Available courses

Special forms of cinematic narration: One of the essential human abilities is the ability to tell stories; one of the essential human needs is the need to listen to them. Throughout the long and adventurous history of humankind we invented numerous forms and ways of doing that. These forms and ways have their own rules and principles which largely depend on a context, i.e. on the spatial and temporal conditions of a story-telling (and story-listening) process. Reflecting this multifaceted tradition the course will provide its participants with a basic knowledge on the history, theory and practice of various innovative narrative forms and strategies. By analysing historical and contemporary examples we will learn different forms and methods of storytelling as well as some of their counter forms and strategies in media arts, film and theatre. We will apply this knowledge in our own artistic experiments and course projects.
This basic seminar will give an insight into histories of display in exhibitions, using selected case-studies of radical displays, be they from art exhibitions, documentary, historical or scientifically-themed ones. Display within exhibitions is intended to address the presentation to the public, the selection and installation process, the choice of a site and space, as well as the social and political relations associated with these processes; but display is also intrinsic to a work itself, and is, in fact, an essential part of it. The exhibition plays an important role in the studio, the workshop, in the museum, in the gallery, but also in general in relation to the conception of work – both of (art)works and of curatorial works – and is part of its formulation, of its realisation.
The seminar includes an excursion (in Germany) with a close-reading of a museum.

Each session will be split in a lecture/presentation part, and a reading/seminar part, starting from a specific example of exhibition display to expand onto expanded issues and themes it addresses. Examples of case studies include the following:
'Art of This Century', Frederick Kiesler, New York 1942, USA
'Trigon 67: ambiente', 1967 Künstlerhaus Graz im Steirischen Herbst 1967
MANIFESTO EXHIBITION : PLASTIC PRESENCE, Casablanca art School, May 1969, Jemaa el-Fnaa Square, Marrakech

The deliverables will include leading reading seminars, a written and an oral presentation, prepared in a group. A small model exercise will be part of the expected output.

It is possible to obtain an Exhibition Design Credit. The work requirements are modified accordingly.
Das Seminar widmet sich der Interpretation von Kunstwerken der europäischen Kunstgeschichte vom Mittelalter bis zur Gegenwart. Dabei werden verschiedene Methoden vorgestellt und zugleich ein erster Überblick über die Kunstgeschichte vermittelt.

Die bildwissenschaftliche Analyse von Kunstwerken verschiedener Epochen erfordert unterschiedliche Methoden. Historische Kunstwerke verwenden eine Bildsprache aus Symbolen, Attributen, Typen und Kompositionsformen, die über Jahrhunderte hinweg Anwendung gefunden hat und der Vermittlung konkreter, erzählerischer Aussagen dient. Jedes kleine Detail kann Aufschluss über die dargestellte Geschichte geben. Mittels der Ikonographie können solche Bildinhalte entschlüsselt werden.

Drüber hinaus lassen sich Kunstwerke in einen gesellschaftlichen, politischen oder funktionalen Kontext etc. setzen. Dient uns die Ikonografie zur Deutung der bildimmanenten Inhalte, hilft uns die Ikonologie dabei größere Kontexte zu erfassen.

Auch die freie Kunst des 19. Jahrhunderts erfüllte kommunikative Funktionen und erzählt Geschichten, die es zu entschlüsseln gilt. Dabei brechen Künstler*innen provokativ mit tradierten Sujets und finden neue Formen, um aktuelle politisch-sozialkritische Themen anzusprechen.

Die Erfindung der Abstraktion im 20. Jahrhundert stellt einen noch gravierenderen Bruch mit der Kunstgeschichte dar, da das europäisch tradierte Bildvokabular keine Anwendung mehr fand. Die Moderne schlägt neue Wege ein und liefert zugleich eine Vielzahl an erklärenden Manifesten.
Schließlich werden wir mit der Erkenntnis konfrontiert, dass das Publikum an der Kreation eines Kunstwerks beteiligt ist, indem es dieses interpretiert, also zu Ende denkt. Umberto Eco prägte 1962 in diesem Sinne den Begriff des „offenen Kunstwerks“, und Arthur C. Danto bezeichnet die Tatsache das man ein Werk deuten kann, als wesentliches Merkmal der Kunst überhaupt.

Der Artivismus des 21. Jahrhunderts erweitert den Kunstbegriff ein weiteres Mal, indem sich die Grenzen zwischen Kunst und politisch-gesellschaftlichem Aktionismus auflösen. Was sind nun die Kriterien für ein Kunstwerk, und wie kann man es deuten?


Lit:
- Arthur C. Danto, Beyond the Brillo Box: The Visual Arts in Post-Historical Perspective (1992), deutsch: Kunst nach dem Ende der Kunst, München 1996
- Umberto Eco, Opera aperta. (1962), deutsch: Das offene Kunstwerk, Frankfurt/M. 1973
- Michael Hauskeller, Was ist Kunst? Positionen der Ästhetik von Platon bis Danto, München 1998
- Erwin Panofsky, Meaning in the Visual Arts (1955), deutsch: Sinn und Deutung in der bildenden Kunst, Köln 1975
Debates on differences between film as an art form and other ‘arts’ are endless and, in fact, pointless. Surely, ‘artists’ make ‘films’ and ‘filmmakers’ make ‘art’, whatever definitions of ‘art’ and ‘film’ are involved. But this seminar is not about scholastic terminological discussions within contemporary art and film theory. It is about how something, what we usually call ‘art’, is presented in media products, which we usually call ‘films’. This seminar is about stories, which are told about ‘art’ and ‘artists’, and about ways and forms, in which these stories are being told, even if some of these stories are framed as ‘non-stories’.
Different ideas and interpretations of art are presented, created and mediated through films to a very broad audience. ‘Filmic construction’ of ‘artistic reality’ affects reception of art both within and outside the art scene. Going through various films in the course of the seminar we will analyze different genres, narratives and approaches, observing how art history is getting intertwined with the film history. The seminar is a part of the orientation year program, also open for students from the higher semesters. The course will be held, depending on the wish of participants, in German or in English.
A risk-free, once-in-a-lifetime crash course in English-language academic writing. Taking Plato’s critique of writing as our departure, our focus will be on dealing with (and not becoming overwhelmed by) theoretical problems that have a long tradition of attempted solutions. We will patiently journey together along the often unintuitive path from text to argument: Students will learn what a “close reading” of a primary text looks like, how to assemble and approach secondary literature, how to build their own argument and finally how to defend this argument clearly and concisely in writing. Through a series of smaller assignments and one-on-one conferencing, skills will be developed not only for the university but also for more powerful communication in art and design contexts. Though the course will be held in English, it is also open to those who wish to hone their writing in German.
Katy Hessel leistet mit ihrem 2022 erschienenen Buch „The Story of Art without Men“ einen wichtigen Beitrag zur Neuformulierung einer Kunstgeschichte, die den Fokus auf die Bedeutung bisher marginalisierter Positionen lenkt. Der Veröffentlichung geht der Podcast und Instagram-Kanal „The Great Women Artist“ voraus, mit dem sie sich an den Essay „Why Have There Been No Great Women Artist?“ von Linda Nochlin aus dem Jahr 1971 anlehnt.
Zahlreichen Künstler*innen wurde in der Kunstgeschichte bisher nur wenig Beachtung geschenkt, obwohl diese zu wichtigen Neuerungen in der Kunst beigetragen haben. Hessel liefert knappe Einführungen in die verschiedenen Epochen seit dem 15. Jahrhundert und legt eine Sammlung kurzer Biografien und Beispiele aus dem Werk der Künstler*innen vor. Gemeinsam betrachten wir Hessels Buch und erlangen durch Referate und Vorlesungen einen Überblick über die Kunstgeschichte. Wir hinterfragen Begriffe wie „Meisterwerk“ und „Kanon“ und wollen alternative Darstellungen diskutieren.

Basierend auf diesen Inhalten dürfen die Seminarteilnehmer*innen am Ende des Seminars in einer eigenen Podcast-Folge ihre persönliche Geschichte der Kunst erzählen.

Die Seminarsprache ist Deutsch. Da das Buch auf Englisch und Deutsch erschienen ist, eignet sich der Kurs auch für Studierende, die Deutsch lernen.

In diesem Kurs werden Fortgeschrittene in die vorhandene Kamera- und Filmtechnik eingeführt, speziell geht es um ein Training mit der Arri Alexa.

Introductory workshops and group research
The Sustainable Photography AG (working group) is a student initiative of the HfG Karlsruhe whose aim is to promote the development of a more sustainable practice of photography and new forms of creative expression.
In the continuity of the previous semesters, we will follow the development of an experimental and artistic research in group, on the occasion of regular meetings and workshops.
This will be focused on the initiation to or the deepening of "sustainable" photographic techniques, i.e. based on natural resources ensuring a maximum reduction of chemicals and environmental impact, while developing a new approach to artistic practice in collaboration with nature and the local environment: plant-based black & white photographic developers, anthotype, soil chromatography, cyanotype on paper, bioplastic and glass, production of pigments for inkjet printers and silk-printing, etc.
Also, the development of infrastructures within the HfG to make a more eco-responsible practice of photography accessible to all will be at the heart of this group work: recycling of coffee grounds from the cafeteria into caffenol (Coffee-based photographic developer), filtration of silver residues in the photographic fixer, development of new tools necessary for certain techniques, archiving of past artistic experiments and productions for the constitution of a database, etc.

Eine Einführung in DIE Programmiersprache für alle Multimedianwendungen: Audio, Video, Arduino-Synthese, Analyse-Sensoren, Aktoren...

Max, also known as Max / MSP / Jitter, is a visual programming language for music and multimedia developed and maintained by San Francisco-based software company Cycling '74. Over its more than thirty-year history, it has been used by composers, performers, software designers, researchers, and artists to create recordings, performances, and installations https://en.wikipedia.org/wiki/Max_(software).

Anmeldung bis 22.4. unter lschwarz(at)hfg-karlsruhe.de
Sprachen: Deutsch und/oder Englisch
Leistungsschein Medienkunst nach Aufgabenstellung / Grundlagenschein nach Aufgabenstellung

Theoretisch-praktisches Seminar zur Arbeit mit Schauspielern.
Seminarleiter: Fred Kelemen und Dejan Bućin (Theater- und Filmschauspieler).

Theoretisch-paktisches Seminar zur bewegten Kamera, speziell zum Drehen vom Dolly.

Abschließende theoretische Besprechungen und Drehs von Filmen auf Basis der im WS 2022 / 23 entwickelten Ideen und Drehbücher.
Die Rohschnitte der Filme sollen im September 2023 vorliegen.

We will create an interactive work in small teams.

Interaction Space labels both the space that we will be in together and the workshop itself, as a space in which we will interact with each other to create something new. It also describes the space that we find for interactions between the different elements that we bring to the workshop: ideas and concepts, instruments, objects, software, hardware, and other tools and systems. Finally, it also describes the interaction space that we will create for performer, media and audience with the projects and prototypes that will come out of the workshop.

The purpose of this one-week workshop is to gain experience in developing an interactive work, collaborating with other artists in doing so. By going through the process of creation over the course of one week, each participant will learn how to make plans of action, set priorities in the development, and make decisions accordingly to create a compelling interactive work. During the workshop, we will make use of the book "Composing Interactions - An Artist's Guide to Building Expressive Interactive Systems". The participants will be introduced to the development method presented in the book, and a visual language for describing the interactive work from concept to implementation. The participants will be engaging in a cycle of conceptualising, planning, experimenting and reflecting and finish the week with a public presentation of the works created during the workshop.

Marije Baalman is an artist and researcher/developer working in the field of interactive sound and light art, based in Amsterdam. She makes music and music-theatre performances, worked with dancers and has made several installations.
Topics that she addresses with her work are the nature of interaction between and entanglement of humans and technology, the influence of algorithms on society and the human experience, and environmental change. In her artistic work she is interested in the realtime components of the work, composing processes, behaviours and interaction modalities. This means that the sonic or visual output depends on realtime interactions of the systems she builds with the performer, the audience, or the environment. In 2022 she published the book "Composing Interactions - An Artist's Guide to Building Expressive Interactive Systems".

https://marijebaalman.eu
https://composinginteractions.art
In diesem Kurs werden Einsteiger*Innen in die vorhandene Kamera- und Filmtechnik eingeführt.
Sprachen: Deutsch und / oder Englisch.
Anmeldung bis 24.04.2023 bei ceifler@hfg-karlsruhe.de
“Open for Maintenance”

Diese Veranstaltung richtet sich an alle Studierende der HfG Karlsruhe. Das Seminar ist ein Praxisseminar und schliesst mit einem Workshop / Ausstellung in Venedig ab.
Das Seminar folgt einer Einladung des kuratorischen Teams des dt. Pavilions bei der diesjährigen Architekturbiennale 2023 in Venedig.

Die Studierenden werden gemeinsam mit der Lehrenden den Beitrag in Gruppenarbeit erarbeiten.
Der Workshop findet im Herbst 2023 in Venedig statt und wird über das Semester hin erarbeitet.
Die Biennale selbst eröffnet bereits Ende Mai.

Teilnehmer*innen: Begrenzt
Leistungsschein: Praxisseminar
Mehr Informationen bei der Informationsveranstaltung.

Sprache: Deutsch / Englisch.
The number of people infected with the coronavirus and the number of people who have already died from it, have been the focus of attention in the last three years. AIDS, on the other hand, seems to have nearly disappeared from public discourse, whereas the disease was omnipresent in the 1980s and 90s. After vigorous public pressure, the disease was recognized 40 years ago. Since then, over 36 million people have died as a result of an HIV-infection. In the wake of the current experiences of COVID-19, artistic testimonies dealing with AIDS will be brought into focus. The mostly fatal consequences of an infection and the accompanying stigmatization inspired numerous artists, who in their works not only addressed illness, death and loss, but also homosexuality in a heteronormative society. Works by artists from the LGBTQI+ community such as Felix Gonzalez-Torres, Patrick Angus, Robert Mapplethorpe, Keith Haring, Wolfgang Tillmanns, and Nan Goldin will be looked at, in order to illuminate their artistic engagement with death and queerness. Their mediums include photographs, posters, films, room installations, and paintings. In addition, posters and television commercials used in educational campaigns will be examined to investigate the socio-political discourse surrounding the virus.

The seminar can be held in German or English.


Die Zahl der Neuinfizierten mit dem Coronavirus, wie auch die Zahl der daran bereits gestorbenen Menschen standen in den letzten drei Jahren im Fokus der gesellschaftlichen Aufmerksamkeit. Aids scheint heute im öffentlichen Diskurs dagegen fast verschwunden, doch war die Krankheit in den 1980er und 90er Jahren omnipräsent. Nach starkem öffentlichen Druck wurde Aids vor 40 Jahren als eigenständige Krankheit erkannt. Bisher starben über 36 Millionen Menschen an den Folgen einer HIV-Infektion. Angesichts der aktuellen Auseinandersetzung mit COVID-19, soll mit Aids eine weitere Viruserkrankung und die künstlerischen Zeugnisse im Zuge dieser in den Blick genommen werden. Die meist tödlichen Folgen einer Infektion und die damit einhergehende Stigmatisierung inspirierten zahlreiche KünstlerInnen, die in ihren Werken meist nicht nur Krankheit, Tod und Verlust thematisierten, sondern vor allem auch Homosexualität in einer heteronormativen Gesellschaft. Werke von KünstlerInnen aus der LGBTQI+-Community wie Felix Gonzalez-Torres, Patrick Angus, Robert Mapplethorpe, Keith Haring, Wolfgang Tillmanns und Nan Goldin werden betrachtet, um ihre künstlerische Auseinandersetzung mit Tod und Queerness zu beleuchten. Dabei werden Fotografien, Plakate, Filme, Rauminstallationen und Gemälde in den Blick genommen werden. Darüber hinaus sollen Aufklärungskampagnen in Form von Plakaten und Fernsehspots untersucht werden, um den gesellschaftspolitischen Umgang mit dem Virus zu untersuchen.

Die Veranstaltung kann auf Deutsch oder Englisch durchgeführt werden.
Elke Reinhuber is not your average artist, because she became a specialist on choice, decision making and counterfactual thoughts in media arts. As a decidophobic in her own life, she explores alternative layers of the here and now with immersive environments and expanded photography.
This Blockseminar takes place as part of the seminar On the Three Ecologies: Thinking, Doing, and Seeing in the World with Prof. Celine Condorelli (ADSZ) and Prof. Matteo Pasquinelli (KuPhi).

It focuses on media art practises on the third day of each block. It starts with a look at the inter-cultural cinema of the 1990s, which analyses poetic film languages of minority groups as a question of embodiment of perception and time. We look at projects and films of the Black Audio Collective, Trinh T Minh-ha, the media installation and performance DNCB by Kerstin Schroedinger and Oliver Husain (DNCB is a substance used in color film processing as an alternative HIV medication during the AIDS crisis in the early nineties), on the ecological practices of film making by Michail Lylov and filmmakers Tita Salina and Irwann Ahmet and Apichatpong Weerasethakul.

Forms of listening and speaking with different sensorial conditions, temporalities and social alliances allow for complexity such as multi-perspectivity. They are often built on memory conditions in migration but also on a different material. The memory of the image body, the language of things, the complex memory of different senses itself and the active role of the environment shapes the fabric of an film-ecological statement.

This collaborative seminar critically engages with a notion of subjectivity and machines that is connected to the critical psychiatry movements, it reflects on eco-feminist ideas and conceptualizes film production as an auto-poetical research process. The “Skin of the Film - Film Ecologies” seminar works with invited guest Kerstin Schroedinger on alternative developing methods of 16 mm film with ecological substances and with Michael Lylov on his ecological practices with narrative film.

In parallel, the philosopher Arantzagu Saratxaga (tba) is invited to present and discuss her philosophical ideas on matrixiality as a new ecological term.

Dates for the Blockseminar (Tuesdays PM – Thursdays AM, monthly):
Week 1: 25-27, April 2023
Week 2: 23-25, May 2023
Week 3: 20-22, June 2023
Week 4: 18-20, July 2023

Tuesdays 14:00-17:00 - Reading group
Wednesday 10:00-13:00 - Studies of Display
Wednesdays 14:00-17:00 - Guests
Thursdays 10:00-13:00 - and 14:00 - 16:00 Skin as the Film seminar
The seminar navigates the limits – spatial, temporal, social and mental – of what we have come to define as ‘ecology’, starting from Felix Guattari’s ideas of the ‘three ecologies’ and ‘ecosophy’ (among others). We will feel our way through different ecological practices, guided by deep listening to prehistoric art forms, with multi-perspective perceptions, cine(so)matic, experimental approaches about sensing with different bodies on several levels of experience. We will combine different approaches across different mediums and scales, from theoretical frameworks to the durational forms of documentary and expanded cinema and forms of display, in order to learn from non-disciplinary, experimental, ecological methodologies. We will look at inter-cultural cinema, which forwards new film languages and embodiments of perception that are central to the cinematic and political practices of minoritarian groups. Through collectively undertaken study and research-based practice this seminar explores some theoretical foundations of notions of ecology, as well as practical tools necessary to grapple with the different ecological dimensions of form (cross-genre). The seminar includes guests and a study trip to visit the oldest sculpture in the world, the Löwenmensch figurine, and its context in Hohlenstein-Stadel and Ulm. The seminar requires the final preparation of an interdisciplinary essay (theory, exhibition, and/or film essay).
Im Bereich Medienkunst / Film wird die neue Reihe CLOSE UP fortgeführt. In jedem Semester werden Filmemacher*innen aus verschiedensten Richtungen und Gewerken zu Gast sein, um über ihre Arbeit und Werke zu sprechen. Diese werden sie zum Teil persönlich präsentieren.

In Anwesenheit von Helena Wittmann

Helena Wittmann (1982, Deutschland) ist eine in Hamburg lebende Filmemacherin und bildende Künstlerin. Ihre Filme, darunter ihr aktueller Spielfilm HUMAN FLOWERS OF FLESH (2022) und ihr Debütspielfilm DRIFT (2017) wurden international auf Filmfestivals und in Ausstellungen gezeigt und mehrfach ausgezeichnet (u.a. Venice Int. Film Festival, Locarno Film Festival, Toronto Int. Film Festival, Int. Film Festival New York, MoMA, Tate Modern, Int. Film Festival Rotterdam, Int. Kurzfilmfestival Oberhausen, Int. Filmfestival Ann Arbor, Viennale, FID Marseille, FICUNAM). Sie arbeitete bis 2018 als künstlerische wissenschaftliche Mitarbeiterin an der HFBK Hamburg und war Mentorin bei Elias Querejeta Zine Eskola in Donostia, Spanien. Neben ihren eigenen Filmen arbeitet sie als Kamerafrau für andere Filmemacher*innen und in Kollaborationen, wie mit der Musikerin und Künstlerin Nika Son.

Filme:
HUMAN FLOWERS OF FLESH, 106’, 2022
ADA KALEH, 14’, 2018
DRIFT, 95’, 2017
21,3°C, 16’, 2014
WILDNIS, 12’, 2013

Sprache: Deutsch und/oder Englisch
Afterwater (2022) is concerned with notions of fluidity and utopia. It was created in close dialogue with different collaborators, shot in two countries, in several languages, on several different materials, and features actors, non-actors and performing artists. Its deliberate mixing of cinematic modes (essay, fiction, experimental) and daring narrative required a unique approach across each stage of production.

This theoretical block seminar consisting of four three-day blocks will offer a case study of how a feature film is made through unpacking the different stages of writing, financing, pre-production, working with actors, production, editing and post-production.

The seminar includes:
Guest lectures with key collaborators: Zsuzsanna Kiràly (production), James Lattimer (writing), Rose Beermann (choreography), Jenny Lou Ziegel (image), Jakov Munižaba (sound);
Watching and discussing influences and points of inspiration (G. Evelyn Hutchinson, Tsai Ming-Liang, Jean-Marie Straub and Danièle Huillet, Charlotte Prodger);
Reading and discussing texts used in the research process (Hutchinson, Donna Haraway, Timothy Morton, Emanuele Coccia);
Discussing writing process and working with different textual sources (Hutchinson, Miguel de Unamuno, Theodor Fontane, Anna Tsing, Theodor Adorno, Arthur Russell);
Showing and discussing a rough cut of the film. 

Sprache: Deutsch und/oder Englisch.
Im Bereich Medienkunst / Film wird die neue Reihe CLOSE UP fortgeführt. In jedem Semester werden Filmemacher*innen aus verschiedensten Richtungen und Gewerken zu Gast sein, um über ihre Arbeit und Werke zu sprechen. Diese werden sie zum Teil persönlich präsentieren.

In Anwesenheit von Marta Popivoda

Marta Popivoda (*1982, Jugoslawien) ist eine in Berlin lebende Filmemacherin und Künstlerin. In ihrer Arbeit geht es vor allem um die Spannungen zwischen Erinnerung, Geschichte und Ideologie sowie um die Beziehungen zwischen kollektiven und individuellen Körpern. Popivoda geht diese Themen aus einer feministischen und queeren Perspektive an. In ihren jüngsten Arbeiten verwendet sie Landschaftsdramaturgie, feministisches Storytelling und radikale Langsamkeitsprinzipien, um verbale Bilder und Szenen der (antifaschistischen) Erinnerung zu erzeugen.
Ihr erster Dokumentarfilm, YUGOSLAVIA, HOW IDEOLOGY MOVED OUR COLLECTIVE BODY, wurde auf der 63. Berlinale uraufgeführt und anschließend auf vielen internationalen Filmfestivals gezeigt. Der Film ist Teil der Filmsammlung des MoMA New York und wird im Online-Kurs "What Is Contemporary Art?" des MoMA über zeitgenössische Kunst von 1980 bis heute gezeigt. Ihr zweiter Dokumentarfilm, LANDSCAPES OF RESISTANCE, wurde im Tiger-Wettbewerb des 50. Internationalen Filmfestivals Rotterdam uraufgeführt, auf mehr als 50 Filmfestivals weltweit präsentiert und mit mehr als zehn Preisen ausgezeichnet (Jeonju IFF - Best Picture Award; Cinema du Réel - Library Award; Thessaloniki Documentary Festival - Golden Alexander award; Sarajevo Film Festival - Heart of Sarajevo für den besten Dokumentarfilm; Sevilla European Film Festival - Best Director of a First or Second European Feature Film).
Popivodas Arbeiten wurden in bedeutenden Kunstgalerien wie der Tate Modern London, dem MoMA New York, dem MAXXI Rom, dem M HKA Antwerpen, dem Museum of Modern Art + MSUM Ljubljana ausgestellt. Sie erhielt den renommierten Berliner Kunstpreis für Bildende Kunst der Akademie der Künste Berlin und den Edith-Russ-Haus Award for Emerging Media Artists.
2022 wurde ihre Arbeit auf der 12. Berlin Biennale, der Manifesta 14 und der 59. Belgrader Biennale gezeigt. Sie unterrichtet regelmäßig an der SNDO, der Universität der Künste in Amsterdam und der Oslo National Academy of the Arts. Popivoda schätzt die kollektive Praxis des Kunstschaffens und der Recherche und war viele Jahre lang Teil des Kollektivs Walking Theory. Heute arbeitet sie viel mit der Theoretikerin und Dramaturgin Ana Vujanović bei der Produktion von Filmen, Videoinstallationen und Performances zusammen.

Filme:
LANDSCAPES OF RESISTANCE, 95’, 2021
YUGOSLAVIA: HOW IDEOLOGY MOVED OUR COLLECTIVE BODY, 62’, 2013

Sprache: Deutsch und/oder Englisch
A critical and playful exploration on the legacy and contemporary status of grand hotels.
Which ghosts are haunting us in the spaces of classicist and colonial luxury, the chambers of care work and hospitality and meeting places of artists and wealthy bourgeoisie? 

In collaboration with the Grand Hotel Waldlust we invite participants to take this place as a starting point for cinematic, performative and installative works.
During a one-week stay at the hotel in July, we will create a collaborative setting to develop artistic projects that will be shown in an exhibition in 2024.

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Eine kritische und spielerische Erkundung des Erbes und des heutigen Status der Grand Hotels.
Welche Geister spuken in den Räumen des klassizistischen und kolonialen Luxus, den Kammern von Fürsorgearbeit und Gastfreundschaft und den Treffpunkten von Künstler_innen und wohlhabendem Bürgertum?

In Zusammenarbeit mit dem Grand Hotel Waldlust laden wir die Teilnehmenden ein, diesen Ort als Ausgangspunkt für filmische, performative und installative Arbeiten zu nehmen.
Während eines einwöchigen Aufenthalts im Hotel im Juli werden wir einen gemeinschaftlichen Rahmen schaffen, um künstlerische Projekte zu entwickeln, die in einer Ausstellung 2024 gezeigt werden.

Kooperation mit Hotel Waldlust, Landesbibliothek Karlsruhe
This course will have dive deeper into visual programming methodologies. While this course is a basic introduction to visual programming, participants will gain a deeper understanding of the concepts covered. We will explore different types of operators in Touchdesigner, and learn simple data visualization methods to create interactive projects. Participants will gain a deeper knowledge of operators such as CHOPs and TOPs for interaction, and learn how to build custom interfaces. Participants will also learn how to integrate Python scripts and expressions and gain familiarity with 3D(SOPs) operators and methods. The course will also include an introduction to object-oriented programming methodologies. By the end of the course, participants will be equipped with the skills to create interactive projects using Touchdesigner and have an understanding of visual programming concepts.


In this course, we will cover the following:
- How to use Container components to create custom interfaces
- Interactive animation techniques using CHOPs and TOPs
- Introduction to SOPS - Simple data visualisation with (text) instancing
- How to create dynamic textures and text animations based on user input and data input
- How to use DATs for data management and visualization
- Python scripting tools and expressions
- Techniques for creating real-time data-driven animations using instancing
- How to use sensor devices(Leap Motion) for data input in Touchdesigner
In this seminar, we will explore the relationship between machines and organic forms, examining how organic beings can be used for visual storytelling methodologies within real-time media (RTM) environments. With a focus on the Anthropocene, which highlights the impact of collective human activity on the Earth's surface, we will examine our surroundings as the primary computer. We will dive into an exploration of the intersections between machines and the natural world. Research how we can use technological methods to investigate storytelling methods and use them for community building and knowledge sharing through RTM spaces.


We will have two workshops in conjunction with the Bio Design Lab. In The Backpack of Wings workshop, we will explore how sensor technologies for non-human actors can find a way into storytelling and how it would intersect with technological means. With the Organic A/V Environments workshop, participants will have the opportunity to explore the world of microscopic imaging and capture footage (and applications its applications) within an A/V environment. Additionally, we will join in the excursion “Into the Wild” led by Anna Dukhee Lee.

By the end of this seminar, participants will have developed an understanding of creating RTM environments with organic forms and new media as the topics. Participants are expected to present an artistic project developed during the seminar.

Format: In-class sessions, followed by an open lab for technical exercises and discussion groups. Seminar will include a series of workshops, which are mandatory for seminar participants.
In Anknüpfung an die Vorlesung, die einen historischen Überblick zur Fotografie im Feld der Kunst gibt, werden wir uns im Seminar mit aktuellen Positionen zeitgenössischer Kunst beschäftigen, deren Schwerpunkt im Bereich fotografischer Medien (in all‘ ihrer Hybridität) liegt. „Diskurse“ bezieht sich dabei sowohl auf unterschiedliche Konzeptionen, Ästhetiken und Displays zeitgenössischer Fotografie, als auch auf gesellschaftspolitische Themen, die in der aktuellen Kunst verhandelt werden – wie etwa Postkolonialität / Dekolonisierung, Gender- und Identitätspolitik, Materialität des Digitalen.

Zum Seminar werden zwei Exkursionen angeboten.
Das Zusammenspiel digitaler Technologien, mobiler Medien und Sozialer Netzwerke hat die Produktion und Rezeption, Distribution und Archivierung fotografischer Bilder radikal verändert. Fotografien werden milliardenfach erzeugt, sie werden dabei gleichermaßen von ihren Prosumer*innen verteilt, geordnet und bewertet wie von Maschinen, Software und Algorithmen. Wie verschieben sich dadurch fotografische Konzepte von Autorschaft, Referenz und Relevanz? Welche Ästhetiken, Wissensordnungen und Archive entstehen in digitalen Kulturen? Was für Möglichkeiten eröffnen Formen nicht-humaner Aufzeichnung und neue Tools für eine künstlerische Reflexion?
Grundlage des ersten Blocks ist die Lektüre und Diskussion des gleichnamigen Buchs und aktueller Aufsätze; für den zweiten Teil setzen wir je nach Interesse unterschiedliche Schwerpunkte, die in kleinen Gruppen vertieft werden (wie etwa Feminismus und Körperpolitik in den Social Media, fotografischer Aktivismus, Politiken des Filterns, In-Game Fotografie).
Angedacht ist dabei die Entwicklung einer Präsentation von Ergebnissen (Panel, Lectureperformance o.a.) der einzelnen "Feldforschungen" für den Rundgang.
dokKa – das Dokumentarfestival Karlsruhe – zeigt künstlerische Arbeiten aus den Bereichen Dokumentarfilm und Hördokumentation / Radiofeature. Das Festival möchte verschiedene Formen des Dokumentarischen Arbeitens in Film und Ton aufzeigen und darüber ins Gespräch kommen. Daher präsentieren alle Künstler*innen ihre Arbeiten persönlich und es besteht die Möglichkeit vor Ort in den Austausch zu kommen. Veranstaltungsort ist die Kinemathek Karlsruhe.
Wir werden das gesamte Film Programm sehen und über die unterschiedlichen Herangehensweisen und Formen des dokumentarischen Arbeitens sprechen. In Kooperation mit dokKa werden wir innerhalb des Festivals einige der Filmemacher*innen zu Gesprächen einladen, um einen Dialog mit den Studierenden zu ermöglichen.

Für die Erstellung einer Hausarbeit kann ein Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst vergeben werden. Eine kontinuierliche Anwesenheit wird erwünscht.

Anmeldung bis zum 28.April 2022 bei Wen Liu: ywliu@hfg-karlsruhe.de
Mitten im medial vermittelten Gerede: Ist das gefilmte Interview als eine Form der Befragung zu verstehen, mit dem Ziel persönliche Informationen, Sachverhalte, Meinungen
oder Zeugenschaften zu ermitteln? Geht es um Talking Heads oder um eine prozessuale Gesprächs-Form, mit dem Ziel einer transversalen Subjektivität? Sprechen als, sprechen über, sprechen nahe bei und sprechen mit? (Trinh T. Minh-ha)
Wo also positionierst du dich, wie interagierst du, welche Idee eines Austausches hast du, was passiert nach dem Interview? Und wie verhalten sich die Stimmen, Körper und Gesten zu den filmischen Räumen, in denen sie arrangiert sind?

Das Seminar ist eine Fortführung aus dem letzten Wintersemester, das mit Filmbeispielen und Texten dieses scheinbar pragmatische Instrument filmischer Recherche zur Diskussion stellt.

Madeleine Bernstorff ist Kulturproduzentin, Filmkuratorin, Autorin, Lehrende, lebt in Berlin, macht Filmprogramme oft in Kollaborationen, lehrt und schreibt zu Film.
Madeleine Bernstorff ist Kommissionsmitglied der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen.
Sound is an indispensable aspect of many films, animations, videos, 3D/VR environments, and digital moving images. The course will present an overview of the different areas in audio production: recording, editing and mixing. Theoretical key concepts needed to work with sound in multi-media will be introduced. Categories of sound, dialogue, ambience, sound effects, Foley and music will be discussed and analyzed.

The course covers the functionality and the use of microphones and recording devices. Different microphone characteristics, arrangements and placement strategies related to acoustic considerations will be compared and studied. Practical exercises include dynamic booming, field recording, room miking as well as sound dubbing and Foley techniques. Technical tools and accessories such as windshields, shock mounts, windscreens, and pop filters will be examined. Finally, Digital Audio Workstations (DAWs), multitrack mixing, equalization, mix automation, and audio plug-ins will be presented.
The understanding of studio and sound technology is mandatory for working in the HfG's production studios. This course focuses on acoustics, sound perception and studio equipment. It outlines the physics of sound, as well as the principles of acoustic transducers and sound generators. Theory of analog and digital signal processing is accompanied by practical explanations of operating concepts of mixing desks, sequencers, audio interfaces and amplifiers. Connection and transmission technologies will be covered equally.

As proof of their understanding of how to use the equipment, participants must realize a sound piece in the studios based on what they have learned. An assignment will be handed out during the course.

A basic certificate (Grundlagennachweis) is awarded for successful participation. This entitles the students to work in the HfG sound studios.
This masterclass is aimed at photography students that have already developed a project, that would like to investigate their storytelling in a book and that are ready to work with others. The workshop is an introduction to the photobook on a theoretical and technical level, but with a large practical side to it. Visual language and storytelling is at its basis. It is meant for all those that have a project of visual (photographic) storytelling.

The workshop’s main aim is to extend the ability to find solutions and trigger new ideas through group work, sharing and exchanging. We will focus on the possible methods of transforming/translating a photography project into a book with examples, possibilities and images, storytelling construction schemes; training in all the main aspects of the development of the presented projects. We will go deeper into the body of work presented in the workshop to consolidate and find the best balance between all the elements of the project. We will focus on the use of design elements to enhance the power of the photobook as physical object. This could include considerations such as the use of papers, binding, color, layout to create a cohesive and visually stunning book experience. The masterclass may explore different design possibilities and offer visions for creating photobooks that are both aesthetic and effective at conveying the intended concept. We will discuss and experiment in order to develop a first or second dummy book project both in concept and design.

The masterclass contains two block meeting which need to be attended, the final presentation will take place in library of ZKM, where the books will be featured permanently.

Requirements: The workshop is only open to students with a photo/visual project. Limited to 16 participants. Please send up an abstract and a maximum of 15 pictures in a PDF or folder in low resolution. Applications must be sent to fpinna@hfg-karlsruhe.de before May 1st. It is suggested to submit the application form in advance.

Nach Anmeldung per Email
Sprachen: Deutsch und/oder Englisch
Scheinerwerb nach Aufgabenstellung

Nach Terminvereinbarung per Email
Scheinerwerb nach Aufgbenstellung

Einzelbetreuung
Termine: Wöchentlich, Di. und Sa. 16:00 - 20:00 Uhr; oder nach Vereinbarung
Ort: In Präsenz, telefonisch und online
Kontakt: kelemen(at)live.de

Offen für Studierende aller Studiengänge, die an Bewegtbild-Projekten in jeder Entwicklungsstufe arbeiten.

Sprachen: Deutsch und/oder Englisch
Einzelsprechstunde zur Betreuung von freien Projekten, (Vor-)Diplomen, oder begleitend zu Seminaren.

Individual consultation hours for supervision of independent projects, (pre-)diplomas, or accompanying seminars.
Bei diesen Einzelterminen wird eine individuelle Betreuung von der ersten Idee bis zum Abschluss des Projekts angeboten. Der Fokus liegt hierbei auf Machbarkeit, Statik, Konstruktion, Materialität, Verfahrenstechniken und Konstruktionszeichnung. Die eigenständige Umsetzung wird dabei gefördert und gelehrt.
Diese individuelle Projektbetreuung vermittelt auch handwerkliche Grundlagen und beinhaltet die Einführung in das erweiterte Werkstattangebot bezüglich Maschinen, Geräte und Techniken, die über die Grundeinweisung hinausgehen.
Zwischen Kunst und Kommerz ist der Berufseinstieg für Künstler*innen ein Drahtseilakt.
Zwischen Freiberuflichkeit und fester Stelle gibt es viele Variationen.

Wir unterstützen Sie auf Ihrem individuellen Weg, beraten Sie bei der Zielfindung und helfen bei der Stellensuche.

Geld für meine Ziele? Informationen über finanzielle Hilfen der Agentur für Arbeit oder des Jobcenters.
1 to 1 talk with students to deepen their knowledge of their artistic projects. This will be an opportunity to get feedback on the work geared towards the Rundgang, as well as for diploma and pre-diploma projects for the Media Arts students.
Betreuung von Einzel- und Gruppenprojekten, Projekt-, Vordiplom- und Diplombetreuung in Form von Einzelgesprächen, Kolloquien und Präsentationen.
Weitere Termine werden im Laufe des Semesters bekannt gegeben.
Betreuung von Einzel- und Gruppenprojekten, Vordiplom, Diplomarbeiten; offen für alle Fachbereiche.

Support for individual and group projects, open to all disciplines.
Projektbesprechungen
Betreuung von Einzel- und Gruppenprojekten. Projekt-, Vordiplom- und Diplombetreuung in Form von Einzelgesprächen. Nach Vereinbarung: efwaldhoer(at)hfg-karlsruhe.de

Consultation hours
Consultation of individual and group projects. Project, pre-diploma and diploma supervision in the form of individual meetings. By appointment: efwaldhoer(at)hfg-karlsruhe.de
Sprechstunde / Besprechung von theoretischen und praktischen Arbeiten
Besprechung aktueller Filmarbeiten unterschiedlicher Stadien: erste Entwürfe / Ideen / Fragestellungen / Skizzen / fortgeschrittene Arbeiten. Filme, die bereits in der Montage sind, können gemeinsam gesichtet und diskutiert werden. Das betrifft sowohl Projekt-, Vordiplom- und Diplomarbeiten.

Die Einzelbetreuung ist für alle Fachbereiche offen.
Wandertag, Waldeslust, Welterstaunen, Weltentzücken, Waldsterben
Eines der größten internationalen Theaterfestivals in Deutschland ist das Festival "Theater der Welt", das seit 1981 ca. alle drei Jahre in einer anderen deutschen Stadt ein temporäres Zuhause findet. 2023 findet "Theater der Welt" erstmals seit 1985 in Frankfurt/M. und erstmals überhaupt in Offenbach/M. statt, unter der künstlerischen Leitung von Chiaki Soma und Kyoko Iwaki (von Arts Commons Tokyo). Und das ist eine weitere Premiere: Erstmals wird das traditionsreiche Festival von einer Nicht-Europäerin geleitet. Pluralisierung, Inkubationismus, virtuelle Realiltäten, die Verbindung zweier Städte entlang eines Flusses, das Öffnen von Räumen für Kontemplation, Heilung und Erholung sind die Anliegen des diesjährigen Programms.

Ein kleiner, aber veranstaltungsreicher Ausschnitt des zweiwöchigen Programms wird in einer zweitägigen Exkursion nach Frankfurt und Offenbach besucht, analysiert und in Form ausführlicher Kritikgespräche und wenn möglich auch Künstler:innengespräche reflektiert.

19.06.2022:
10:00 - 12:00: gemeinsames Treffen zur inhaltlichen und organisatorischen Vorbereitung (online)

07.07.2023:
bis 14:00: individuelle Anreise nach Frankfurt/M.
14:00 - 16:00: Vorstellungsrunde und Einführung
ab 16:00: gemeinsame Veranstaltungsbesuche

08.07.2023:
10:00 - 15:00: gemeinsame Kritikgespräche zu den Veranstaltungen des Vortags
ab 15:00: gemeinsame Veranstaltungsbesuche
23:00: Abreise

10.07.2023:
10:00- 13:00: gemeinsame Kritikgespräche zu den Veranstaltungen am 08.07. (online)

Die Exkursion wird geleitet vom Dramaturgen und Theaterwissenschaftler Dr. Philipp Schulte. Schulte lebt in Frankfurt/M. und lehrt an verschiedenen Orten Theatertheorie, u.a. mehrere Jahre an der HfG Karlsruhe; zudem arbeitet er auf unterschiedlichen Performancefestivals. Seit einigen Jahren begleitet er ADSZ-Exkursionen an die Ruhrtriennale, sowie zu den KunstFestSpielen Herrenhausen in Hannover.
Das Theatertreffen Berlin ist DAS seit 1964 alljährlich in Berlin stattfindende Festival des deutschsprachigen Theaters. Es findet in diesem Jahr unter der Leitung eines neu angetretenen vierköpfigen multinationalen Teams statt. Das Festival zeigt neben den „zehn bemerkenswertesten Inszenierungen des Vorjahres“ aus Deutschland, Österreich und der Schweiz, ein umfangreiches Begleitprogramm. Dieses bietet künstlerisch diskursive Resonanzräume in sehr verschiedenen Formaten. Der Theatertreffen Campus schafft die Möglichkeit des Austauschs mit Studierenden aus mehreren Universitäten. Die Exkursion wird zusätzlich durch Ausstellungsbesuche und Künstler*innengespräche erweitert. 4 Tage volles Programm!
https://www.berlinerfestspiele.de/de/theatertreffen/start.html

09.05.23, 16:00 - 17:30 (Vorbereitungstreffen)
Exkursion: 18. - 21.05.23
Excursion to the Berlin Art Week with Media Arts students that focus on Digital Arts. The students will get to know one another and learn about the work of the various institutions in the Berlin art scene. Even though the excursion is aimed at Media Arts, students from other departments interested in digital arts are welcome to join.
Into the Wild Excursion is a participatory trip to Arnsberg that will be divided into two parts:

The first part invites attendees to participate in the creation of the installation “Into the Wild” by Dukhee Jordan and to observe the creative process. They will also have the opportunity to spend time at the Kunstverein Arnsberg (http://www.kunstverein-arnsberg.de/history) and get to know its resources.

The second part will consist of a visit to an exhibition by Rana Hamadeh, followed by a talk by the artist.

Information on the exhibition:

“Into the Wild”, which takes place at Kunstverein Arnsberg, presents an edible table of herbs, fragrance flowers, and ancient plant knowledge. Every itineration of “Into the Wild” is a locally designed and researched project, embedded in the native food culture. The protagonists of this social food experience are herbs and vegetables, which are transformed into an edible sculpture and accompanying dishes served at the table. It opens a dialogue alongside the dining table, in a sensual way, taking interventions of different forms that work as a social sculpture. The participants are invited to join the wild dining sculpture and eat with their hands; there are no plates, no forks and no knives. The table is completely consumable.

All the food leftovers are turned into compost and consequently into the soil, which makes a full ecological circle. The sensual work is built Together with the permaculture gardener Andre Noack.
Der Fluchtweg von Marseille über den spanischen Grenzort Portbou ist durch die Überlieferungen von u.a. Anna Sehgers, Lisa Fittko, Hannah Arendt und Walter Benjamin bekannt geworden, die 1940/41 diese Route auf der Flucht vor dem deutschen Faschismus und seinen Kollaborateuren nahmen. Obgleich der Mittelmeerküste folgend, lag der Fluchtpunkt dieser Bewegung jenseits des Atlantiks. Seit Beginn des 21. Jahrhunderts ist das Mittelmeer nun selbst zur Transitzone einer Fluchtbewegung vom Mittleren Osten und von Nordafrika nach Europa geworden.

Die Exkursion nimmt die Zeugnisse und Textproduktionen eines flüchtigen Denkens und Überlebens um 1940/41 zum Anlass, sich mit den heutigen (bio)politischen, ökonomischen und kulturellen Grenzziehungen im europäischen Süden zu befassen. Geplant sind Besuche von Orten der Résistance und der Flucht entlang der französischen und spanischen Mittelmeerküste (mit den Stationen Marseille, Banyuls-sur-Mer, Portbou); Recherchen zu literarischen und geografischen Spuren der Flucht u.a. von Hannah Arendt und Walter Benjamin, mit Wanderungen entlang der Fluchtrouten; sowie ein Blick auf das nationalsozialistische Konzept von Europa im Vergleich mit dem antikolonialen Europa-Konzept einer föderalistischen Mittelmeer-Union (u.a. von Mitgliedern der französischen Résistance).

Lektüre zum Einstieg ins Thema: Lisa Fittko, "Mein Weg über die Pyrenäen. Erinnerungen 1940/41"

Zeitraum: eine Woche im September 2023 (tbd)

Verfügbare Plätze: 12

Anmeldung bis 5. Mai 2023
Das D in FID stand für Dokumentarfilm, bis das Festival diese Bezeichnung im Jahr 2011 löschte. Jetzt lautet sein vollständiger Name Marseille International Film Festival. Diese Geste weist auf ein Kino hin, das sich zwischen und jenseits von Genres, Modi und Registern bewegt und Dokumentar-, Narrativ-, Essay- und Experimentalfilme und Werke unterschiedlicher Dauer auf innovative Weise nebeneinander stellt. Mit eigenen Worten: „Das FID möchte eine erweiterte Vision kultureller Aktivitäten artikulieren mit dem Ziel, ein immer größeres und zunehmend vielfältiges Publikum zu erreichen. Ein Kino, das sich mit der Realität auseinandersetzt – sei es in dokumentarischer oder fiktionaler Form – geht uns alle an … Das Festival möchte ein aktiver Raum für öffentliches Denken sein.“

Den Rahmen der Exkursion bildet der Internationale Wettbewerb, der jedes Jahr grenzüberschreitende Bewegtbildarbeiten nicht nur von etablierten Filmemacher*innen und Künstler*innen, sondern auch von Newcomer*innen präsentiert.

Auf dem Programm stehen außerdem exklusive Gespräche mit Filmemacher*innen aus dem Internationalen Wettbewerb sowie Produzent*innen und anderen Expert*innen aus dem Projekt FIDLab, der internationalen Koproduktions-Plattform von FIDMarseille.

Die Teilnehmendenzahl ist auf 15 Studierende begrenzt. Für die Erstellung einer Hausarbeit können ein Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst oder ein Leistungsschein Kunstwissenschaft oder ein Leistungsschein Medienphilosophie vergeben werden.

Anmeldung bis zum 30.04. bei Wen Liu ywliu(at)hfg-karlsruhe.de

Termine: 19.04. 17:00-19:00 (Vorbesprechung) / 04.07.-09.07 (Exkursion)

Sprache: Deutsch und/oder Englisch
Arbeitsstände anstehender (Vor-)Diplome werden in der Gruppe präsentiert und diskutiert. Das Kolloquium findet nach Ankündigung einmal monatlich mit jeweils zwei Lehrenden in wechselnder Besetzung statt.

The work status of upcoming (pre-)diplomas is presented and discussed in the group. The colloquium takes place once a month with two teachers each time, after announcement.
The colloquium is dedicated to the course on Large Language Models running in parallel to it, to the activities of the KIM research group and to AI-related research projects. To enrol or to propose a topic, please send an e-mail.
The colloquium is oriented to PhD and Magister students and focuses on materials and research methodology in preparation for the final thesis.
Das Kolloquium erarbeitet die Publikation zur einjährigen Workshop - und Lectureserie "Scenography in the present". Die Beiträge der Publikation sind weitgehend fertig, die Gruppe erarbeitet zusammen das Konzept, Bildstrecken und Rahmentexte. In Zusammenarbeit mit Studierenden des Kommunikationsdesigns entsteht die Gestaltungsidee.
(EN) This monthly colloquium provides a space for students of all disciplines working with the textile medium to deepen their artistic research. Together as a group, we will discuss textiles in relation to spatial practice and develop common points of interest. Students are welcome to present their own work or propose topics. The aim is to develop a permanent place for textile practice and exchange at the HfG.
    
(DE) Dieses monatliche Kolloquium bietet einen Rahmen für Studierende aller Fachrichtungen, die mit dem Medium Textil arbeiten, um ihre künstlerische Forschung zu vertiefen. Gemeinsam als Gruppe werden wir Textilien in Bezug auf die räumliche Praxis diskutieren und gemeinsame Interessenschwerpunkte entwickeln. Die Studierenden sind eingeladen, ihre eigenen Arbeiten vorzustellen oder Themen vorzuschlagen. Ziel ist es, einen dauerhaften Ort für textile Praxis und Austausch an der HfG zu entwickeln.
Safety vs. Security. Ein kritisch-kunstwissenschaftlicher Salon zum Zeitgeschehen
Die Begriffe Safety und Security bilden ein breites Spektrum, um sich mit kunstwissenschaftlichen, politischen und kulturpraktischen Erscheinungen und Gegenständen auseinanderzusetzen. In einem akademischen, jedoch zwangslosen Salonformat wird aktuelles Zeitgeschehen im Kurzschluss mit geeigneten Begriffen und Theorieansätzen vertieft und bei wechselnder Besetzung aus unterschiedlichen Perspektiven erörtert und diskutiert. Impulsvorträge bilden dabei die Ausgangspunkte für Studierende, ihre individuellen, wissenschaftlichen oder künstlerischen Ansätze mit Externen und Lehrenden zu besprechen.
Termine werden jeweils noch bekannt gegeben. Hier sind interessierte Studierenden herzlich eingeladen, Themenschwerpunkte und Interessen zu setzen und dazu im Vorfeld Vorschläge zu machen. Ideen gern per Mail an Jules Buchholtz oder Barbara Kuon.

Das Kolloqium findet voraussichtlich donnerstags abends in 14-tägigem Rhythmus statt.
Im Kurs wird der gesamte Modellbaubereich mit seinen Möglichkeiten und Regularien vorgestellt.
Es erfolgt eine Unterweisung in die Unfallverhütungsvorschriften mit praktischen Übungen an Ständerbohrmaschine, Bandsäge und Schleifmaschinen.
Im Vordergrund steht das sichere und fachgerechte Arbeiten an Maschinen und die richtige Wahl von Werkzeugen und Messen mit dem Messschieber.
Bei diesem Kurs erlangen die Studierenden die Berechtigung, in der Modellbauwerkstatt an den unterwiesenen Maschinen zu arbeiten.
(English version below)

Interaktive Experiences, ludische Kunstwerke, Immersive Erlebnissräume und nonlineares Storytelling. Dieser Kurs richtet sich an Studierende der Medienkunst und Szenografie, die spielerische Elemente (analog und digital) an den Schnittstellen zwischen Medienkunst, Theater, Erfahrungsräume und Spiel in ihren Arbeiten zum Einsatz bringen wollen. Wir erforschen Kunstwerke, die in diesem Grenzbereich angesiedelt sind und entwickeln selbständig interaktive, ludoimmersive und ludonarrative künstlerische Arbeiten.
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Ludointeractives and Artgames

Interactive Experiences, Ludic Artworks, Immersive Experiential Spaces, and Nonlinear Storytelling. This course is for students of media art and scenography who want to use playful elements (analog and digital) at the intersections of media art, theater, experiential spaces, and play in their work. We will explore artworks located in this borderland and independently develop interactive, ludoimmersive and ludonarrative artistic works.
Bildproduktion ist ein Grundlagenkurs, der sich mit den Grundlagen des Mediums Fotografie als technische und gestalterische Praxis auseinandersetzt. Anhand einer Kombination aus praktischer Einführung (Kamera- und Softwareeinführung) und gestalterischen Grundlagen (fotografische Übungen zur Bildgestaltung) soll ein erstes Verständnis für Fotografie als Medium im Wandel der Zeit, von der Lichtspur bis zum Pixel, geschaffen werden. Vorgestellt werden die in der Gruppe verfügbaren Kamerasysteme von Kleinbild über Mittelformat bis Großformat, analog und digital.

Die Einführung ermöglicht ein selbstständiges Arbeiten und ist Voraussetzung für das Ausleihen des Equipments.
They walk into an open space. They take a deep breath and look around. There are living things in the space: breathing, growing, making sounds, entering and departing, leaving traces in the ground. There are also not-living things lying or leaning, covering, concealing, framing and interrupting each other. Among all these things they feel very new, but curious what it might be like to make this unfamiliar space a place of their own—even if just for a moment.

Tentatively, they start their first exercise in assembling: Setting out what is theirs in this place with its own parameters, restrictions and possibilities. Smelling the air, they think about what it tells them.

Exhausted from the exercise, they let their thoughts rest for a bit.

Their second exercise is about disassembling what they found: every now and then they gather in unreal space they all access through waves in the air. They compare, discuss and share their findings with other people.

The third exercise comes later; this one is about adapting: They have changed places by then, but they have brought all their things and souvenirs from the first place. Carefully unwrapping them now, they look very different in their new surroundings. They smell the air again. Is it the same as in the first place? What makes it different? They start to document what has happened.

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This seminar experiments with an open public natural space as a democratic way of exhibition making. In two workshops students from the Kunsthochschule Kassel and HfG Karlsruhe meet in two specific settings. At the Floating University in Berlin from 15. - 18.5.2023 and in the Black Forest near Karlsruhe in July 2023, to develop a group exhibition in response to the setting. The sites and artistic methodology intend to create the focus for the investigation of a broader framework. Sharing the air, permanent human and non-human inhabitants, ecological and architectural conditions are just as relevant as gestures of hosting, inviting, showing and authorship. In addition to group discussions, short online lectures and the site interventions, students will collectively design a publication.


The course is held in German and/or English depending on the needs and preferences of participants.
Maximum number of participants: 8

rOundabOut – 2023 ist das audiovisuelle Konzert zum Semesterende der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Studierende führen ihre Kompositionen und Arbeiten auf. Das Spektrum ist offen und reicht von elektroakustischen Kompositionen über audiovisuelle Kompositionen, Laptopmusik bis zu Live-Bands und neuer komponierter Musik. rOundabOut ist Plattform zur Artikulation von Ideen. Die Bühne ist Freiraum und Realisationsraum für die künstlerischen und musikalischen Vorgaben und Ziele der Studierenden.

Nach Absprache mit den Dozierenden können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Konzert zum Semesterende.
Studentische Organisation und Beteiligung.

Im Kurs Freihandzeichnen sollen Studierende unterschiedlicher Fachrichtungen das Zeichnen als Instrument der Darstellung und der Ideenfindung erlernen. Die Frage, wie man gestalterische Ideen veranschaulichen und visuell kommunizieren kann, wird dabei eine zentrale Rolle spielen. Zeichnen ist ein Mittel, um facettenreich verschiedene bildnerische Methoden anzuwenden, aber auch um das Sehen zu lernen, die eigene Wahrnehmung zu sensibilisieren und verschiedene Darstellungstechniken wie Perspektive, Fluchtpunkt, Licht/Schatten und Blickachsen zu beherrschen. Sowohl die klassischen Techniken als auch freies Zeichnen werden als Grundlagen vermittelt. Ein Schwerpunkt wird auf der Darstellung der Figur im Raum liegen. Die einzelnen Einheiten im Semester bauen aufeinander auf. Das Programm wird zu Beginn des Semesters vorgestellt.Der Kurs ist offen für Studierende aller Fachgruppen und verpflichtend für die StudienanfängerInnen der Fachgruppen Produktdesign und Szenografie.

The fourth edition of the Open Resource Center’s seminar series aims at developing the culture of archiving at HfG further. This time it focuses on practical skills and know-how, on the process of curating an exhibition from an archive, as well as the HfG's departmental histories and collections.

The institutional memory of HfG and the challenges of documenting both its past and present are the key occupation of Open Resource Center. The goal of this seminar is to equip interested students with knowledge of archiving and on archives, and to provoke further examinations and interpretations of HfG history through a program of guest speakers, former HfG professors and staff. The guests will present fragments of departmental histories: Michael Saup on the Media Art department, Barbara Kuon on the Theory department, Thomas Mayfried on the Communication Design department, Volker Albus on the Product Design department and Beatrix von Pilgrim on the Scenography and Exhibition Design department.

This seminar runs in parallel to the process of long-term investigation of departmental collections that ORC commences this Summer semester. Participating students are expected to present and share their fascinations with the history and present of our school's formal and informal life and to come up with creative ways of documenting an aspect of HfG.
“There is no end to what a living world will demand of you.” Octavia E. Butler, Parable of the Sower.

Performative readings and a series of experiential exercises and excursions will inform stagings derived from the sci-fi novel "Red Star". Alexander Bogdanov's protagonists on Mars struggle with the issues of their world: art, architecture, gender, education, environment, infrastructure, labor, social organization and even what it means to fall in love. They open up a space for micro-reality shifts to operate, somewhere between shapeshifting and time travel, to imagine being differently in the present. The alien environment on Mars is a useful backdrop for understanding how imaginaries can be situated, transformed and activated.

Read and staged in relation to the "Parable of the Sower" and other contemporary notions of worlding, the class will question the ways “we" sense and socialize our world(s) and propose that these constructs are always present within natural and social constellations. The readings and bodily exercises will feed into a series of stagings for time-based productions such as performance, audio, text and moving image.
The seminar will provide a theoretical framework and practical exercises for using performance methods in design. By utilizing a range of techniques and approaches, including performativity, role-play, embodiment, and processuality, we will examine how the world is created and recreated. Feeling the urgency to address the current environmental challenges, we will focus on what are our roles, responsibilities, and capacities as situated world-makers. We will deepen the understanding of designers' embeddedness within the material world.

As the wicked matters of the Anthropocene are paradoxically non-human in scale and time, we will experiment with means of expression, forms of communication, and modes of knowledge production. Following theorist Jussi Parikka's suggestion, we will think of media not from Marshall McLuhan’s point of view—in which media are extensions of the human senses—but rather as extensions of Earth.

Throughout the seminar, everybody will be invited to collectively share, learn from each other,  and develop their own ways of “Worlding”.
During the summer of 1965, I travelled across country with my younger brother, Carl, and a school friend who had a job lined up in Hollywood. Yet Berkeley—then the mecca of creative and political scholarship and action, where an important poetry conference was just about to begin—was the tangible destination. Little did I realize how this trip would affect the entire direction of my life. In retrospect it seems miraculous that being in a particular place at a particular time should activate or propel one’s life in such a purposeful way. I was perhaps already primed. I was a novice, naive young votary. I was curious to hear some of the live voices of these persons I was privately emulating. They were less predictable, far ranging, their field was much more open, expansive. So-called subject matter was explicit, tender. The poems were political, spiritual. Lines were shocking, dissonant, powerful, beautiful, lyrical, strange. The audience stayed with these poets all the way. Responsive to the point of shouting out commentary. These were not entertainments. The poet was not a politician or salesman per presence, the groping for what was it? More light? More glimmers that were poems? Outside poems? The sense that one had a personal dance or motion in the world, a “job” to do, seemed to sustain this huge bear of a man whose feet lifted off the ground as he read, arms supporting his massive frame on the podium. And his arms had waved and danced in the air as he read, gestures into the ether. This was a body poetics. And these poets had put their whole beings on the line. Was I being too roman for a liberated life. Women could be empowered, more in touch with their bodies as landscapes for writing, not imprisoned by hope and fear of being desirable, feminine. Language could stretch to these new parameters. Other cultures—ancient cultures—were being rediscovered. We could see newly, freshly, through prehistoric eyes. Sappho’s fragments were suddenly modernist poems. Ethnopoetics was as relevant—more relevant in fact—as it studied the songs and rhythms of the indigenous people of this continent—than the European canon. “Make it new”. “Projective verse”. “No ideas but in things”. “Exploratory poetics”. “Form is no more than an extension of content” “Duende. ” “Personism.” “Continuous present.” Although I never eschewed commas, Gertrude Stein said they were only good for hanging your hat on. Of course!” (Anne Waldman on the experiences which lead to establishing the Naropa Summer School programme: Jack Kerouac School of Disembodied Poetics).

We will examine ways in which to build a Winter School and propelled by this destination, the mechanics of building bricks will break off smaller imminent projects. We will study the history of off-site education, trace their lineage and plot a new target. We will learn to build chairs, draw-up space to work, write for the future, read from the past and produce books to the Greatest Hits Library (I will explain). We will ask: What could we do? More work? More paragraphs that were linebreaks? We will make various objects and attempt to open “the field”. There will be guest workshops and lectures by graphic designers, architects and perhaps a poet.
Mehrsprachigkeit ist allgegenwärtig und für immer mehr Menschen eine Selbstverständlichkeit. Sie sagt etwas über individuelle Biografien und die sich wandelnde Gesellschaft aus. Sprachen werden in unterschiedlichem Maße bewertet, wobei einige Sprachen als wichtiger oder wertvoller angesehen werden als andere. Dies führt unweigerlich zu Benachteiligungen und Marginalisierungen von Sprecher:innen weniger geschätzter Sprachen. Diesen Machtdynamiken gehen wir unter anderem auf den Grund. Wir lesen Texte von Autor:innen, schauen (Kunst)Filme und behandeln das ästhetische Potenzial von Sprachen (und Sprachlosigkeit) in der Gestaltung, in der Kunst und im Widerstand.

Grafische Umsetzungen, eigene Textbeiträge, Beiträge von Gäst:innen, Interviews, Protokolle und andere Formen im Zusammenhang mit Mehrsprachigkeit bilden die Grundlage für ein gemeinsames Buchprojekt.
Over the past few years, we have witnessed a significant shift in our multisensory encounters, as they are being increasingly enhanced and monetized through technological advancements, products, and services that are tailored to cater to our highly digitalized environment.

Many of our previous sensory-rich experiences have been condensed into streamlined digital interactions. Eating a meal, writing a letter, or meeting a friend are just a few examples of activities that are now commonly conducted through digital channels.

In this course we will explore our bodily senses in the digital age. By researching, discussing and dissecting things such as ‘having a meal’ and ‘writing a letter’ and how these previously very multisensory experiences have drastically changed along with the digital environment, trying to find out which values are important to bring with us into the future.
How can we consider multisensory worlds where we marry physical experiences with digital elements? How can we implement digital technology in a way that enhances the sensory experiences rather than over-stimulating a single sense at the expense of others?
From communication design to product design, the students will work towards the future of dining. We will work conceptually, across mediums and hands-on to investigate our relationship with technology and together render sensory realties.
4.253 Google-Rezensionen zum Thema Schwarzwald:

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Dr. Rainer Hakimi

Status: Local Guide
193 Rezensionen
2.899 Fotos

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vor 3 Jahren
Sehr schön...immer wieder, sowohl der Südschwarzwald als auch der Nordschwarzwald.
Im Süden gibt es einsame Täler und es liegt teilweise noch Schnee. Besonders schön ist die Gegend um St.Märgen und St. Peter, aber auch das Glottertal und viele andere Gegenden im Schwarzwald.

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Efel Diel
Status: –
16 Rezensionen
0 Fotos

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vor 2 Wochen
Ganz ehrlich aus meiner Sicht ein nur durchschnittliches Gebirge... Ja es gibt Bäume, Tiere und frische Luft.
W-LAN oder Starbucks im Wald? Fehlanzeige!! Hier muss dringend was getan werden

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Wenn man an den Schwarzwald denkt, dann denkt man wahrscheinlich zunächst an dichte Wälder, den roten Bommelhut, Schwarzwälder Kischtorte und Kuck-Kucks-Uhren.

Ausgehend von der Ausstellung der Sammlung zum Thema Schwarzwaldtourismus der Badischen Landesbibliothek in Karlsruhe beschäftigen wir uns mit den bestehenden visuellen Elementen des Schwarzwalds – Das Bild, das die Tourismusindustrie von einem Ort zeichnet, und der tatsächlichen Realität.

Ausgehend von einer umfangreichen Recherche zum Thema werden die Studierenden anschließend eigene künstlerische Arbeitenformulieren, die im Juli in der Landesbibliothek präsentiert werden.

Verpflichtend für alle Studierenden des ersten Studienjahrs Kommunikationsdesign.
MFFFM is a collaborative, associative, morphological, transdisciplinary journey.

In MORF FROM FORM FROM MORF, we will produce a diverse series of works using an associative, morphological method. Here we develop forms that emerge from other forms in an associative manner. The result is a series of outcomes of which each work is always a reaction to the previous work of another. The method invites us to learn new techniques, step into other disciplines and work on solutions when it is not immediately clear how to proceed. The archive of works created in this way will be diverse and experimental, it may range from material tests to performances and from videos to objects, and everything in between. The works, sometimes visible sometimes less so, will all relate to each other. But of equal importance as the works is their documentation, it is to this that your colleagues will respond, and we will work on treating documentation as central to the design process. The seminar will conclude with joint publications of this documentation.

This method will give you a toolbox that includes dealing with "failure," handling difficult briefs, flexibility of approach, and understanding the importance of documentation.
The seminar maps the socio-economic and bureaucratic backstage of the three post-conceptual and post-secular tendencies of art: 1) the techno-cybernetic, or post-human; 2) the de-colonial; and 3) the pop-performative tendency. After the collapse of conceptualist poetics, and the further collapse of socially engaged quasi-avant-garde projects, the terrain of art has played host to these three main ‘fashions’.
Despite the internalization of the avant-garde’s socially engaged legacy, art’s true episteme since the 1960s has rather been a conceptual surplus than social involvement. The negative antisocial character and vicious genealogy inherent to art since early modernist practices fostered various manipulations of this conceptual surplus, which eventually turned into the surplus value—the “metaphysical index” of art’s economics, - as Diedrich Diederichsen puts it. Regardless of whether this surplus is a cognitive gimmick (Jameson), symbolic capital enhancing the cultural impact of an artwork, or a financialized abstraction simply increasing the cost of art, it has functioned as a hidden power of contemporary art, and has been effectively disguised by art’s stated good will and emancipatory intentions. Yet, instead of continuation of art’s negativity path in its conceptualization of various modes of capitalist economy, art of the recent decade turned to the above-mentioned affirmative (positivist) tendencies ceding to the lexicons of popular culture, to the extent that the question is whether its institutional habitus can sustain further.
The current libre / open source toolset allows pushing the boundaries of book making. During the last 10 years, in a wish to go beyond limits imposed by proprietary software, designers, artists and collectives researched new ways of thinking the publishing chain. PrePostPrint, initiated by Raphaël Bastide and Sarah Garcin in 2017 is a network made up of such people, events and tools. The collective shares ways of crafting graphic objects, with alternative, libre or DIY tools or made in a certain context constrained by its economy, its emergency or its collaborative nature.

The goal of the seminar A Party to Print is to organize a party within the school, to get it documented, and to print a book about it. This book will be the party, and the party will be the book. Students will have to develop and design dedicated digital protocols and tools to live document the event, using automation, HTML to print, single source publishing, live collaboration, generative typography / layout / content…

Even if no specific knowledge is required, we will make sure to create a balanced group to collaborate on code, design, food, and event organization.
The seminar focuses on the three mutually excluding institutes of performativity: 1) Democratic agency (Chantal Mouffe, Erika Fischer-Lichte, Andre Lepecki); 2) Evental extremism (Deleuze, Nietzsche, Artaud, Ch. S. Peirce, Grotovsky) and 3) The closure of performance (Derrida, Agamben, Adorno).
It starts by questioning how various sites of performativity manifest public agencies of democratic agonism, and how the difference between mimesis and autopoesis tells on art and other performing practices. One of the central controversies in the democratic interpretation of performativity is the shift from autopoesis to the clinical solipsism and its further application in the mode of emancipation (Preciado). Сrucial in this connection is the mapping of how post-Foucauldian libertarian performative forms (Butler, Preciado, Lepecki) evade the apparatuses of subjugation and conventional forms of performing.
The second section of the seminars focuses on the description of two mutually exclusive attitudes to the act of performing. In one of them performativity is treated not so much as the process, but as the completion, implementation (Nietzsche, Deleuze, Ch. S. Peirce, Artaud). In the other attitude, any practice of representation should be superceded by failure and closure of expression or acting (Adorno, Derrida, Malabou, Agamben). The latter condition reveals why contemporary art performance is not performative and what makes performance in contemporary art epistemologically different from other performative agencies.
A, B, C … 1, 2, 3 … 1a, 1b, 1c, 2, 3a … A1, A2, B1, B2, B3 … Hierarchien entstehen in einem System aus Einzelelementen in erkennbaren Verhältnissen und Zuordnungen. Lesbar werden diese Systeme, wenn zwischen den Inhaltsebenen, sich bereichernde Zusammenhänge und Abhänigkeiten bestehen. Inhaltlich können diese Systeme aus jeglicher Art von Einzelinformationen bestehen und visuell durch sinnbezogene Kontraste, Ausprägungen und Ausgestaltungen bereichert werden.

Typografie II befasst sich mit der Analyse von Ordnungs- und Hierarchiesystemen, Strukturierung von Inhalten und der systematischen und nachvollziehbaren Aufbereitung verschiedener Inhaltstypen eines zusammenhängenden Ganzen. Der Fokus des Kurses liegt darauf, typografische Systeme visuell neu zu denken und in ihrer Eigenheit überraschend umzusetzen.

Verpflichtend für alle Studierenden des ersten Studienjahrs Kommunikationsdesign.
Projektentwicklung und Projektbesprechung
Im Seminar werden Stoffe entwickelt mit besonderem Augenmerk auf solche, die sich für eine audiovisuelle Umsetzung eignen wie z.B. Drehbücher, Projektskizzen, Projektvorbereitungen.
In recent years, there has been a new interest in Critical Theory in and from the Global South. At a time when the notion of critique came under attack in Western academia, be it due to its alleged eurocentrism or anthropocentrism, Critical Theory became a global umbrella term for interdisciplinary schools of critique, engaging with, departing from or criticizing the three “critical” discourses of Marx, Nietzsche, and Freud. With the globalization of Critical Theory, concepts of critique, criticism, subjectivity and universalism are put to the test: what is “western” or “eastern”, “northern” or “southern” cannot be answered sufficiently with reference to geography, culture and language anymore. This course engages with the debates that preceded and followed from the globalization of Critical Theory. In continuation of last semester’s course on “Critiques of Modernity,” we will interrogate the historical conjuncture of postcolonial theory and the critical canon of European philosophy.
This course introduces fundamental concepts and foundational texts of modern aesthetic theory. Departing from its Greek genealogy, aesthetic theory does not only relate to the realm of the sensible and perception (aísthēsis) but also to the imaginary, speech (rhetoric), judgment of the beautiful and the sublime, and fine art. In line with its twofold character, aesthetic theory is rooted in both discourses, a theory of (sensuous) perception and a philosophy of fine art. The stakes of aesthetic theory are thus not limited to one subdiscipline of modern (continental) philosophy but also concern epistemological, ethical, pedagogical, political, art-historical and media-theoretical questions and concepts. Besides the German aesthetic tradition (Baumgarten, Kant, Schiller, F. Schlegel, Hegel, Nietzsche, Benjamin, Heidegger and Adorno), the course will also discuss a selection of texts from 20th century French theory (Debord, Lyotard, Baudrillard, Rancière et al.), signaling the postmodern end of modern aesthetics.
“The unconscious is structured like a language” – with this famous aphorism Jacques Lacan inscribed the signifier in the realm of the unconscious and the drives. “Returning to Freud,” Lacan gave rise to a new notion of language, extending to objects, images, media and even the new cybernetic machines that were already discussed in France as early as the 1950s. In contrast to Lacan and other structural semiotizations of the mind, Félix Guattari proposed a different (non-Freudian) notion of the unconscious. For Guattari the unconscious is structured like a machine of flows (production), in which logos (representation) would no longer be primary. The dispute between the circles of Lacan and Guattari was part of the much larger debate on structuralism and poststructuralism that unfolded in France post 1968 in philosophy, anthropology, linguistics, psychoanalysis and other disciplines. Departing from this controversy, the seminar intends to highlight alternative dimensions of language in minds, markets, and machines. The previous semester’s seminar “What is abstract labour?” discussed forms of abstraction other than thought, exploring social abstraction in the dimensions of capitalist commodity exchange and technological development. Similarly, this seminar investigates forms of language beyond linguistic formalisation in the disciplines of psychoanalysis, semiotics and political economy.
Mit Rhino 3D werden nun kompliziertere Flächenmodelle gebaut. Die Vorbereitung für den Modellbau und visuelle Darstellung werden vertieft.
Es wird eine kleine Einführung in parametrisches Entwerfen geben, wie auch 3D-Druck Problemstellungen.
Das Seminar richtet sich in erster Linie an Studierende des Studiengangs Produktdesign, aber es sind Studierende aller Fachbereiche mit Grundwissen in Rhino 3D herzlich willkommen.
Das Seminar richtet sich an Studierende des Studiengangs Ausstellungsdesign/Szenografie mit Grundwissen in Rhino 3D.
Wir werden nun kompliziertere 3D-Modelle herstellen und tiefer in die Themenbereiche Vorbereitung für Modellbau, Visualisierung und Umsetzung von Ausstellungsplanung eingehen.
Gestaltung von 3D-Objekten mithilfe von festlegbaren Parametern bzw. Variablen. Dabei wird mit dem nodebasierten Plugin "Grasshopper for Rhino", eine Art grafische Formel zur Schaffung neuer Geometrie erzeugt.
Für Gestalter eröffnet sich eine neue Ideenwelt und sogar die Möglichkeit, Abläufe der 3D-Planung zu automatisieren. Es können Berechnungen unter Nutzung von evolutionären Algorythmen, wie auch Künstlicher Intelligenz durchgeführt werden.
Zusätzlich wird es eine kleine Einführung in das Thema "Arduino" geben, denn auch externe Sensorik kann mit Grasshopper verknüpft werden.
Grundkenntnisse in Rhino 3D sind erforderlich.
Das Mittelmeer als Ort, als Grenze, als Raum — für Wind, Wellen und Grund, für Reisen, für Flucht, für Meeresbewohner, Wirtschaftsgüter und Narrative, für Fernweh, für Erinnerungen, für Stagnation, für Bewegung und Ströme.

Mit Bewegtbild als Medium werden wir In diesem Seminar aus unterschiedlichen Perspektiven auf das Mittelmeer blicken, recherchieren, dokumentieren, erarbeiten und kommunizieren, an der HfG und vor Ort.

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The Mediterranean Sea as a border, as a place, as a space - for wind, waves and ground, for journeys, for escape, for sea dwellers, cargo ships and narratives, for longing, for memories, for stagnation, for movement and currents.

Using moving image as a medium, In this seminar we will look at the Mediterranean from different perspectives, research, document, work and communicate, at the HfG and on-site.

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Language: German and/or English

In dem Seminar “Public, Concrete 2.0” untersuchen wir das Potential öffentlicher Betonflächen als Aufenthaltsorte. Der Vorplatz der HfG dient hierbei als Testgelände. Welche Eigenschaften und Eigenarten bringt dieser Platz mit sich? Wie, wann und von wem wird der Vorplatz genutzt? Welche Eingriffe können Gestalter:innen vornehmen, um die Aufenthaltsqualität des Platzes zu verbessern? Ausgehend von diesen Analysen sollen Entwürfe und Prototypen für temporäre Architekturen, Interventionen oder mobile Aufenthaltsorte entstehen.

Der Fokus liegt auf der praktischen Umsetzung einer Idee. Ausgehend von einem Grundkonzept soll dieses in verschiedenen Maßstäben, Materialien und Stadien konkret am Entwurf besprochen und weiterentwickelt werden. Nach einer Zwischenpräsentation in der Mitte des Semesters sollen die Entwürfe in Form von benutzbaren Prototypen zum Rundgang auf dem Vorplatz installiert werden. Der Moment des Rundgangs dient dabei als Inspiration, wie ein solcher Platz durch ein temporäres Programm aktiviert wird. Die entstandenen Entwürfe können dieses unterstützen oder um weitere Nutzungsszenarien erweitern.

Sowohl Einzel- als auch Gruppenarbeiten sind möglich. Das Seminar richtet sich auch explizit an Studierende, die an dem vorangegangenen Seminar im Wintersemester noch nicht teilgenommen haben.

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In the seminar "Public, Concrete 2.0" we investigate the potential of public concrete squares as whereabouts. The forecourt of the HfG serves as a testing ground. What characteristics and peculiarities does this square bring with it? How, when and by whom is the forecourt used? What interventions can designers make to improve the quality of the forecourt? Based on these analyses, designs and prototypes for temporary architectures, interventions or mobile places to stay will be developed.

The focus is on the practical implementation of an idea. Starting from a basic concept, this is to be discussed and further developed concretely on the design in different scales, materials and stages. After an interim presentation in the middle of the semester, the designs will be installed in the form of usable prototypes for the Rundgang of the forecourt. The moment of the Rundgang will serve as inspiration for how such a square can be activated by a temporary program. The resulting designs can support this or extend it with further usage scenarios.

Both individual and group work is possible. The seminar is also explicitly adressed to students who have not yet participated in the previous seminar in the wintersemester.
Some things seem to come from on all-embracing truth. Like a Rabobank ATM card, which has exactly the right size to slide smoothly into every payment slot on every continent; or South Korean screw threads, which conform to any given pitch around the world; or the AAA+ batteries from Kenya, which seem to just perfectly fit into every device around the world. Yet what might look like a global monopoly at first glance, is actually the result of the intense standard-making activity by institutions like the International Organization for Standardization (ISO). A growing number of such organizations develop technical criteria, that are applied to an increasing number of components, products and processes all around the world, reaching from the microscopic to the gigantic, making the world a more unified and uniform place.

There seems to be a standard for almost everything today. There are standards for JPEGs and MPEGs, books, magazines, and music, for computer protocols, the font format OFT, RFID-chips, containers, car seats, colour systems by Pantone and paper formats. There are standards for the bristles of tooth brushes, iron ore mining techniques and spacecrafts. There is even a standard glass for wine tasting (ISO 3591:1977), a standard for black tea (ISO 6078:1982) and for cooking pasta (ISO 7304-2:2008). Unsurprisingly, the incessant standardization of everything by ISO and like-minded organizations is described by critics as a “world-state” and “world-cultural authority”.

Nevertheless, companies and governments all around the world trust standardizing bodies like ISO almost blindly, since they are often regarded as strongholds of objective, rational activity. Inside its offices and labs, trustworthy engineers, “technical committees” and “independent technical experts” develop standards based on scientific theories, experiments and arguments, as well as a consensus-seeking voting process. Equally, ISO uses the supposedly objective language of science for their documents. Statistics, graphs, diagrams, forms, grids, technical illustrations and scientific codes pretend a standardization process free of political ideology, solely guided by rational thinking.

However, although ISO-standards are rendered in the language of science, they are not as apolitical as some would wish. Quite the opposite is the case, as Keller Easterling argues in her book Extrastatecraft, since standards “determine how objects and content are organized and circulated and thereby (…) make certain things possible and other things impossible.” For example, ISO-standards aim to remove global trade barriers and make economic exchange more efficient. By doing so, their predefined formulas make the extraction of raw materials easier, help to intensify their transport around the globe, accelerate industrial production processes and contribute to its related CO2-emmissions. Additionally, the implementation of global standards has also often replaced local forms of labour and knowledge, thereby marginalizing certain bodies, genders, communities and social relations that don’t meet the prewritten standards. All of these dimensions–extraction, exploitation, uniformity, inequality, and so on–lie hidden under the surface of the thousands of standardization documents produced by ISO and similar organizations to this day. And all of them rendered in the crystal-clear words and indisputable images of technoscience.

In the seminar Setting Standards, we will challenge, uncover, deconstruct and question global standardization practices within Graphic Design and beyond. By hacking some of the standardizations and its visual languages, we will imagine how vernacular measurements and formats, not informed by economic efficiency and means of production, can represent more diverse, compassionate and entangled tales of life.
Das Brechtfestival Augsburg hat sich unter neuer Leitung von der selbstreferentiellen Frage nach der Aktualität des Brecht'schen Werkes verabschiedet und folgt stattdessen der von Frederic Jameson ausgerufenen Forderung nach der Erforschung Brecht’scher Welten. Damit folgt es auch dem Schlusswort der Brechttage der DDR von 1983, indem es ein Ende der leeren Ableitungen seiner Werke fordert. Das Festival wird sich also von der Umverteilung kanonischer Ideen und Produkte verabschieden und stattdessen die Produktion selbst in Mittelpunkt stellen. In Anlehnung an die produktivistischen Künstler der frühen Sowjetunion
wird Brechts eigener Wunsch, dass seine Ideen "benutzt, verbraucht" werden, uns zu einer Idee der "Nützlichkeit" bewegen, die das Soziale als Feld der künstlerischen Praxis versteht, wobei diese sich gleichzeitig einer simplistischen Funktionalisierung widersetzt. Hierfür implantiert sich das Festival für die Ausgaben 2023, 2024 und 2025 jeweils in andere Stadtteile und widmet sich mit Künstler*innen und Nicht-Künstler*innen der Arbeit des notwendigen Vergehens aller Dinge, ergo „Der Großen Methode“.

Teil des Seminars sind zwei Exkursionen nach Augsburg-Oberhausen:
Exkursion 1: 25.05. - 27.05.
Exkursion 2: 06. - 07.07.

HfG-Studierende sind eingeladen im SoSe 23 ortsspezifische künstlerische Projekte zu realisieren, deren Arbeitsstände beim HfG-Rundgang am 21.07.2023 im Rahmen eines Showings präsentiert werden. Premiere feiern die Arbeiten dann beim Brechtfestival Augsburg 2024 (23.02. - 03.03.2024).

Rückblick Festivalausgabe 2023:
https://www.instagram.com/brechtfestival/

Vorbereitende Lektüre:
Bourdieu, Pierre; Wacquant, Loïc (2006 [1996]): „Die Logik der Felder.“ In: Reflexive Anthropologie. Frankfurt a. M.: Suhrkamp. 124 - 147.
Jameson, Frederic (2016): „An American Utopia.“ In: AN AMERICAN UTOPIA. Dual Power and the Universal Army. Ed. Slovoj Zižek. 1-96.

Beginn: 24.04., 10:00 - 13:00; 08.05., 10:00 - 13:00; 05.06., 10:00 - 13:00; 19.06., 10:00 - 13:00; 10.-14.07., 10:00 - 17:00; 17.07.-21.07., 10:00 - 17:00
Ende: 21.07.
Begriffe der postkolonialen Theorie sind heute allgegenwärtig. Im Feuilleton, auf Social Media, in der Popkultur oder an der Universität finden wir sie, zumeist ihres ursprünglichen Kontextes enthoben. Mit ihrer Hilfe werden Shitstorms produziert, ganze Institutionen oder gar Städte (angeblich) dekolonisiert oder ganz individuell Sprach- und Verhaltensänderungen eingefordert. Für manche sind sie unabdingbarer Teil der eigenen woken Identität, für andere wiederum Ausdruck eines neuen Autoritarismus progressiver Kräfte. Jenseits dieser gegenwärtigen Kulturkämpfe wollen wir uns in diesem Lektüreseminar eingehend mit einigen zentralen Begriffen der postkolonialen Theorie auseinandersetzen und nachvollziehen aus welchen Diskursfeldern und konkreten historischen Situationen und Kämpfen sie entstanden sind.
The seminar proposes to study the increasingly ubiquitous role played by Large Language Models and tools such as Chat GPT, Dall-E, DeepL and crowdsourced Online Translation Services, by investigating their historical development, technical form, and their current impact on society. Despite the increasing interdependence between translation and technology, the advent of machine translation has been poorly understood from a philosophical and political perspective. Paraphrasing Naoki Sakai (1996), we should therefore ask “What sort of social relation is machine translation in the first place?” Translation cannot be seen simply as an operation of equivalency or transfer, but rather must be considered in a discussion about the production of social relations in which it “assumes a vital historical role akin to that played by labor in the constitution of the social” (Solomon & Sakai 2022). To understand machine translation—and the work of translation—is therefore to provoke a discussion about automation in general and the automation of knowledge and mental labour in particular.

For more info https://kim.hfg-karlsruhe.de/translation-after-chatgpt/
„It matters what matters we use to think other matters with; it matters what stories we tell to tell other stories with; it matters what knots knot knots, what thoughts think thoughts, what descriptions describe descriptions, what ties tie ties." Donna Haraway

Worldbuilding ist eine Methode, die zur Gestaltung von Science-Fiction- und Fantasy-Erzählungen in Film, Videospielen und Literatur verwendet wird. Es handelt sich um eine Praxis, bei der eine holistische Welt entworfen wird, aus der eine unendliche Anzahl von Erzählungen entspringen können. Ausgehend von Gayatri Spivaks Konzept des Worldings werden wir digitale und analoge Artefakte generieren, die als Startpunkte für eigene alternative Zukünfte fungieren. Durch die Entwicklung konkreter Artefakte werden die Details unserer geschaffenen disruptiven Welten zum Leben erweckt. Fiktion, Storytelling und Szenografie stehen im Fokus dieses Seminars. Die Teilnehmenden sind eingeladen, eigene Projekte unterschiedlicher Formate zu realisieren.

Disruptive Worlding II ist eine Fortsetzung des gleichnamigen Seminars aus dem letzten Semester von Charlotte Eifler und wird dieses Semester in Zusammenarbeit mit Ebba Fransén Walhör und der Kuratorin Agnieszka Roguski durchgeführt. Es beinhaltet eine Exkursion zu der Gruppenausstellung WORLDBUILDING: Videospiele und Kunst im digitalen Zeitalter in Düsseldorf Anfang Mai.
Otium is a Latin term for leisure time that includes various activities related to relaxing, playing and contemplation, as well as to creative and intellectual pastime. Leisure is the time spent by an individual on activities which are an end in itself. It is the time free from alienated labour, need of earning money and doing anything for one’s economic survival.
Тhe first part of the seminar in the winter semester was focused on cultural history and sociological aspects of leisure, in the summer semester we will concentrate on cultural practices and activities, which can be considered as contemporary forms of leisure and idleness. For instance, traveling, making art with no career purposes or simply doing nothing can be considered either as practices of recreation, or as forms of escapism, acts of intellectual non-compliance, or even as passive political and social resistance. An ambivalence of their possible conceptual framing questions ideological underpinning of current narratives of self-improvement and self-fulfillment and their bio-political implications.
In the last two decades, discussions about artistic research have flooded contemporary art discourse. Since the “early noughties”, countless thematic symposia, conferences, exhibitions and seminars on artistic research have taken place. In a relatively short period of time, it has become a normative institutional paradigm in the academic art system. While sharing a general criticism of this tendency as yet another manifestation of the need to rebrand artistic practice according to current trends in cultural and educational policy by creating new, fitting ‘isms’ and concepts, the seminar will attempt to grasp the essence, causes and, above all, possible consequences of these developments for artistic practice. In particular, it will focus on pivotal publications, representative art projects and various methodological and conceptual approaches to artistic research. The course will be accompanied by a series of guest lectures, which will present relevant examples of artistic research in contemporary art practice.
In this class we dive into found images, found photographs or footage of all kinds. How can found images serve as a source of inspiration? How can building a personal collection of imagery help overcome a writer’s or maker’s block? What does artistic research look like, and how to best incorporate it into your creative practice? We will reflect at a theoretical level upon the legacy of the archival and documentary turns in contemporary art. Each participant will create and develop work from and beyond borrowed material, employing diverse tactics such as cut-ups, montage, appropriations, re-enactments or interventions.

In diesem Kurs tauchen wir ein in gefundene Bilder – gefundene Fotografien oder Filmmaterial aller Art. Wie können gefundene Bilder als Inspirationsquelle dienen?
Wie kann der Aufbau einer persönlichen Bildersammlung dabei helfen, eine „Schreibblockade“ oder eine „Macherblockade“ zu überwinden?
Wie sieht künstlerische Forschung aus und wie kann man diese am besten in der eigenen kreativen Praxis integrieren? Wir werden auf theoretischer Ebene das Erbe des Archival Turn und des Documentary Turn in der zeitgenössischen Kunst reflektieren. Jeder Teilnehmer wird Arbeiten aus „geliehenem“ Material und darüber hinaus schaffen und entwickeln, indem er verschiedene Taktiken wie Cut-ups, Montage, Aneignungen, Nachstellungen oder Interventionen anwendet.
How can you get the life you want? Are there skills which can be learned to help you achieve that?
What do I want to do with my adult life? What am I going to do when I finish studying? Questions like these never really go away, creating anxiety for just about everyone. At the same time, these questions should never disappear, as we should never stop developing and growing. This seminar looks into what artistic and creative design principles we can apply to our daily lives, on a personal and creative level. Befriending doubt. Discarding falsely framed questions and dysfunctional beliefs. Testing the waters. Various ideas and techniques will be examined, elaborated upon and put into action.

Wie kannst du das Leben bekommen, das du dir wünschst? Gibt es Fähigkeiten, die man lernen kann, um das zu erreichen?
Was will ich mit meinem Erwachsenenleben anfangen? Was mache ich nach dem Studium? Fragen wie diese werden nie ganz verschwinden, und sie lösen bei fast allen Menschen Ängste aus. Gleichzeitig sollten diese Fragen niemals verschwinden, da wir als Individuen nicht aufhören sollten, uns zu entwickeln und zu wachsen. Ein Seminar, das untersucht, welche künstlerischen und kreativen Gestaltungsprinzipien wir in unserem täglichen Leben auf einer persönlichen und kreativen Ebene anwenden können. Falsch formulierte Fragen und dysfunktionale Glaubenssätze ablegen. Sich mit Zweifeln anfreunden. Das Wasser testen. Verschiedene Ideen und Techniken werden untersucht, vertieft und in die Tat umgesetzt.
DE

Klang definiert den Raum und unsere Wahrnehmung von ihm, er bewegt uns auf emotionaler Ebene. Aber wie definiert der Raum den Klang? Und wie verhält sich der Klang zum Visuellen?

In diesem Seminar werden wir eine Szenografie für eine musikalische Aufführung mit einem Orchester von 20 jungen Instrumentalist*innen entwickeln, in einer experimentellen Komposition von Michael Maierhof. Die öffentliche Aufführung wird in der ersten Septemberwoche im Lichthof der HfG stattfinden. Ziel des Projekts ist es, den Lichthof als Gegenstand einer künstlerischen, akustischen Auseinandersetzung zu thematisieren, die weit mehr zu bieten hat als das klassische Dispositiv des Konzertsaals.

Die Studierenden können einerseits selbstständig Soundkonzepte und visuelle Interventionen für den Lichthof entwickeln oder auch Module erstellen, die in die Komposition Michael Maierhofs eingearbeitet werden. Außerdem haben sie die Möglichkeit, mit den jungen Musiker*innen vor Ort in der Probenwoche, Klangideen zu entwickeln.

Das Projekt wird in Workshops entwickelt, in denen mit Klang, Licht, Objekten und selbstgebauten Instrumenten im Lichthof experimentiert wird. Wir werden die Beziehung zwischen Klang und Körper untersuchen und mit der Position des Publikums und dessen Beteiligung experimentieren.

Die Studierende sollten sich verpflichten, während der Probenwoche und Aufführung im September teilzunehmen.

Das Projekt ist eine Zusammenarbeit zwischen dem Hamburger Komponisten Michael Maierhof und den fast 20 Instrumentalist:innen des Landesjugend-Ensembles Neue Musik BW unter der Leitung von Christof M. Löser und mit Ebba Fransén Waldhör als szenografische Leitung.


EN

Sound defines space and our perception of it, it moves us emotionally. But how does space define sound? And how does sound relate to the visual?

In this seminar we will develop a scenography for a musical performance with an orchestra of 20 young instrumentalists, in an experimental composition by Michael Maierhof. The performance will take place in the atrium of the HfG during the first week of September 2023.

The aim of the project is to thematize the atrium as the subject of an artistic, acoustic confrontation, which has a lot more to offer than the classical dispositif of the concert hall. The students can develop performative and installative sound and light work as either independent or supporting components within the ensemble project "Emitting Space" by Michael Maierhof. In addition, they have the opportunity to develop spatial sound ideas with the young musicians on site during the rehearsal week.

The project will be developed in workshops where we will experiment with sound, light, objects, and self-made instruments in the atrium. We will explore the relationship between sound and bodies, and experiment with audience position and particpiation.

Students participating should commit to working during the rehearsal week and public performance in September.

The project is a collaboration between the Hamburg composer Michael Maierhof and the nearly 20 instrumentalists of the Landesjugend-Ensemble Neue Musik BW under the direction of Christof M Löser, and Ebba Fransén Waldhör as scenographic supervision.


Am Thema Urheberrecht kommt man im Bereich der Kreativwirtschaft kaum vorbei. Ob Texte, Grafiken, Fotos, Filme oder Softwarecode - viele Arbeitsergebnisse von kreativen Schaffensprozessen sind urheberrechtlich geschützt. Daher sind sowohl für die Kreativschaffenden selbst, als auch diejenigen, die solche urheberrechtlich geschützten Werke nutzen wollen, Grundkenntnisse des Urheberrechts dringend erforderlich. Im Workshop werden anhand von konkreten Beispielen aus der Praxis die wesentlichen Regelungen erläutert und Wege aufgezeigt, um die wirtschaftliche Verwertung von Urheberrechten abzusichern.
Dem Austausch von Leistungen liegt immer ein Vertrag zugrunde. Auch Gestalter*innen und Künstler*innen schließen mit ihren Kund*innen, Auftraggeber*innen oder Kooperationspartner*innen Verträge. Im Workshop werden Grundlagen des Vertragsrechts und der Vertragsgestaltung vermittelt und Mindestinhalte verschiedener Vertragstypen dargestellt (z. B. Kauf- und Leihvertrag, Produktionsvertrag, Ausstellungsvertrag).
Wer eine Geschäftsidee hat, stellt sich in der Regel zwei Fragen: Wie lässt sich gewährleisten, dass es die oder der Kreativschaffende selbst ist, welche*r die Idee vermarktet, und nicht jemand anderes?
Die zweite Frage zielt auf die rechtlichen Möglichkeiten ab, eine Geschäftsidee zu schützen.
Für Geschäftsideen und Neuentwicklungen können, sofern entsprechende Voraussetzungen vorliegen, Gebrauchsmuster sowie ein Patent angemeldet werden. Im Angebot werden anhand von Beispielen die unterschiedlichen Möglichkeiten skizziert.
(English version below)

Mit ChatGPT, Midjourney, Dall-E, modl AI Engine, Charisma AI, GANimator, Spellbrush, Soundraw etc. steht uns heute ein unvorstellbares Arsenal an Werkzeugen zur Erstellung von Inhalten für interaktive Erlebnisse zur Verfügung. Im Seminar werden unterschiedlichste KIs zum Einsatz gelangen. Der praktische Kurs richtet sich an alle, die Inhalte erzeugen und sich dabei von den genannten Tools helfen lassen. Wir beleuchten kritisch die Möglichkeiten und Grenzen dieser Tools, wohin führt ihr Einsatz, was verändert sich in der Erstellung digitaler Artefakte durch ihren Einsatz. Welche Instanz nimmt die Künstlerin in diesem Prozess ein, welche Entscheidungen werden wann, wie und von wem getroffen?
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AI Guided Assetproduction for interactive experiences, games and everything else

With ChatGPT, Midjourney, Dall-E, modl AI Engine, Charisma AI, GANimator, Spellbrush, Soundraw etc. we have an unimaginable arsenal of tools at our disposal for creating content for interactive experiences. A wide variety of AIs will be used in the seminar. The practical course is aimed at all those who create content and are helped by the before mentioned tools. We will critically examine the possibilities and limitations of these tools, where their use leads, what changes in the creation of digital artifacts through their use. Which instance does the artist take in this process, which decisions are made when, how and by whom?
Schlaf ist essentiell. Er garantiert körperliches und psychisches Funktionieren, aber auch die Fähigkeit, überhaupt etwas ins Entstehen zu bringen. Wenn es in einer der großen Schöpfungsgeschichten heißt: „Es wurde Abend und es wurde Morgen. Daraufhin ließ Er ihn in einen tiefen Schlaf fallen und entnahm ihm eine Rippe […]“, so ist Schlaf hier als Grundbedingung für einen schöpferischen Akt zu sehen. Gleichsam ist durch ihn die Zeit, in der etwas geschaffen werden kann, begrenzt. Zeugnisse davon, die Dauer des Schlafes auf ein Minimum zu reduzieren und den Tag in mehr als zwei Intervalle zu teilen, geben Aufzeichnungen und Berichte über schöpferisch tätige Menschen wie etwa Leornardo, Franz Kafka, Buckminster Fuller u.a. In einem zentralen Sinne sind Leben (und auch Künste) also von der notwendigen Wiederholung einer Funktionsunterbindung geprägt und davon, sich kurzfristig unverfügbar zu machen im Sinne einer temporären Weltentzogenheit. Denn wer schläft, verliert das Bewusstsein und die Kontrolle über sich und andere. In der Suspendierung von Wahrnehmung ruhen gleichsam alle Kapazitäten von Produktion, Steuerung und Macht, hingegen wird menschliche Verwundbarkeit bloßgelegt. Was ist Schlaf: eine Form von Abwesenheit? Erbauung zur Erhaltung von Produktivität? Unterbrechung der Verwertungslogik? Selbstverdauung? Eine Tarnkappe gegen Überwachung und Kontrolle? Die Minimalform von Frieden? Eine Todesübung? Selbstentsagung? Selbstsuspendierung? Vorübergehende Nichtheit? Eine geheimnisvolle Endomorphose? Als Thema der Künste zu allen Zeiten erschließt der Schlaf eine Vielzahl formal-ästhetischer, künstlerischer und politischer Fragestellungen, denen das Seminar aus vier Perspektiven nachgehen will: kunsthistorisch-medienperformativ / philosophisch-ontologisch / räumlich-performativ / politisch.
Das Theorieseminar enthält praktische Anteile (Block). Studierende sind eingeladen, ihre eigenen Arbeiten einzubringen, Verarbeitungen der Seminarinhalte und im Seminar entwickelte eigene Ansätze werden auf dem Rundgang präsentiert.

Format
- Vier Vorlesungen mit Seminar und Diskussion im Anschluss
- Zwei Reading Sessions mit drei vorzubereitenden Texten

Termine
- 20.04. 19:00 - 20:00 Vorbesprechung (remote)
- 27.04. (VL 1+SE)
- 11.05. (VL 2+SE)
- 25.05. (reading)
- 09. + 10.06. praktischer Block
- 22.06. (VL 3+SE)
- 06.07. (VL 4+SE)
- 20.07. (reading + Wrap-Up)
- praktischer Block (voraussichtlich 09. + 10.06. oder 24. + 25.06.)
- Präsentation Einzelarbeiten Rundgang

Scheinerwerb
Kurzreferat + Hausarbeit (15-20 S.)
Kurzreferat + praktischer Beitrag Rundgang + vertiefte Reflexion (8-12 S.)
Evidenced by the current popularity, especially in the art world, of Le Guin’s short essay "The Carrier Bag Theory of Fiction," narrative storytelling appears to be exercising a new, cross-disciplinary fascination. The relationships of story to storyteller, of story to reality seem to promise, after a long hibernation as unfashionable preoccupations, fresh approaches to the problem of the social value of creative labor. This course will examine another “unfashionable” 20th-century attempt at this problem, Marxist-Leninist literary criticism, through one of its most popular and most controversial proponents, the Jewish-Hungarian philosopher Georg Lukács. Betraying the capitalist, bourgeoise class into which he was born, Lukács became one of the leading interpreters of Marx in the West before emigrating into the Soviet Union upon the rise of Fascism in Europe. Under the dictatorship of Stalin, Lukács would produce a wealth of programmatic texts mapping out a peculiar but also very representative theory of realist aesthetics, in which “truth” supervenes latently upon the artwork *despite* the ideology of the author who brought it into existence. We will not only closely read and dissect several prominent texts of this period of Lukács’s activity but will also investigate their conceptual origins and surprising resonances in contemporary “reparative” (queer, post-colonial, eco-feminist) reading practices.

The seminar will be held in either English or German, depending upon the competencies of those in attendance.
Game Culture, Game Design, Game Studies – das Forum Ludorum ist die Austauschplattform und Kernveranstaltung des Gamelab der HfG für kulturelle und wissenschaftliche Diskurse sowie gestalterische Aspekte zum interaktiven Medium Computerspiel. Gemeinsam analysieren und diskutieren wir über aktuelle Entwicklungen, Debatten, alte und neue Games. Dabei stellen wir gesellschaftliche, historische, intermediale und popkulturelle Bezüge her. Die Themen des Semesters werden gemeinsam ausgewählt. Eigene Themenvorschläge und Vorstellungen von Projekten sind herzlichst willkommen.
Das Forum wird vor allem, aber nicht ausschließlich Erstsemestern und Neuankömmlingen empfohlen.
KIT-Studierende können im Rahmen des Seminars einen Leistungsschein Fachtheorie im Ergänzungsfach Medienkunst (6 ECTS) erwerben. Die Anforderungen für den Erwerb eines Leistungsscheins sind ein Referat und eine wissenschaftliche Ausarbeitung zu einem selbst gewählten Thema aus dem Bereich Games. Das Seminar ist offen für Studierende aller Studiengänge. Auch Personen ohne Leistungsscheinbedürfnisse sind herzlich eingeladen, mit uns zu diskutieren, ihre Projekte oder Themen vorzustellen.

Das Seminar wird wieder hauptsächlich vor Ort und selten über den HfG GameLab Discord durchgeführt.


(English version below)

Coffee & Game development ist ein Einstiegskurs in die Welt der
Spieleentwicklung. Dabei nehmen wir uns die Unity Engine als Game
Engine zu Hilfe, um zu lernen, was man dort alles umsetzen kann.
Außerdem lernt ihr die Basics des C#-Codens. Am Ende entwickelt jede
Person dann ihr eigenes Game. Da ein Videospiel eine Kombination aus
vielen verschiedenen Medientypen ist, werden wir versuchen eine Idee
von den Tools zu bekommen, um diese zu einem Game zusammenzufügen.
Für den Kurs sind keine Vorkenntnisse in der Unity Engine oder im
Programmieren erforderlich.

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As a beginner course Coffee & Game development is an introduction into
the world of game development. We are working with the Unity Engine as
game engine and you'll learn the basics of C# coding. In the end
every participant will develop their own game. Since a game consists of
many different types of media, we will try to get an idea of how to
combine them in a game using Unity's different tools.
For this course you don't need any previous skills, neither in coding nor
inside the Unity Engine.
DEU
Panorama, Diorama, Small-Scale Installationen und protocineastische Apparaturen bilden den Ausgangspunkt einer zunächst theoretischen, d.h. kunstwissenschaftlichen sowie kunsthistorisch informierten Auseinandersetzung mit technisch-basierter Wahrnehmung, Aufmerksamkeit für Übersehenes und performativ-interaktiven Seherfahrungen.
Im Seminar befassen wir uns darauf aufbauend mit der Verräumlichung von Bildern, dem Kurzschluss von Realem (Umgebung) und Fingiertem (Simuliertem) als Clash von Bewegtbild und Umgebung, mit der Codierung von Räumen auf akustischer, bildlicher und materieller Ebene sowie mit der Performativität von veränderten Größenverhältnissen. Die reflexiven und interaktiven Beziehungen von Bild und Umgebung (auch hinsichtlich Brückenschlägen in virtuelle Welten und deren Einfluss auf die Neukonstruktion physischer Räume) werden im Seminar mithilfe geeigneter Analysekategorien zunächst theoretisch und anhand von Beispielen erarbeitet und sodann praxisorientiert umgesetzt. Video- und Klanginstallationen, Akustik-basierte Settings, Umgebungs- und Site-spezifische Arbeiten, Found-Footage orientierte Videoarbeiten, aber auch Simulationen oder Small-Scale Dioramen u.a. bilden dabei das Spektrum, das durch die Entwicklung eigener Settings für performative Rezeptionserfahrungen individuell erschlossen wird. Die so entstehenden Arbeiten werden in einem öffentlichen Showing zum Ende des Semesters (etwa auf dem Rundgang) gezeigt. Das Einbringen und Weiterentwickeln eigener Arbeiten und das Entwerfen von Projekten aus dem Seminarkontext heraus ist also sehr willkommen. Nach Bedarf kann dies auch in einem praktischen Block passieren.


EN
Panorama, diorama, small-scale installations and protocineastic apparatuses form the starting point of an initially theoretical, i.e. art-scientific as well as art-historically informed examination of technically-based perception, attention to the overlooked and performative-interactive visual experiences.
Building on this, the seminar will deal with the spatialization of images, the short-circuit of the real (environment) and the imagined (simulated) as a clash of moving image and environment, with the coding of spaces on an acoustic, pictorial and material level as well as with the performativity of altered proportions. The reflexive and interactive relations of image and environment (also with regard to bridging into virtual worlds and their impact on the physical space) will first be worked out theoretically and by means of examples in the seminar with the help of suitable categories of analysis and then be implemented in a practice-oriented manner. Video and sound installations, acoustic-based settings, environment- and site-specific works, found-footage oriented video works, but also simulations or small-scale dioramas etc. form the spectrum, which will be individually explored by developing own settings for performative reception experiences. The resulting works will be shown in a public showing at the end of the semester (e.g. on the Rundgang). Bringing in and further developing own works and designing projects out of the seminar context is very welcome.
Wir bleiben in diesem Semester bei dem Thema Netzwerkmusik und verbinden das Live-Jammen mit den Online-Möglichkeiten.
Es werden künstlerische und musikalische Konzepte für ein audiovisuelles Label entwickelt. Schwerpunkte sind performance- und konzertorientierte Events.
Jammen - Entwickeln - Performen . . . in regelmäßigen Abständen sollen gemeinsam eigenes Instrumentarium und Kollaborationskonzepte ausprobiert werden.

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen

Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche!
Programmieren und Probieren mit C, Python, Java, SuperCollider, Max / Msp / Jitter
Aufbauend auf der Vermittlung von Grundlagen der Programmierung werden eigene Projekte entwickelt: Live-Coding, Netzwerk-Konzerte, physikalische und mathematische Grundlagen für Simulation und Anlyse in verschiedenen Sprachen.

Digitale und analoge Klangerzeugung, Interaktion, visuelle Analyse und Synthese, generiert und programmiert unter verschiedenen Environments der Medieninformatik.
Es werden Objekte und Verfahren in Beispielen besprochen und in Übungen und Projekten klangliche, musikalische und visuelle, szenische Anwendungen entwickelt.

Es werden Semesterthemen gewählt.

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.

Leistungsschein Medienkunst oder Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst
Veranstaltungssprache Deutsch & Englisch

Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche!
Design DNA:

We will explore our role as designers in the time we live in, and I will stimulate (real or fictive) collaborations with entities, companies or bodies whose philosophy appeals to us. That can be very diverse: from a research laboratory to a DYI store, from a funeral undertaker to a political party, or from the local bakery to a fashion label. We will conduct research into different bodies and brands; we will immerse ourselves in their vision, analyse their scope of activities and entire production process.

Following, we will make a relevant design in order to enrich the entity of your choice with something that is in line with its purpose, production techniques and use of materials.

Objectives:
Together, we will develop a clear brief related to our own fascinations and relevant topics in the field of design and the time we live in; and related to the entity or collaborator of our choice. We will develop a design from an original idea and artistic vision.
The design can be a product, a piece of furniture, an accessory, a service, an installation or a proposal for a new way of producing with an exemplary design.

Deliverables:
1:1 or scale model, depending on the size and typology of the project
Pictures of the project in context
Information about production methods, proportions, etc
Research/process booklet: Synthesis of the semester, including inspirations, selected sketches, photos of models and other tests, samples, etc.

Planning:
We will have ‘collaborator' visits/lectures during this semester and we will meet biweekly in groups and later individual to discuss your projects (mainly at HfG, occasionally online).
25/26 April: launch of project, introduction/lecture, design dialogues (interviews & objects: discussion preliminary research in groups).
The first weeks of the semester focuses on (theoretical) research in which we explore our position as designer (How can you function in such a versatile discipline while maintaining your own vision? How do you form partnerships with extremely diverse clients? Which ones? How to design with relevance and purpose?)
The second part focuses on the (hands-on) design process. (How to translate ideas in the most appropriate forms and materials)
This course equips musicians with practical, hands-on skills for building their own musical circuitry or for modifying existing audio hardware. It offers practical knowledge of electronics useful for sound creation, noise making and music interaction. Participants are introduced to soldering and assembling audio circuits on breadboards (or perfboards) in the context of audio composition, live performance and sound art. A major portion of the course will be devoted to hardware prototyping, including test and fault finding sessions. The emphasis will be upon the designing of electronic instruments as well as interfacing transducers and developing alternative controllers. Artistic and practical use of the circuits will also be explored and discussed. Finally, it is planned to carry out a concert performance with self-made electronic instruments at the end of the semester.
The course explores forms, architectures, conditions, modes, and transfers of acoustic perception in medial spaces by focusing on the developments in the production of spaces and perceptual worlds through innovation in art, design, and VR technologies.

Challenging common assumptions about “natural,” “augmented,” and “virtual” realities, participants are invited to consider what, for example, a “supernatural” reality (SNR) might be if we acknowledge that different forms of world-making interact as “combined universes” (Cristofol).

An everyday confrontation with acoustic virtual realities, such as in the car, at the workplace, in the context of intelligent living, at concerts, and in computer games, is imminent. But who creates these virtual environments, and with what intention? And how can media studies, sound art, architecture, and sound design contribute to understanding these spatial realities with their particular strategies aesthetically, but also exploratively and research-wise?

This gives rise to the following research questions:
What can we learn from the interstices and frictions between the different modes of reality production and their inherent technical logic? How can we perceive these spaces of different realities together, and how do these experiences communicate with each other?
What approaches do sound art questions and artistic as well as design-based practices provide for these endeavours?

Continuing the questions and experiences of the last semester with virtual sound environments, this semester's artistic research will focus on sound installations and acoustic interventions in public spaces. First, practical-technical as well as artistic-aesthetic questions will be discussed on the basis of smaller tasks and examples. Subsequently, the students will develop their own approaches to artistic spatial installations.

In addition, the works created in the last semester in 3D audio will be deepened, followed up and critically questioned against the background of the installlative challenges that arise in playing in public space. In this process, differences, overlaps and peculiarities of these interpretations of acoustic V-/A-/Hyper-realities will be experienced and readable.

We are going on a field trip to the Lab for Spatial Aesthetics in Sound (spaes) at Funkhaus Berlin. A concluding event with presentations of the course results is planned.
Das Seminar „Diagrammatik matrixialer Ökologie: phylogenetische Endo-relationen“ will die Veranstaltung „Drei Ökologien, Doing, Thinking, Seeing in the world“ mit einem onto-ökologischen Ansatz von Endo-Relationen anhand der Kategorie des Matrixialen ergänzen.

Das Matrixiale ist die Gattung (genos) aller Arten von Müttern. Es handelt sich um eine unvollständige Menge, die jede mögliche Art von Mutter umfasst, nämlich Mutter-Tier, Mutter-Erde, Mutter-Mineral, Mutter-Pflanze, Mutter-Mensch, Mutter-Zelle, Mutter-Metall etc., deren spezifische Differenz durch den Prozess der Individuation mittels Einbettung gekennzeichnet ist. Die Gattung (genos) das Matrixiale ist hier nicht zweiwertig bestimmt, das heißt, ihr ist kein zweites Geschlecht entgegengesetzt, etwa ein entgegengestellter Vater. Das Matrixiale bildet vielmehr eine Verwandtschaft (phylum) aller Arten von Müttern, die miteinander durch eine Innerlichkeitsbeziehung verbunden sind. Die Mutter-Zelle ist der Mutter-Pflanze und dem Mutter-Tier innerlich, der Mutter-Mensch ist der Mutter-Pflanze äußerlich, doch das Mutter-Tier innerlich etc. In dieser Hinsicht bestimmen die inneren Beziehungen zwischen unterschiedlichen Arten von Müttern eine neue Organisation von Geschlecht, dessen Phylogenese hier anhand ontologischer, ökologischer und epistemologischer Postulate darzustellen ist.
Folglich und ausgehend von der matrixialen Geschlechtsordnung besteht die Absicht, hier auf zwei Postulate der Matrixialität einzugehen: 1) ein ökologisch-ontologisches und 2) ein epistemologisches. Erstens bezeichnet das Endomilieu die ontologische und ökologische Bestimmung jeder Art von Mutter: ontologisch, weil das Werden (Ontogenese) jeder Individuation in eine Umwelt eingebettet ist, die wiederum in einem übergeordneten Mutter-X (Milieu) platziert ist. Und ökologisch, weil die Relationalität und Bezüglichkeit die Konditionen des jeweiligen Werdens sind. Zweitens bestimmen das Endomilieu und Endobeziehungen das epistemologische Problem, die Wahrnehmung der Umwelten, an denen man teilhat. Der Vorschlag eines „kooperativen Sehens“ wird hiermit die Paradoxie des Erfassens von Endo-Relationalität nicht aufheben, eher annehmen und mithilfe dessen die ökologische Bedingung jener Art von Umwelten und deren Hybridisierung neu sehen, denken und dementsprechend handeln.
Methodologische Anmerkungen:
Dieses Seminar bezweckt eine interdisziplinäre Verflechtung von Wissen. Die Rede von der matrixialen Ökologie kreist um den Begriff ökologische Relationaltiität, der anhand der operativen Epistemologie (Selbstorganisationstheorien), des systematischen Denkens und des ökologischen Wissens behandelt wird.
Allgemeine pädagogische Betrachtung: In Anlehnung an die Lektüre und anhand meiner Präsentation des Themas möchte das Seminar seinen Gegenstand als einen experimentellen Denkraum gestalten, in dem alle Teilnehmer*innen an der Schaffung von Wissen mitwirken.
Das Seminar besteht aus einer Leseklausur, Diskussionen, Vorträgen und Zusammendenken.
Spezifische Lektüre und eine sekundäre Bibliographie werden im Voraus übermittelt.
Keine Vorkenntnisse.

What is decoration and why do we humans decorate? What is the difference between ornament, pattern and texture? What was, is and will be the meaning of decoration? The seminar is divided in three workshops that aim to help you develop a personal position towards decoration and its meanings.

1. The Line: What tools can be devised to generate ornament, pattern or texture.
2. The Surface: How to create pattern, texture and motif on a larger scale.
3. The Shape: How to relate decoration to shape?

Each workshop is accompanied by a lecture or talk of an expert in the respective fields. One or more excursions are also planned.
Die Diskurse des Neuen Materialismus fordern die Abkehr von anthropozentrischen Perspektiven und die Privilegierung nicht-menschlicher Objekte. Eine ihrer Ikonen ist die Cyborg, der kybernetische, algorithmisch und biotechnisch mess- und steuerbare, mit nicht-menschlichen Entitäten existenziell verflochtene menschliche Organismus.

Psychoanalytisch betrachtet korreliert die Fixierung auf nicht-menschliche Objekte mit einer wachsenden Präsenz des (hypermoralischen) Über-Ich, der (hypermelancholischen) einsamen Ekstasen, der (hyperkonformistischen) rigiden Identifikationen ohne Begehren nach Transzendenz, nach Konfrontation mit dem/der Anderen. Sie ereignet sich in biopolitisch bzw. hyperkapitalistisch organisierten Gesellschaften, die nicht mehr durch Gesetz und Sprache, Tabu und Sublimierung strukturiert werden, sondern durch Genießen, genauer gesagt: durch den Befehl zu genießen (dem nicht zuletzt das asketische Genießen des Opfers des Genießens entspricht).

Im Zentrum des Seminars steht die Frage: Was will die Cyborg? Zur Annäherung an eine Antwort werden wir diverse trans- und posthumanistische Diskurse und ihre Manifeste aus psychoanalytischer Perspektive betrachten und diskutieren. Dabei werden wir insbesondere narzisstische Imaginationen der Allmacht, der Unabhängigkeit, der Selbsterlösung und der Unsterblichkeit in den Blick nehmen. Außerdem werden wir einen historischen Vergleich ziehen zwischen den technikreligiösen (techgnostischen) Phänomenen unserer Zeit und den Selbsterlösungs- und Unsterblichkeitskulten der spätantiken gnostischen Sekten. Lesen werden wir Texte u.a. von Hugo Ball, Walter Benjamin, Jane Bennett, Donna Haraway, Jacques Lacan, Massimo Recalcati, D.A.F. de Sade, Jean-Paul Sartre, Barbara Stiegler, Simone Weil.

Sprache: Deutsch und/oder Englisch


The discourses of New Materialism call for the abandonment of anthropocentric perspectives and the privileging of non-human objects. One of its icons is the cyborg, the cybernetic, algorithmically and biotechnically measurable and controllable human organism existentially intertwined with non-human entities.

From the psychoanalytical perspective, fixation on non-human objects correlates with a growing presence of the (hypermoral) superego, of (hypermelancholic) solitary ecstasies, of (hyperconformist) rigid identifications without desire for transcendence, for confrontation with the Other. It occurs in biopolitically or hypercapitalistically organized societies that are no longer structured by law and language, taboo and sublimation, but by enjoyment, or more precisely: by the command to enjoy (to which not least the ascetic enjoyment of the sacrifice of enjoyment responds).

The seminar will focus on the question: what does the cyborg want? To approach an answer, we will look at and discuss various trans- and posthumanist discourses and their manifestos from a psychoanalytic perspective. In particular, we will look at narcissistic imaginaries of omnipotence, independence, self-redemption, and immortality. We will also draw a historical comparison between the techno-religious (techgnostic) phenomena of our time and the self-redemption and immortality cults of the late antique Gnostic sects. We will read texts by Hugo Ball, Walter Benjamin, Jane Bennett, Donna Haraway, Jacques Lacan, Massimo Recalcati, D.A.F. de Sade, Jean-Paul Sartre, Barbara Stiegler, Simone Weil, among others.

Language: German and/or English
Wenn Szenografie wie Suppe ist, dann ist Grafikdesign eine Serviette.
In diesem Grundkurs werden wir Strategien und Prinzipien guten Designs behandlen und herausfinden, wie wir Grafikdesign im Kontext von Ausstellungsdesign, Szenografie und Kuration anwenden können.
Anschließend lernen wir, wie wir mit Hilfe von Computerprogrammen diesen Konzepte eine Form verleihen können und wie Texte gelayoutet und Bilder für Kommunikation, Einladungen, Raumpläne und Handouts gestaltet werden. Während eines großen Teils des Kurses lernen wir die vielen Maschinen und Werkstätten kennen, die die HfG bereithält. Wir lernen, wie wir einfache, aber ansprechende Publikationen herstellen und mit einem Laser oder Schneideplotter Folien und Wandplots bearbeiten können.
Der Kurs ist offen für eigene Projektinitiativen und wird mit einem Abschlussprojekt abgeschlossen.

If scenography is soup, graphic design is a napkin.
In this basic course we will discuss strategies and principles of good design and find out how we can use graphic design in the context of exhibition design, scenography and curation.
We will then learn how computer programs can be used to translate these ideas into form and how we can layout text and treat images for communication, invitations, room plans and handouts. During a large part of the course, we will get to know the many machines and workshops that the HFG offers. We'll learn how we can produce simple but attractive publications and use a laser or cut plotter to work with foil and wall plots.
The course is open for own project initiatives and will include a final project.
What exactly is Bio Design and how does it work? In this introductory course, the basic principles of (micro-)biology are explained and situated in the discourse of Bio Design. In addition to the theoretical introduction, equipment and tools of the BDL are presented and requirements for working in the laboratory taught. A practical part, in which the basics of sterile work are tested experimentally, serves to substantiate what has been learned. Registration required. In this course, students acquire the authorization to work in the Bio Design Lab at the instructed machines/stations. The introductory course takes place regularly at the beginning of the semester and additionally by arrangement with three or more participants.
Defense against the Dark Arts. Bodywork based on principles of the Martial Art Form Thai Chi Chuan.
In Presentation by Dukhee Jordan, she will introduce herself and provide an overview of her work as an artist and educator, serves as an introduction for the HfG community.
Unser Körper ist unser wichtigster Ausdruck für unsere Freude, unsere Wut, unsere Angst und unsere Trauer. Manchmal vergessen wir, dass die verspannten Schultern uns erzählen, wie überfordert oder wütend wir sind. Oder dass unser Bauchschmerz eigentlich Angst ist. Wir können lernen, unseren Körperempfindungen zu vertrauen und Ventile für unsere angestauten Gefühle zu finden.

In diesem Seminar geht es um dich! Ein geschützter Raum bietet die Möglichkeit, neben all den anderen Gefühlen Leichtigkeit und Lebensfreude zu finden.

Bitte bringe eine Unterlage für Dich mit und komme in bequemer Kleidung.
Introduction Session to the Summer Semester Program, going over excursion dates, seminar content and exhibition dates. Introduction to the semester exhibition concept.
Die Vorlesung gibt einen Einblick in das wechselvolle Spannungsverhältnis zwischen Kunst und Fotografie in den letzten 100 Jahren. Nach den Kunstwertdebatten des 19. Jahrhunderts wird die Fotografie im 20. Jahrhundert unter verschiedenen Vorzeichen – apparative Wahrnehmung, technische Reproduzierbarkeit, Massenmedium, Serialität, Kopie, Simulakrum, Pop, Authentizität, Archiv, Dokument – in je unterschiedlichen Konstellationen ins Feld geführt, um etablierte Kunstbegriffe ins Wanken zu bringen. Die Vorlesung verfolgt das Wechselverhältnis zwischen Intervention und Integration der Fotografie ins Kunstsystem entlang zentraler Diskurse und künstlerischer Beispiele. Nach der Konjunktur der Fotografie in den Avantgardebewegungen der 1920er- und 30er Jahre geht es weiter mit ihrer Bedeutung für die Conceptual Art der späten 60er- und frühen 70er Jahre, ihrer Rolle in der feministischen Kunst und in den Debatten der Postmoderne, über die "Return of the Real" und die Hinwendung zum Dokumentarischen in den 90ern bis zu aktuellen Auseinandersetzungen mit dem Archiv und der Materialität des Mediums unter den Vorzeichen des Digitalen.
Die Veranstaltung untersucht den Begriff Sound in seinen unterschiedlichen Bedeutungsfacetten und Kontexten. Dabei findet eine Auseinandersetzung mit der Wahrnehmung von Klangumgebungen und Hörgewohnheiten statt und es wird der Frage nach der Beziehung zwischen Klangursache und dem eigentlichen Klang nachgegangen. Unter diesem Aspekt werden Ansätze der Akusmatik, der Elektroakustik, der Klangökologie oder der Ethnografie aufgegriffen und untersucht. Anhand von Beispielen zu Soundscape, Field Recordings, spektralen Verfahren, Raumklang und Soundart werden ästhetische Kriterien analysiert. Inwiefern technologische Entwicklungen, wie virtuelle oder augmentierte Realitäten, neue Fragestellungen hinsichtlich dieser Bereiche aufwerfen, ist ebenso Gegenstand der Vorlesung.

Nach dem Vorlesungsteil werden entsprechende Beispiele in einem Kolloquiumsteil von den Studierenden in Form von Vorträgen oder eigenen künstlerischen / musikalischen Arbeiten vorgestellt.
Slip casting is one of the most common means of industrial duplication when working with ceramics. In this workshop, the students will gain a basic understanding of the possibilities, limitations and techniques of this method. On the first day, all students will receive a specific design brief, which they will have to realise within two hours. The plaster moulds will then be produced on days 2, 3 and four.
In the second part of the workshop, all dried moulds will then be ready for the actual slip casting. The last meet-up is a glazing workshop, followed by the glaze firing.
Gemeinsam mit dem Driving the Human- Projekt „The Backpack of wings“ entwickeln wir Narrative um die Migrationsroute von Jonas (Weißstorch, männlich, geboren 2013), die wir mittels GPS-Daten tracken. Wir kombinieren dieses techno-biologische Werkzeug und dessen Outputs mit Mythen um Zugvögel, sowie lokale, residente Spezies. Wie können diese Narrative nicht nur biologisches Verhalten, sondern auch die Relationen zwischen Tier und menschlichen Handlungen erkunden? Wie lassen sich die technologischen Methoden für die Gemeinschaft nutzen und neu denken? Gemeinsam mit dem Seminar „Realtime Media & Organic Forms“ unter der Leitung von Helin Ulas erkunden wir, wie Sensortechnologien für nicht-menschliche Akteure einen Weg in die Gestaltung finden können.
Um unseren Spielraum zu erweitern findet eine Exkursion mit der NABU in den Karlsruher Oberwald statt.

In conjunction with the Driving the Human project "The Backpack of wings", we develop narratives around the migration route of Jonas (white stork, male, born 2013), who we track using GPS data. We combine this techno-biological tool and its outputs with myths about migratory birds and local resident species. How can these narratives explore not only biological behaviour, but also the relations between animal and human actions? How can technological methods be used and rethought for the community? Together with the seminar "Realtime Media & Organic Forms" led by Helin Ulas, we explore how sensor technologies for non-human actors can find a way into design.
To broaden our scope, there will be an excursion with NABU to the Oberwald forest in Karlsruhe.
April 24, 2023:
1,000,000,000,000,000,000,000,000.00000000 kilometers to edge of known universe
100,000,000,000,000,000,000.00000000 kilometers to edge of galaxy (Milky Way)
3, 573,000,000.00000000 kilometers to edge of solar system (Pluto)
597.00000000 kilometers to Berlin, DE.
2.25000000 kilometers to Karlsruhe Hbf, Karlsruhe
.38600000 kilometers to Glashaus Imbiss
.11820000 kilometers to corner Holtzstraße and Lorenzstraße
.00367000 kilometers to front door, Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe
.00021600 kilometers to A4 paper page
.00000700 kilometers to lens of glasses
.00000098 kilometers to cornea from retinal wall
A designer I know was on the jury for a graphic design competition in France. Among the many stunning and flawless designs, a quickly made poster caught her eye – a sketch more than a finished design; a composition of rhythmically arranged pen strokes onto the poster’s dimensions. Something about its presence and confidence testified to the maker’s talent and ability to “just make something”, and because of this it stood out from the extravaganza the majority of contributions consisted of. When turning it over the poster was signed “Pierre Bernard”*, to which she naturally replied with a confirming shrug of the shoulders acknowledging Bernard’s signature and effortless abilities.

When years ago I taught at the art school in Estonia I was critical of the teaching of an eccentric architect called Leonhard Lapin (who is also known under the pseudonym Albert Trapeež) who applied a method based on Mahamudra teachings, and had the students contemplate over tons of simple compositions they’d make with just a few brush strokes painted on large sheets of paper, after which they’d extensively discuss each one being successful or not, and why or why not. Although intrigued by how the hypnotised students were going at it, I never considered joining the class, and never got to fully understand the spirit of the activity. I mostly thought it was weird and old fashioned and that those students should just join my class instead. Hey, I was young and truly thought the world revolved around me.

Although the main chunk of it is made on a computer, some sign of human presence is something I value a lot in my own designs. I appreciate the works of others – and I appreciate many pieces of design, whether those are items of clothing, a wonky line-up of ceramic cups, or a snazzy sketched up bunch of posters – when they are made by a mortal soul and their ability to fail. But not every squiggle is instantly good and ready to use, and it can take years for your casually made poster to be good enough to be picked up by Linda van Deursen at the Chaumont Poster Festival.

Let’s get hypnotised, just like those students back in Tallinn in 2006.

I’ve learned so much more in the meantime that I would like to share here with you. How to get lost in drawing sessions, or how to distinguish one sketch from the other. Which ones are good, and which ones are mediocre child’s play? And, what about children’s drawing, or what is it like to draw like a child? In this workshop you will discover the successes of boringness and endurance, and recognize the qualities of repetition, so that they can be applied in any future design. Through a series of exercises using writing (by hand, typing it, or have an a.i. do it for you) and drawing and image making techniques, you’ll explore the triviality of stains and scratches. Although I can also imagine investigating other mediums too, more performative actions, like making pirouettes, ad libbing and on-the-spot made sculptures... I have some ideas on how to present all this, or even exhibit, and it could also include some larger formats, like blowing things up, you know, enlarging, no explosives…

My references are a bit all over the place. Look up Adelhyd van Bender, Amie Dicke, Laure Pigeon, Bernadette Corporation, and Elsworth Kelly’s collages and cut ups, outsider artists Christopher Knowles and August Walla, the Pattern and Decoration movement, Lily van der Stokker, the trippy drawings of Joachim Koester, Leen Voet’s attempts remaking Felix De Boeck’s entire body of work with just a pencil and ruler, and what about the frottages of Max Ernst.

* Pierre Bernard (25 February 1942 – 23 November 2015) was a French graphic artist and designer. In 1970, Pierre Bernard founded Grapus with François Miehe and Gérard Paris-Clavel. Grapus was a collective of graphic artists, working together between 1970 and 1991, which sought to combine excellence of design with a social conscience.
Poet, Robert Duncan began writing about poet H.D. due to a request for a special mention on her 70th birthday, in 1960. She died the next year in 1961. Duncan continued to write about H.D. in massive eccentric heaps (work-titled as The H.D. Book), and published his texts sporadically as 11 chapters in obscure poetry journals and magazines across the following three decades.
In this four-day workshop we will examine and source material from the original publications and see what happens when elements are lifted from context and shifted into separate shapes. We will investigate the relationship and effect that design and poetry have on each other. How a graphic designer can read the surface of language, and how this might benefit writing.
The artistic duo Andra Jurj and Lena Geerts are reconceptualizing the contested geopolitics of borders and ownership between humans and nonhuman actors in their project “Monsters and Ghosts of the Far North”. Together with them, the workshop invites to think and create different ways of mapping, focusing on agents that inhabit our landscapes, sounds and smells, changing over time and building upon scientific datasets. The ideas resulting from mapping a local environment in forms of analogue cartography will be brought into a multi-medial collage of the multi-sensorial landscape. From narratives to games, from digital codes to sensorial strategies and working with scientific researchers, Andra Jurj and Lena Geerts will share insights and provide guidance for your own projects.
In dem dreitägigen Workshop wird zu Beginn eine Aufgabe gestellt, die direkt umgesetzt werden soll. Anhand der ersten unmittelbaren und improvisierten Idee wird ein digitales Modell erstellt, welches dann in der Werkstatt an der Fräse umgesetzt wird. Das Spannungsfeld zwischen einer spontanen Idee und der präzisen Herstellungstechnik soll dabei neue Gestaltungsmöglichkeiten eröffnen.
Die mediale Erweiterung des performativen Raumes ist eine der Grundbedingungen der zeitgenössischen künstlerischen Praxis. Uns interessiert in diesem Workshop nicht nur das Verhältnis von Raum - Performer*in - Video, sondern insbesondere der Wechsel zwischen Live-Kamera und vorproduziertem Material.
Wie lassen sich die unterschiedlichen Bewegtbilder und Bildräume sinnvoll verschneiden? Als Ausgangspunkt und Untersuchungsgegenstand der kurzen Videoerzählung, die jede/r Studierende aufgefordert ist zu entwickeln, steht der eigene Körper (oder der eines/einer Mitstudierenden) und die Räume der HfG.

Grundlegende Fragen betreffen die Bewegung des Körpers, bzw. der Figur im Raum, Blickverhältnisse und zeitliche Relationen, die Verschränkung von Innen- und Aussenräumen; aber auch das Video-Setting im Raum: Welche Möglichkeiten, das Videobild zu verorten gibt es? Wie lässt sich die Unmittelbarkeit der Live-Kamera, die den performativen Moment oder Details im Raum als Close-up und in Echtzeit wiederzugeben vermag, am Besten zum Einsatz bringen?
Zunächst werden wir uns dem Thema über filmische Anschauungsbeispiele aus der künstlerischen Praxis der frühen Videokunst (Untersuchungen des eigenen Körpers im ihn umgebenden Raum), sowie der Aufführungspraxis des Theaters nähern.

Im praktischen Teil des Workshops geht es um die Konzeption der individuellen Videoerzählungen – bestehend aus vorgefertigtem Material und einer live-Raum Komponente – sowie deren Umsetzung. Die Studierenden drehen das Videomaterial gemäß ihres skizzierten Skripts und richten das Video-Setting im Moving Image Raum ein: Positionierung von Kamera, Projektor / wahlweise Monitor und ggf. Projektionsfläche. Zum Ende des Workshops präsentiert jede/r seine performative Video-Erzählung innerhalb der Gruppe.

Die Filmemacherin und Bühnenbildnerin Steffi Wurster setzt sich in ihrer Arbeitspraxis im Theater und als Dokumentarfilmerin mit Bewegtbild in sehr unterschiedlichen Formaten auseinander.
It is essential for our survival and occupies a considerable part of our daily routine. A ritual that is complex not only on a nutritional level, but also from a social, cultural, economic and ecological point of view. It is a constant companion in our minds: we think about what we want to eat today, collect cookbooks, go shopping and meet with our friends to go out for dinner together in the evening. What are the means of production and who do we rely on for our stomachs to be filled and our tables to offer the setting to come together? Every day we make decisions regarding food and the organization around it. Together with students of the HKB Bern we will approach the ritual of eating on different levels.

To start the seminar we will meet in Basel at the opening of the Swiss Design Awards and then travel together to Bern. Over the course of the week, students will work in groups, explore, build, make, meet local food activists and cooperatives and, of course, eat and cook together.
Auch wenn der Begriff sperrig ist, wir gehören dazu: Kunst, Design, Darstellendes, Film, Musik, Games und Weitere bilden die Grundlage der Kultur- und Kreativwirtschaft, die seit ihrer Schöpfung als eigener Wirtschaftssektor 2009 rund 3 % zur Gesamtwirtschaft beiträgt, Tendenz steigend.

Wir werden gemeinsam einen groben Fahrplan für die Zeit nach dem Studium entwickeln und orientieren uns dabei an folgenden Themenblöcken:

- Individuelle Standortbestimmung - Woher wohin?
- Business Modelling in Kunst und Design - Was wofür?
- Bürokratie - Wie weiter? Versicherungen, KSK, Finanzamt und die entsprechenden Prozesse

Die beiden Termine zu Beginn und Ende des Semesters ergänzen einander, Schwerpunkt im Mai ist die eigene Positionierung und Entwicklung der individuellen beruflichen Tätigkeit, im Juli liegt der Fokus auf Finanzen und bürokratischen Prozessen.

Im Laufe des Semesters können zusätzlich begleitende Einzelgespräche wahrgenommen werden.

Das Angebot richtet sich an Studierende aller Fachgruppen ab dem 4. Studienjahr sowie Alumni direkt nach dem Abschluss, es ist auch möglich in früheren Semestern teilzunehmen.
Workshop und Beratungen finden in Präsenz und Online statt.
How can we think about sustainable costume productions in theater? And what qualities do alternative bio-materials offer that change under heat/humidity? What interactions result from this in the design and conception of performances and stagings? In this two-part workshop we will focus on soft bio-textiles. Mixing theoretical inputs and practical production processes, we will deal with topics such as sustainable material cycles in the field of costume design, self-production of bio-based materials and their testing in the form of performative exercises.
In an experimental combination of teaching and craft, transdisciplinary teams of students and tailors/garment masters from the theater scene work together to facilitate a practical hands-on knowledge transfer.
The selection of colour is an integral part of every design process. Colour is as relevant as the search for the perfect form or the optimal function, the suitable material, the right processing or the appropriate format.
Despite the importance of colour, there is often a lack of knowledge and a feeling of being overwhelmed by the sheer endless possibilities offered by digital tools, various colour guides and systems—from Pantone and HKS to RAL and NCS. In this workshop we want to approach the subject of colour through discussions, experiments and explorations of materials and systems.

„The most profound technologies are those that disappear. They weave themselves into the fabric of everyday life until they are indistinguishable from it.”
Mark Weiser

Unsere Welt wird zunehmend vernetzt und digital – unsere Kaffeemaschine, unsere Rasenmäher und unsere Autos wollen auf einmal mit uns sprechen. Meist mit Computerstimme und oft auch ein bisschen trottelig.
Anders als mit unseren Mitmenschen oder Haustieren haben wir aber alle Freiheiten diese Schnittstellen zu gestalten – im sprachlichen Dialog, Gestik oder unserem unterbewussten Verhalten – hin zu einem organischerem Leben und Arbeiten mit der Technologie, die uns umgibt.

In diesem Workshop beschäftigen wir uns damit wie man Verhalten abstrahiert, wie man interaktive Schnittstellen gestaltet und wie man sie ausprobiert.
Einfache Aktoren und Sensoren kombinieren wir zu Geräten und Maschinen, denen mithilfe von Skripten Leben und Verhalten eingehaucht wird.

Es werden erste Kenntnisse in der Arbeit mit Arduino und Elektronik vermittelt. Es sind keine Vorkenntnisse notwendig.

Bis zu 10 Teilnehmer:innen
The workshop introduces frameworks, concepts, and language that encapsulates immersive and real-time media creation for performances and installations. We will look into possible creative computation methodologies; we will mainly concentrate on visual programming environments(Touchdesigner).

Through this introductory workshop, you will gain knowledge of creative computation terminologies, how to navigate a visual programming environment (TouchDesigner), and use script-based programming protocols within this environment using Python. The workshop will introduce the interface and system building in TouchDesigner, as well as an overview of different operator nodes.
In this workshop, participants will have the opportunity to explore the world of microscopic imaging and capture footage at the Bio Design Lab. The workshop incorporates an introduction to the Bio Design Lab and its tools, allowing participants to gain a better understanding of how to capture high-quality images. In the second half of the workshop, participants will use their captured footage to create an audiovisual performance and a media environment using Touchdesigner, a creative coding environment.

Through the use of Touchdesigner, participants will be able to manipulate the footage captured in real time, create a custom setup and presentation for the end of the workshop. By the end of the 3-day workshop, participants will have developed an understanding of capturing and manipulating footage through Bio Design Lab tools and using them in an audiovisual performance and media environment setting.
DE

Licht als transformative Komponente des Raums und als physisch zugängliche Sprache, produktiv wie rezeptiv, bildet den Schwerpunkt dieses praktischen Workshops. Es geht um das Verstehen und Erspüren unhintergehbarer narrativer Qualitäten bei der Arbeit mit Licht. Die Teilnehmenden erfahren eine Einführung in die Gestaltung von Raumatmosphären, die für sich stehen können und gleichzeitig den Lichtraum als befragbaren Dialogpartner und Quasi-Performer interpretieren. Welche impliziten Handlungsanweisungen birgt ein solcher Raum, die er den Betrachtenden durch Farbcluster, atmosphärische Dichte und situative Skizzierung mitteilt? In Bezug auf Ausstellungskonzepte geht es darum, den Ausstellungsraum als Teil der künstlerischen Konzeption zu verstehen. Er soll nicht allein als Behältnis, sondern als Erfahrungsraum und „Lebenswelt" entwickelt werden. Dies erfordert die experimentelle Erkundung strategischer Vorgehensweisen. Der Workshop beginnt mit der Befragung von Ausstellungsarchitektur, Materialien und Lichtqualitäten und führt zur schrittweisen Entwicklung von Dialogstrukturen zwischen Lichtquellen, Oberflächen und deren skulpturaler Anordnung innerhalb einer vorgegebenen Architektur bzw. eines thematischen Ansatzes.

EN

Light as a transformative component of space and a physically accessible language in both productive and receptive terms is the focus of this practical workshop. It is about understanding and sensing inescapable narrative qualities when working with light. Participants will experience an introduction to the shaping of spatial atmospheres that can stand on their own and at the same time interpret the light space as an interrogative dialogue partner and quasi-performer. What implicit instructions for action does such a space harbor, which it communicates to the viewer by means of color clusters, atmospheric density, and situational sketching? In terms of exhibition concepts, it is a matter of understanding the exhibition space as part of the artistic conception. It should not be developed solely as a container, but as a space of experience and a "living world". This requires the experimental exploration of strategic procedures. The workshop begins with the questioning of exhibition architecture, materials and light qualities and leads to the gradual development of dialog structures between light sources, surfaces and their sculptural arrangement within a given architecture and thematic approach.

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Scheinerwerb: Grundlagenschein ADSZ, Workshopnachweis Ausstellungsdesign, Workshopnachweis Szenografie
Internationally awarded producer Dilek Aydın and Serpil Turhan extend their workshop “Pitching” that discusses written and oral proposals for funds, market and grants for more individual work. After covering the basics of project preparation in the summer semester, Aydin and Turhan give extensive consultancy on each project that signs up for the course. They will check the written and oral presentation of each student and train them to develop their projects in order to apply for grants and present them to fundraisers.

Dilek Aydin was born in Ankara, she finished Film Studies in Bogazici University and received her master’s degree in Film and Television from Istanbul Bilgi University. She attended Karlsruhe University of Arts during her master’s, where she studied Media Arts. Returning to Turkey, she started working mainly in production, while developing and creating her own shorts. In 2017, she founded Istanbul-based Heimatlos Films, a production company that already produced acclaimed films such as feature documentary Mimaroglu (2020), a Visions du Reel contender, and feature fiction Ghosts (2020), the winner of Venice Critics’ Week. She continues to produce films with international appeal.

Die Lehrveranstaltung ist eine Fortsetzung aus dem Wintersemester.
Eine kontinuierliche Anwesenheit wird erwünscht.
Anmeldung bis zum 2.Mai bei Wen Liu: ywliu@hfg-karlsruhe.de.
Dieser Kurs richtet sich an Studierende, die bereits am Einführungskurs Farbfotografie / Farblabor und Bildproduktion teilgenommen haben.
Es werden verschiedene analoge 35mm und Mittelformat-Kamerasysteme angewendet, eigene Farbfilm-Filme entwickelt und im experimentellen Umgang das Zusammenspiel der Farb-Filter im analogen Farblabor erprobt.
Das Negativ, das sich auf dem Film in der Fotokamera abzeichnet, ist zuerst einmal ein Dokument. Es zeigt, was ich fotografiert habe. Also die „Wirklichkeit“?
In diesem Seminar werden wir mit verschiedenen Kamera-Formaten (Kleinbild, Mittel- und Grossformat) gemeinsam fotografieren und auf verschiedene Arten physisch und haptisch in die Bildgestaltung und Bild-Schaffung eingreifen:
Mit Spiegeln, Lupen, Blitzlicht und Utensilien für performative Aktionen ausgestattet, inszenieren und fotografieren wir an zwei Tagen im Botanischen Garten Karlsruhe: Wir schaffen und konstruieren surreale Momente in der Parklandschaft mittels des Einsatzes von Blitz - und Gegenlicht, Sonnen-Reflektionen, Nahaufnahmen und Bild-Verzerrungen durch Spiegel oder Lupen und inszenierten Spiel-Situationen. So konstruieren und manipulieren wir im ersten Schritt den Ort und die Bildmotive.
Im nächsten Schritt entwickeln wir die entstandenen analogen Farbfilme im Fotolabor. Anschließend arbeiten wir experimentell mit den Farben und erkunden das Farbspektrum mit den Farbfiltern über die realistische Abbildung hinaus:
Wie kann ich mit den analogen Negativ-Prozessen die fotografische Abbildung steuern und beeinflussen, um auf eigene persönliche Weise eine künstlerische Übersetzung und Interpretation der Wirklichkeit zu erzeugen?
Projektarbeit ist in vielen Berufsfeldern, nicht zuletzt im Kulturbereich, ein wichtiger Bestandteil des Arbeitsalltags. Um Projekte effizient und erfolgreich durchzuführen, sind fundierte Kenntnisse und Fähigkeiten im Projektmanagement daher unverzichtbar.
Im Seminar lernen die Teilnehmenden in praxisnahen Übungen anhand von Fallbeispielen die zentralen Techniken und Instrumente des Projektmanagements kennen. Es stellt Methoden und Tools zu Definition, Planung, Durchführung und Abschluss von Projekten vor: Was haben smarte Ziele mit einer klaren Projektdefinition zu tun? Wie kann ich Risiken analysieren, einschätzen und mit ihnen umgehen? Wie plane ich Abläufe im Projekt und kontrolliere ihre Umsetzung? Was gehört zu einem guten Projektabschluss? Welche Kompetenzen sollten im Projektteam vorhanden sein und wie gehe ich mit Konflikten um?
Klassisches und agiles Projektmanagement werden als unterschiedliche Ansätze vorgestellt, sodass die Teilnehmenden einen umfangreichen Werkzeugkasten für ihre Projektarbeit mitnehmen können.

Literaturempfehlungen:
Bemmé, Sven-Oliver (2020): Kultur-Projektmanagement. Kultur- und Organisationsprojekte erfolgreich managen, Wiesbaden.
Klein, Armin (2010): Projektmanagement für Kulturmanager, Wiesbaden.
Machine-art pioneer and media artist Kal Spelletich will show how to build interactive sound robots. We'll construct electromechanical sound generators, using technology in unconventional ways. This approach includes harvesting environmental data and sonifying it with kinetic objects. Biosensors with micro controllers will actuate motors and movement. We will utilize motors, transducers, found objects and linkages coupled with resonating bodies to create new tone colors and polyrhythmic structures. The thumping beats, jolting, scraping, creaking, beating, hauling, and humming of the machines can be recorded, amplified and spatialized. At the end of the workshop, a joint concert performance will bring the individual sound sculptures to life and combine them into a group composition. We will bring a playful approach to experimenting with this technology.