & Erik van Schaften
3) Hemp (30.06. - 01.07., all day) with Freia Achenbach & tba

The “GROWING AND HARVESTING” program with its 3 units is a mandatory part of the seminar “THE NEST”.
The workshops can also be attended individually if required. In this case, one Workshop-Schein will be credited.
AHOI studios ist ein interdisziplinäres Künstler:innen-Kollektiv, das sich für Inklusion in der Kunst einsetzt.
Viele Menschen mit Beeinträchtigungen haben nur eingeschränkten Zugang zu Bildungsangeboten, die ihnen eine künstlerische Qualifikation ermöglichen. AHOI studios setzt sich für einen gleichberechtigten und barrierefreien Zugang zur Kunst ein – nicht nur im Bereich der Ausbildung, sondern auch in Hinblick auf die aktive Teilnahme am Kunstmarkt.

In einem kollaborativen Workshop mit Studierenden der HfG Karlsruhe entsteht eine Plattform für gemeinsames kreatives Arbeiten. Im Mittelpunkt steht die Gestaltung und Umsetzung von keramischen Objekten, die aus einem dialogischen und experimentellen Prozess heraus entwickelt werden. Dabei geht es nicht nur um die handwerkliche und gestalterische Praxis, sondern auch um den Austausch von Perspektiven, Methoden und künstlerischen Herangehensweisen.

Der Workshop bietet die Möglichkeit, Keramik als inklusives, vielseitiges Medium zu erforschen, das taktile, materielle und formale Qualitäten vereint. Durch gemeinsames Modellieren, Formen und Brennen werden individuelle wie kollektive Werke geschaffen, die im Anschluss präsentiert werden.
Mit diesem Projekt soll ein Raum entstehen, in dem barrierefreie Kunstproduktion nicht nur diskutiert, sondern aktiv praktiziert wird – als Teil einer offenen, vielfältigen und zukunftsweisenden Gestaltung Kultur.
In einem experimentellen Workshop erforschen wir die Schnittstelle zwischen künstlicher Intelligenz und physischer Interaktion. Mithilfe von Prompts und Abläufen wird einem Sprachmodell wie ChatGPT Schritt für Schritt beigebracht, einen Roboter zu steuern und mit dem Nutzer zu interagieren.Wir arbeiten mit einfachen programmierbaren Robotern, die sich durch Grundbefehle steuern lassen und entwickeln über mehrere Sitzungen hinweg zunehmend komplexere Interaktionen. Der erfordert keine Programmierkenntnisse, aber ein technisches Grundinteresse.

Fragen die wir gemeinsam beantworten wollen sind unter anderem:

Wie können wir einem Sprachmodell beibringen, mit der physischen Welt zu interagieren?
· Welche Bewegungsmuster und Verhaltensweisen können wir entwickeln?
· Wieviel Freiheit und wieviel Führung braucht das Modell?
· Welche Instruktionen benötigt das System, um sinnvoll im Raum zu agieren?

Durch praktische Experimente entwickeln die Teilnehmenden ein Verständnis für das Zusammenspiel von Sprache, Bewegung und Raum. Ziel ist es, neue Interaktionsformen zu entwerfen, die über traditionelle Mensch-Maschine-Schnittstellen hinausgehen.
“The most profound technologies are those that disappear. They weave themselves into the fabric of everyday life until they are indistinguishable from it.”
Mark Weiser

Unsere Welt wird zunehmend vernetzt und digital – unsere Kaffeemaschine, unsere Rasenmäher und unsere Autos wollen auf einmal mit uns sprechen. Meist mit Computerstimme und oft auch ein bisschen trottelig. Anders als mit unseren Mitmenschen oder Haustieren haben wir aber alle Freiheiten diese Schnittstellen zu gestalten – im sprachlichen Dialog, Gestik oder unserem unterbewussten Verhalten – hin zu einem organischerem Leben und Arbeiten mit der Technologie, die uns umgibt. In diesem Workshop beschäftigen wir uns damit wie man Verhalten abstrahiert, wie man interaktive Schnittstellen gestaltet und wie man sie ausprobiert. Einfache Aktoren und Sensoren kombinieren wir zu Geräten und Maschinen, denen mithilfe von Skripten Leben und Verhalten eingehaucht wird.

Es werden erste Kenntnisse in der Arbeit mit Arduino und Elektronik vermittelt. Es sind keine Vorkenntnisse notwendig.
Die Wahl der Farbe ist omnipräsenter Bestandteil eines jeden Gestaltungsprozesses. Sie ist in ihrer Relevanz gleichauf mit der Suche nach der perfekten Form oder der optimalen Funktion, dem geeigneten Material, der richtigen Bearbeitung oder dem passenden Format. Trotz der Bedeutung, welche der Farbe beigemessen wird, herrscht oft eine latente Unsicherheit und Überforderung angesichts der schier unendlichen Möglichkeiten, die digitale Tools und diverse Farbfächer und -systeme – über Pantone und HKS bis zu RAL und NCS – bieten. In dieser Lehrveranstaltung wollen wir uns durch Gespräche, Experimente und Auseinandersetzungen mit Materialien und Systemen der Farbe annähern.
Last semester, students in collaboration with Moroso explored sustainable practices in furniture design through the ‘Unwind, Unplug, Disassemble’ seminar. The project focused on the environmental impact of materials like polyurethane, developing concepts that prioritize relaxation and comfort, alongside extensive material research. They created full-scale prototypes of disassemblable and recyclable designs.

Building on this research and the prototypes developed, this semester we are creating a collective exhibition that traces the journey from concept and material research to functional prototype. The exhibition will not only showcase individual projects but also present a cohesive narrative about the potential for change in the furniture industry. Participants will curate, design, and arrange the exhibition.

Max. Number of participants 15 students (participants of the seminar have priority)
What happens when our tools no longer work as intended—when systems break, devices glitch, or instructions fail? In this workshop, we turn our attention to the productive potential of dysfunction: not as an endpoint, but as an entry into new ways of relating to technology, art, and each other.

The technical means provide users with detailed instructions on how to operate them. Expectations about outcomes envisage a range of defined actions in relation to the devices, setting aside another range of possibilities within technological management. In this workshop we will try to bring to light these other ways of understanding technology, embracing failure and the unexpected. To do so, we will analyze certain artistic productions in line with the dysfunctionality applied to technological devices and we will explore from a creative and critical point of view the possibilities of technical means to produce the so-called aberrations.
We will use for this purpose photographic devices (camera, cell phone), but opening the possibility to use other electronic or digital devices. On the other hand, we will try to transfer these learnings from the technical level to physical life. This pursues the objective of perceiving the dysfunctional as a productive encounter, capable of generating learning within the artistic plane and proposing new ways of understanding the world around us.

The workshop is connected with the seminar The Floor is Lava by Charlotte Eifler and a continuous collaboration with the La Laguna University Santa Cruz.
“Who owns our imagination in a world of existential vertigo where truth has become a shipwrecked refugee? Is it not the storyteller who can contain contradictions, who can slip between the languages we have been given and who can become a time-traveller of the imagination?”. These questions will be the starting point of Johan Grimonprez’s masterclass to affectively assess what true colour the sky is.

Grimonprez is known for his films between art and cinema, which mix fiction and documentary through a collage-like, archival approach and weaves new narratives pathways and stories, emphasizing a multiplicity of realities. His practice examines themes such as propaganda, the role of mass media, global power dynamics, and the nature of storytelling questioning the reliability of history and the ways narratives are constructed in the digital and television age. His work forms overall an acute and an indispensable criticism of contemporary media manipulation and of mainstream’s consensus about History.

His famous Dial H-I-S-T-O-R-Y (1997), explores the history of airplane hijackings using found footage, news broadcasts, and literary references, while Double Take (2009), blends Alfred Hitchcock clips, Cold War paranoia, and doppelgänger narratives to comment on media manipulation and fear politics.

His most recent documentary: Soundtrack for a Coup d’Etat (2024) which has been nominated for an Oscar this year, explores the Cold War episode that led American musicians Abbey Lincoln and Max Roach to crash the UN Security Council in protest against the murder of Congolese leader Patrice Lumumba.

Dates :
June 16, 17, 18th 2025

Maximum 15 students from the Media Art Dept.
+ Maximum 15 students from the Art Research and Media Philosophy Dept.

Contact to register: Professor Hugonnier’s Hiwi Hyeonju Lee: hlee(at)hfg-karlsruhe.de
To register you must commit to all 3 days.
Please indicate which department you are with when you register.
Deadline to register: April 28th, 2025

External participants are:
-The Filmakademie Baden Württemberg: Professor Thomas Lauterbach + 15 students.
-Amna Murtada Khalid Elamin: Artist in residence at the ZKM Video Studio.

This three-day masterclass is organised in parallel of a retrospective of Mister Grimonprez’s work which opens on June 6th 2025 at ZKM.
https://johangrimonprez.be/wp-bio/
https://johangrimonprez.be/main/home.html
This workshop explores photographic archives from the perspective of the image producer, questioning how their role influences the reading and understanding of images. While moving from one place to another, photographs provoke various readings that are influenced by the language that sourrounds them (Berger). We will explore among others the civil contract of photography(Azoulay), The death of the author(Barthes, Focult) and The presence of images that should not have been taken, and the absence of images that should have been made (Alloula).
Through readings, discussions, and visual exercises, we will engage with selected texts, including chapters from Obtuse, Flitting By, and In Spite of All – Image Archives in Practice. Notes on Archive 1 by Ines Schaber, to deepen our understanding of archival practices and their implications.
The Enlightenment placed the human being at the center of thought – but lichens teach us a different way of perceiving the world: relational, networked, non-human-centered. As symbiotic compounds of fungi and algae or cyanobacteria, they embody a way of thinking that goes beyond the individual: They are more-than-human organisms, holobionts, networks of cooperation and adaptation. They thrive in extreme environments, survive for centuries and form fragile ecologies that are often overlooked – and yet hold fundamental lessons for our own existence.
This transdisciplinary seminar moves between science, philosophy and media art. An excursion with lichenologists will familiarize us with the silent but highly complex existence of lichens. Meditative audio walks invite us to document the network of these life forms and to connect with their temporality and materiality. By reading key texts (e.g. Lynn Margulis, Scott Gilbert, Donna Haraway) we will question concepts of autonomy, subjectivity and multispecies coexistence. Finally, in a workshop and subsequent elaboration, we will see how collected knowledge could be transferred into media art works.
The workshop allows students to develop practical skills in creating multimedia installations and spaces.
It will be a hands-on, practical format with the following steps:

- Follow the complete installation process from planning to final setup for media environments with a scenography.
- Gain hands-on experience with technical equipment (projectors, audio, screens, rigging)
- Work with walls and rigging to construct scenography.
- Practice how to integrate media for large-format installations.
- Develop a structured design approach to media management through understanding technical fundamentals.
- Participate in a feedback session to present ideas and receive input.

The workshop is mandatory for Digital Arts Studio Seminar Students. There will be limited spots available to all other students across departments.
Die Lehrveranstaltung zielt auf die Planung, die Ausarbeitung und das Ausstellen einer 3D Arbeit für die Anwendung in Augmented Reality ab. Grundkenntnisse in Belder werden vorausgesetzt. Die Lehrveranstaltung umfasst die Konzeptualisierung der künstlerischen Idee als Augmented Reality in Bezugnahmen auf einen konkreten Ort bis zur Ausarbeitung der Arbeiten in Blender und der Einbettung in eine AR Plattform, so dass die Arbeiten als Teil der Breisgau Biennale "Digital Journeys" gezeigt werden können.


The course aims to plan, develop and exhibit a 3D work for use in augmented reality. Basic knowledge of Belder is required. The course includes the conceptualization of the artistic idea as augmented reality in relation to a specific location up to the elaboration of the work in Blender and the embedding in an AR platform, so that the work can be shown as part of the Breisgau Biennale “Digital Journeys”.
'A queer::eco::poetics holds on simultaneously to the outsider status of queerness while working to disrupt the distinctions between outside and in, natural and unnatural, normal and freakish. A poetics of the porous.'
– Tamiko Beyer, Notes towards a queer::eco::poetics

This workshop will take shape through a series of broadcasts ‘in’ the radio with LungA Radio, where—through a number of ‘call and response’ cycles - we will collectively enquire into ‘porosities of/by design’. A key moment of the workshop will take place during a five-day residency at Somalgors74 (CH), where we will venture into the surroundings of Tschlin, and its neighbouring regions, as our site of enquiry.

The terrain we will engage with is not merely a backdrop but an active participant in the unfolding of the workshop—a hybrid space where human and non-human ‘actors’ come into play. Through a series of guided workshops, independent research, and collaborative exchanges, we will develop a series of ‘facades’ across multiple formats ranging from printed publications, to augmented "Fasciadas," to exhibitions at various sites (Tschlin, CH; Karlsruhe, DE; and online). These facades will serve as both a reflection and an active mechanism in the practice of communication design, exploring how these ‘porosities’ manifest not only in theory but in practice—spanning the boundaries of media, place, and interaction.

Please join us at the semester launch where we will share further information about the programme for the workshop, as well as the key logistics (travel, costs, etc).

Please note:
The capacity is limited for this workshop.

Key Dates:
16 June (tbc): Session 1, briefing and broadcast 1 with LungA Radio
23-28 June: Session 2, Residency at Somalgors, CH
24-27 July: Contribution to Rundgang at HfG Karlsruhe, DE (tbc)
Supervision meetings will take place throughout the semester during Single Talk sign-up sessions.
Ein leichtes Zittern, ein plötzliches Piepsen oder ein warmer, gelöster Klang – unsere Stimme verrät viel über uns. Sie zeigt, wie wir uns fühlen: ob wir unsicher oder aufgeregt sind, uns mutig fühlen, Wut spüren oder Gelassenheit. Aber das muss nicht entlarvend sein. Unsere Stimme ist ein gutes Tool, um sich selbst zuzuhören und kennenzulernen, sich zu zeigen – und um mit anderen in Kontakt zu gehen.
In dem Workshop nähern wir uns der eigenen Stimme an. Wir fragen uns: Was brauche ich, um die eigene Stimme zu trainieren/stärken? Wie kann ich mich ausdrucksstark mitteilen und meine Gedanken überzeugend vermitteln?
Gemeinsam erforschen wir unsere Stimme und die Möglichkeiten ihres Ausdrucks.
Über verschiedene Übungen für Körper, Atem, Stimme und Artikulation nähern wir uns dem an, was als „die befreite Stimme“ bezeichnet werden kann und erproben sie unter anderem anhand von kurzen Texten und im freien Sprechen.
In "Archiveology Beyond Cinema" betrachte ich das Archiv als Prozess, nicht als Produkt – als Raum, in dem verborgene Geschichten entdeckt, reaktiviert oder bewusst gelöscht werden können. In einer Zeit, in der Bilder endlos reproduziert und optimiert werden, wird ihre Zerstörung ebenso bedeutsam wie ihre Bewahrung. Archiveology, wie ich sie untersuche, ist nicht nur ein Mittel der Erinnerung, sondern auch eine Form des Widerstands gegen dominante Narrative. Dabei interessiert mich nicht nur, welche Bilder erhalten bleiben, sondern auch, welche fehlen – und wie das Fehlen selbst eine kraftvolle Aussage sein kann. Es geht um die Macht der Bilder in einer Welt, in der smarte Geräte alles verschönern. Digitale Filter führen dazu, dass Bilder manipuliert und standardisiert werden, bis kaum noch Spuren der Realität bleiben. In diesem Kontext kann das bewusste Fehlen eines Archivs politisch aufgeladener sein als seine Existenz.
Dieser Workshop lädt dazu ein, das bewusste Löschen und Zerstören von Bildern als künstlerische und politische Praxis zu erforschen. Durch die Arbeit mit Archivmaterial – ob analoger Film, digitale Dateien oder gefundenes Material – untersuchen wir, wie das Fehlen von Bildern neue Bedeutungsebenen schafft. In Kontexten, in denen Archive fragmentiert oder zensiert sind, wird Archivierung selbst zur archäologischen Praxis. Der Workshop erforscht Techniken der Degradierung, Glitch-Ästhetik und konzeptuellen Auslöschung. Indem wir Archive dekonstruieren, hinterfragen wir nicht nur die Beständigkeit von Bildern, sondern auch unsere eigene Rolle in der Gestaltung, Bewahrung und Auslöschung visueller Kultur – und die Kraft des Unsichtbaren.

Der Workshop findet im Großen Studio statt, wo es möglich ist mit verschiedenen Bildformaten und Präsentationsweisen zu experimentieren und die Dynamik von Sichtbarkeit und Auslöschung direkt erfahrbar zu machen.

Siska ist ein multidisziplinärer bildender Künstler und Filmemacher, der sich mit den Schnittstellen von Archiv, Film und Politik auseinandersetzt. Seine Arbeiten reflektieren über Trauma, Erinnerung, Geschichtsschreibung und die Materialität des bewegten Bildes. Seine Werke wurden international ausgestellt, darunter im Martin Gropius Bau (Berlin), Halle 14 (Leipzig), Paris 104 (Paris), Beirut Exhibition Center (Beirut), Mosaic Rooms (London), Berlinale (Berlin International Film Festival) und Silent Green Kulturquartier, sowie auf zahlreichen weiteren Festivals und in Kunstinstitutionen weltweit.

Im Rahmen des Workshops an der HfG Karlsruhe zeigt Siska am 04. Juni um 19 Uhr im Kino im Blauen Salon auch zwei Filme, die sich mit Archiv und Archäologie beschäftigen: In the Ruins of Baalbeck Studios (2017) und J€sus $aves (2024, work-in-progress).
Der Workshop "LIGHT_NESS" lädt ein, die Welt der Raum-Licht-Installationen zu erkunden, wobei der Fokus auf den individuellen Wirkungen und Entstehungsprozessen liegt. Ziel ist es, dass die Teilnehmenden die Lichtkörper und deren räumliche Anordnung aktiv erleben und reflektieren können. Durch das Experimentieren mit verschiedenen Materialien, Lichtquellen und Skizzierstrategien entwickeln die Studierenden eine eigene Ästhetik und hinterfragen die umgebende Architektur. Diese aktive Auseinandersetzung fördert die Schaffung unverwechselbarer Erfahrungsräume, die die Wahrnehmung herausfordern und erweitern.

Über Sandra Blatterer:
Der künstlerische Weg führte mich von der Bildenden Kunst ins Theater, vom Theater in die Performanceszene. Meine Werke umfassen zeichnerische Skizzen, Lichtdesigns und Lichtinstallationen unter Berücksichtigung architektonischer Beschaffenheiten. Hierarchiefreie, kollektive Arbeitsprozesse, wie ich sie in der Performanceszene kennengelernt habe, haben es mir ermöglicht, ein selbstständiges und kontextualisierbares künstlerisches Vokabular zu entwickeln, das die Erweiterung der Materialität meiner Arbeit miteinschließt. In meiner Wahrnehmung wird der Raum selbst zum Sprecher; diesen zu verstärken und zu verstehen, habe ich mir nicht zuletzt mit Lichtkonzepten- und Installationen zur Aufgabe gemacht.
The workshop proposes to explore the works and projects of HfG alumni students and brainstorm an exhibition together. We will browse HfG's project archive database (madek.hfg-karlsruhe.de) and look at alumni students' works through the lens of exhibition making.

The workshop addresses students who bring a curiosity for curating exhibitions and working with archives. We will use ORC's modular display interface Portal designed by HfG alumnus Moritz Appich for building the exhibition.
Gemeinsam wollen wir in der Schwarz-Weiß Dunkelkammer das Vergrößern von 4x5''-Negativen erlernen. Wir sichten die Negative, erstellen neue Kontaktabzüge und arbeiten an finalen Prints. Ihr werdet sieben Tage im Schwarz-Weiß Fotolabor verbringen und könnt an diesen Tagen für den Workshop kostenlos Printen.

Die fertige analoge Bildstrecke soll gemeinsam öffentlich präsentiert werden. Dafür erhaltet ihr einen Grundlagenschein für das Schwarz-Weiß Fotolabor, um zukünftig an eigenen Projekten arbeiten zu können.

Ich bitte euch entwickelte 4x5 Negative mitzubringen, die ihr weiter ausarbeiten wollt.

Kursinhalte: Sicherheitsregeln Labor, Beurteilung und Auswahl von Negativen, Praktische Grundlagen der Laborgeräte (Vergrößerer, Filter, Objektive, Blende, Zeit), Fotochemie ansetzten für Handabzüge auf Schwarzweiß-Fotopapier (PE-Papier und Baryt-Papier; glanz und mattes Papier), Stufenbelichtungelichtung, Kontaktabzüge, Vergrößerungen, Ausschnittvergrößerungen, Formate, Abwedeln und Nachbelichten. Für das Seminar soll u.a. mit abgelaufenem Fotopapier experimentiert werden.

Bitte meldet euch per Mail und mit eurer Telefonnummer für die vollen sieben Tage an. Da es viele Anfragen für das Labor gibt, werden Studierende, die auf der einer 4x5 Exkursion "Nach Hambi – mit der Großformatkamera" und/oder eigene 4x5 Negative haben erst einmal bevorzugt. Personen auf der Warteliste bitte ich eine Telefonnummer zu notieren, damit ich diese kurzfristig über die Teilnahme informieren kann, wenn jemand aus der Liste nicht erschienen ist.
Max. 6 Teilnehmende
Entwicklung eines künstlerischen Fotobuchs zum Hambacher Wald und Lützerath

In diesem Kurs widmen wir uns der Entwicklung und Gestaltung eines gemeinsamen Fotobuchs mit analogen Großformataufnahmen (4x5 inch), die im Rahmen mehrerer Exkursionen in den Hambacher Wald, nach Lützerath, Manheim, Morschenich und in die umliegenden Dörfer des Rheinischen Braunkohlereviers entstanden sind. (Siehe auch diesjährige Exkursion nach Hambach!) Die Fotografien dokumentieren die fragile Architektur der Baumhausdörfer, die Spuren des Abrisses in den verlassenen Ortschaften sowie die landschaftlichen Umbrüche in einer Region zwischen Auflösunvbg und Widerstand.

Ziel des Kurses ist es, aus dem bestehenden Filmmaterial ein experimentelles, inhaltlich dichtes Fotobuch zu entwickeln. Dabei stehen sowohl konzeptionelle als auch gestalterische Fragen im Fokus: Welche Erzählform passt zu diesem Material? Wie lassen sich Zerstörung und Aufbau, Stillstand und Bewegung, Widerstand und Verfall visuell miteinander verweben? Wie kann eine Form gefunden werden, die die Langsamkeit und Tiefe des 4x5 inch Formats würdigt?

Auf Basis digitaler Scans entwickeln wir in InDesign individuelle und kollektive Buchentwürfe. Ergänzend können die Layouts durch Collagen, handschriftliche Elemente oder grafische Eingriffe erweitert werden. Ziel ist die Herstellung eines hochwertigen Dummys, der als Prototyp für ein späteres Fotobuch dient. Das Projekt versteht sich als künstlerische Auseinandersetzung mit einer sich wandelnden Landschaft und reflektiert zugleich das Medium Fotobuch als autonomen Bildraum.

Auch die Bilder und Referate der vorherigen Großformat-Exkursionen nach Lützerath und Hambi sollen hier mit berücksichtigt werden.

Max. 6-7 Teilnehmende
This interdisciplinary, practice-orientated seminar is dedicated to the interface between computational design and digital fabrication. The focus is on algorithmic modelling, computational thinking and generative design methods that enable a new dimension of design.
Using a hands-on approach, participants will learn how to use computational design and fabrication tools and will gradually develop their skills - starting with 2D and 3D applications through to complex, parametric structures.
A key aspect of the seminar is the link between digital modelling and physical implementation. All designed drawings and models will be realised using innovative digital fabrication techniques and presented in a final exhibition.
The seminar offers a unique opportunity to familiarise yourself with the basics of computational design and to transfer your own design ideas into an experimental, technology-based process.
Der Kurs vermittelt die Grundlagen und Grundfertigkeiten des Siebdruckes und ist für Studierende aller Fachbereiche geeignet (*) . Erfolgreiche Kursteilnehmer*innen erhalten den Grundlagennachweis der zur eigenständigen Benutzung der Siebdruckwerkstatt berechtigt.

Der Workshop wird die folgenden Themen behandeln
• Die historische Entwicklung des Siebdrucks
• Sicherheit am Arbeitsplatz
• Experimentelles Drucken ohne die Beschichtung des Siebes
• Druckvorstufe und Bildbearbeitung
• Beschichtung und Belichtung des Siebes
• Anmischen von Farbe und Druckvorbereitung
• Mehr-Farbdruck: Registrierung und Drucken eines mehrfarbigen Posters das ihr selber entwerft
• Reinigung und Entschichten des Siebes
• Einführung: Automatisiertes Drucken

Auskommen
• Finaler Mehr-Farbdruck zum Thema Blast or Bless – Design Prinzipien
• Kurslogbuch
• Um den Grundlagennachweis (Schein) zu erhalten muss der Kurs an allen vier Tagen besucht werden, ein mehrfarbiges Poster entworfen und gedruckt werden, sowie ein vollständiges Kurslogbuch eingereicht werden.


* Ein vier-tägiger Grundlagenkurs, der verpflichtend für das erste Jahr des Kommunikationsdesign Studiums ist, ist für Anfang April 2025 angesetzt.
Was ist eigentlich Bio Design und wie funktioniert das? Im Kurs werden die grundlegenden Prinzipien der (Mikro-)Biologie erläutert und im Diskurs des Bio Design verortet. Neben der theoretischen Einführung werden Equipment und Werkzeuge des BDL vorgestellt und notwendige Verhaltensweisen zum Arbeiten im Labor vermittelt. Ein praktischer Teil, in dem die Grundlagen sterilen Arbeitens experimentell erprobt werden, dient zur Fundierung des Gelernten. Anmeldung erforderlich. Bei diesem Kurs erwerben die Studierenden die Berechtigung, im Bio Design Lab an den unterwiesenen Maschinen/Stationen zu arbeiten. Der Einführungskurs findet regelmäßig zu Beginn des Semesters statt sowie zusätzlich nach Absprache ab vier Teilnehmenden.

What actually is Bio Design and how does it work? In the course, the basic principles of (micro-)biology are explained and situated in the discourse of Bio Design. In addition to the theoretical introduction, equipment and tools of the BDL are presented and necessary behaviors for working in the laboratory are taught. A practical part, in which the basics of sterile work are tested experimentally, serves to substantiate what has been learned. Registration required. In this course, students acquire the authorization to work in the Bio Design Lab at the instructed machines/stations. The introductory course takes place regularly at the beginning of the semester and additionally by arrangement with four or more participants.
Der Kurs vermittelt Materialkenntnisse in Ton und Formengips (Sorten /Anwendungsgebiete). Wir lernen Verarbeitungsmethoden in Handformen, Plattentechnik, die Herstellung von Umgussformen für slip cast kennen, sowie Aspekte der Arbeits-und Produktsicherheit.
Anmeldung bitte über das Cloudformular PD.
 
A series of hands-on workshops focusing on the technical aspects of digital cameras and image processing in digital photography.
In these sessions, participants will explore different digital camera systems, understanding their advantages, limitations, and unique features while learning how to use them effectively. A section of the workshop will be dedicated to image editing, processing, and documentary practices, covering workflows in Adobe software, digital development, and generative imaging. This introduction provides the necessary skills for independent work and is a prerequisite for borrowing equipment.
Diplom students can obtain Workshop Scheine by completing a homework assignment on a case-by-case basis.
This seminar introduces students to the frameworks and methodologies of immersive and real-time media creation focusing on visual programming environments. The course covers creative computation terminologies, system building methods using Touchdesigner.

We will have homework to follow along with the creation of an interactive system to understand possibilities and learn ways of programming it. We will also have an Open Lab format where students are invited to work together on questions to solve the homework/project assignments.

This lecture is an introductory one granting Grundlagennachweis and is geared towards first—and second-year students. Diplom students are also welcome and can obtain Workshop-Nachweis by completing homework assignments on a case-by-case basis.

The class will take place with a minimum of 5 students registered; maximum capacity is 10. 80% attendance is required to obtain credit.
Inmitten unserer oft fragmentierten Welt erheben sich öffentliche Bücherschränke wie kleine Oasen der Kontinuität. Sie sind mehr als nur Orte des Buchaustauschs; sie sind Symbole der Gemeinschaft und des kollektiven Gedächtnisses.
In ihrer Einfachheit verkörpern sie eine tiefe Idee: die des geteilten Wissens. Hier, wo Bücher ohne Zwang und Kontrolle ihren Besitzer wechseln, wird die Idee des Eigentums neu definiert. Wissen wird zu einem Gemeingut, eine Ressource, die allen zugänglich ist.
Jeder Bücherschrank ist eine kleine Bibliothek des Lebens, ein Spiegelbild der vielfältigen Geschichten und Gedanken, die unsere Gesellschaft prägen. Doch im Gegensatz zu traditionellen Bibliotheken sind sie unkuratiert. Ihr Inhalt ist so vielfältig und unvorhersehbar wie das Leben selbst. Vom Groschenroman über komplexe theoretische Abhandlungen bis hin zum Reiseführer – hier findet sich alles, was das Herz begehrt.
Diese Vielfalt macht jeden Bücherschrank einzigartig und zu einem indirekten Spiegelbild des Stadtteils, in dem er steht. Er erzählt Geschichten von den Menschen, die ihn füllen, von ihren Interessen, ihrer Bildung und ihren Träumen. Er erinnert uns daran, dass Wissen nicht in den Händen weniger liegen sollte, sondern frei fließen muss, um die kollektive Weisheit zu nähren.
In einer Zeit, in der Information oft kommerzialisiert und kontrolliert wird, sind öffentliche Bücherschränke ein Akt des Widerstands. Sie sind ein Aufruf zur Freiheit des Denkens, eine Erinnerung daran, dass Bildung und Wissen grundlegende Rechte sind, die allen zustehen.
So stehen diese kleinen Schränke als stille Zeugen der menschlichen Neugier und des unstillbaren Durstes nach Wissen. Sie sind ein Symbol der Hoffnung, dass wir trotz aller Unterschiede durch das geteilte Wort verbunden sind.
Im kommenden Semester werden wir die öffentlichen Bücherschränke in Karlsruhe als Ausgangspunkt kleiner Übungen und eines eigenen Projektes nutzen.

Des Weiteren besuchen wir gemeinsam eine Offset Druckerei um einen Einblick in das Druckverfahren zu erlangen.

Verpflichtend für Studierende des zweiten Semesters Kommunikationsdesign.


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Amidst our often fragmented world, public bookcases rise like small oases of continuity. They are more than just places for exchanging books; they are symbols of community and collective memory.
In their simplicity, they embody a deep idea: that of shared knowledge. Here, where books change hands without coercion or control, the idea of ownership is redefined. Knowledge becomes a common good, a resource accessible to all.
Each bookcase is a small library of life, a reflection of the diverse stories and thoughts that shape our society. But unlike traditional libraries, they are uncurated. Their content is as diverse and unpredictable as life itself. From pulp fiction to complex theoretical treatises to travel guides – everything your heart desires can be found here.
This diversity makes each bookcase unique and an indirect reflection of the neighborhood in which it stands. It tells stories of the people who fill it, of their interests, their education, and their dreams. It reminds us that knowledge should not be in the hands of a few, but must flow freely to nourish collective wisdom.
In a time when information is often commercialized and controlled, public bookcases are an act of resistance. They are a call for freedom of thought, a reminder that education and knowledge are fundamental rights that belong to everyone.
Thus, these small cabinets stand as silent witnesses to human curiosity and the insatiable thirst for knowledge. They are a symbol of hope that despite all our differences, we are connected by the shared word.
In the coming semester, we will use the public bookcases in Karlsruhe as a starting point for exercises and an individual project.

Furthermore, we will visit an offset printing shop together to gain an insight into the printing process.

Mandatory for students of the second semester Communication Design.