Staatliche Hochschule für Gestaltung Karlsruhe - Moodle

Im Jahr 2002 fand im ZKM Karlsruhe die Ausstellung „Iconoclash“ statt, auf dem Höhepunkt der Diskussion um eine transdisziplinäre Bildwissenschaft. Derzeit laufen in der Nachbarinstitution Vorbereitungen zur Rekonstruktion und Revision der Schau, die 2022 in eine Ausstellung münden soll. Interessierte können sich auf unterschiedliche Weise einbringen, die Arbeitsgruppe soll hierbei der Sondierung dienen.

Lecture on the theory behind mechanical properties. What do the numbers mean? How can they be used ? How are they measured ?
Practical work:
Groups of 3 to 4 persons will design and build a simple tensile test machine. The machine can be built in all kind of materials and eventually laser cut. The mechanical properties of different materials will be tested and measured – plastic, aluminum or steel. But the students are especially invited to test material innovations of their own. The properties are compared to other “professional” measured data.

Lex Pott (1985) employs a raw and intuitive method. In his work, he returns to the origin of the materials he uses most: wood, stone and metal. He does not hide his designs under indirect layers, but reduces them to their very essence. Pott works from his design studio based in Rotterdam. He graduated cum laude in 2009 at the Design Academy Eindhoven.
Workshop on hands-on making of objects by means of material transformative processes.

Tontechnisches Verständnis ist die Hauptvoraussetzung für das Arbeiten mit Klang. Mit dem Seminar wird eine grundlegende Beschäftigung mit Akustik, Psychoakustik und Studiotechnik fokussiert. Es wird ein Überblick über die Physik des Schalls sowie die Techniken der Schallwandlung und Schallerzeugung geboten. Die theoretische Auseinandersetzung mit analoger und digitaler Signalverarbeitung wird von einer praktischen Erläuterung der Bedienkonzepte von Mischpulten, Sequenzern, Audiointerfaces und Audioverstärkern begleitet. Ebenfalls mit Praxisbezug werden verbindende Themen wie Anschluss- und Übertragungstechniken behandelt.
Die erfolgreiche Teilnahme berechtigt Fortgeschrittene zum Arbeiten in den Soundstudios. Offen für alle Fachbereiche. In Absprache mit den TeilnehmerInnen findet der Kurs entweder zweisprachig, auf Deutsch oder Englisch statt.

Eine Einführung in DIE Programmiersprache für alle Multimedianwendungen: Audio, Video, Synthese, Analyse Arduino mit Sensoren und Aktoren ...
Max, also known as Max/MSP/Jitter, is a visual programming language for music and multimedia developed and maintained by San Francisco-based software company Cycling '74. Over its more than thirty-year history, it has been used by composers, performers, software designers, researchers, and artists to create recordings, performances, and installations. https://en.wikipedia.org/wiki/Max_(software)
Das Seminar ist offen für Studierende aller Fachgruppen.

Der dreitägige Workshop führt in neu vorhandene Kamera-Technik zur Aufnahme von stereoskopischen 360° Virtual Reality Videos ein (Insta360 Pro 2.0). In einer praktischen Übung wird ein kleines Projekt geplant, gedreht, fertiggestellt und mit entsprechender VR-Technik präsentiert. Die Termine können in der Vorbesprechung gemeinsam koordiniert werden.

The three-day workshop introduces new available equipment for recording stereoscopic 360° virtual reality videos. In a practical exercise a small project is planned, shot, completed and presented with the appropriate VR technology. In the preliminary meeting we will determine the seminar days together.

Einführung und weiterführende Einführung zur Arbeit mit der Farbmaschine.

Martial arts are codified systems and traditions of combat practiced for a number of reasons such as self-defense; competition; physical, mental and spiritual development; and entertainment or the preservation of a nation's intangible cultural heritage. Tai chi short for T'ai chi ch'üan or Tàijí quán is an internal Chinese martial art practiced for both its defense training, its health benefits and meditation. The term taiji is a Chinese cosmological concept for the flux of yin and yang, and 'quan' means fist. So, etymologically, Taijiquan is a fist system based on the dynamic relationship between polarities (Yin and Yang).

Begriffe wie Image, Selbstdarstellung, Vermarktung oder gar Werbung sind im akademischen Kunstkontext oft verpönt. Die Präsentation der eigenen Werke, Themen oder Recherchefragen in Portfolios, auf Websites und im Gespräch mit Multiplikator*innen wie Kurator*innen, Galerist*innen, Kolleg*innen oder in Förderanträgen ist jedoch ein entscheidender Faktor der Selbstvermarktung – oder auch der Selbstsichtbarmachung. Worauf muss man achten? Welche Werke gehören ins Portfolio, wieviel Textmaterial ist nötig, mit welchen Infos wird der Webauftritt gestaltet, wie werden die gesendeten Informationen in der Summe als Image rezipiert? Und braucht man das alles überhaupt?
In diesem praxisnahen Seminar werden Kommunikationsstrategien zur Sichtbarmachung der eigenen künstlerischen Praxis dialogisch erarbeitet. Ziel des Seminars ist eine produktiv-kritische Auseinandersetzung mit Selbstvermarktung, ein geschärftes Bewusstsein für die individuelle Selbstdarstellung, die Erstellung eines professionellen künstlerischen Portfolios und ein Bewerbungstraining mit demselben.
Teilnehmende bringen zur ersten Unterrichtseinheit bitte ein Portfolio mit aktuellen Arbeiten und einem Lebenslauf zur Diskussion mit.
Die Veranstaltung findet statt im Rahmen von „Artrepreneurs / Gründungskultur“ und wird gefördert vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

Was git es bei der Herstellung einer Leuchte in Hinblick auf die elektrische Sicherheit ( Normen) und Brandschutz zu beachten? Welche Leuchtmittel gibt es, was sind ihre Vor-und Nachteile?

In den letzten Jahren hat der Einsatz des Weichlotes immer mehr an Bedeutung gewonnen. Hinsichtlich mechanischer
Festigkeit und dauerhafter Leitfähigkeit ist es die geeignete Verbindungstechnik. Erklärt werden Lötgeräte, Flussmittel und Lot. Mit praktischer Übung.

Trotz der unzähligen Theorien zur Komik in der Philosophie, Ästhetik, Anthropologie und Psychoanalyse bleibt für uns in vielen Situationen unser eigenes Lachen ein Geheimnis. Als komplexes Zusammenspiel verschiedener physiologischer, soziokultureller und psychologischer Faktoren lässt sich das Lachen kaum auf einen gemeinsamen Nenner bringen. Aristoteles, Henri Bergson, Sigmund Freud, Michael Bachtin, Theodor W. Adorno, Hélène Cixous, Umberto Eco, Agnes Heller und viele andere bieten wichtige intellektuelle Inspirationen, um sich mit der Frage nach dem Sinn und der Natur des Lachens und des Komischen in der Kunst und Kultur auseinanderzusetzen.
Ist das Lachen ein subversiver Akt der politischen und gesellschaftlichen Befreiung und Aufhebung der Machthierarchien (Bachtin) oder, im Gegenteil, eine Instanz der Sozialkontrolle und Disziplinierung des Alltagsverhaltens in der bürgerlichen Gesellschaft (Adorno), oder ist es bloß eine neutralisierende körperliche Reaktion auf äußere Reize zum Ausgleich der inneren psychischen Spannung (Freud)?
In der künstlerischen Produktion findet man nicht nur unterschiedliche Antworten, sondern auch diverse "Technologien" und Strategien, mit deren Hilfe Effekte des Komischen erzeugt werden. Diese "Technologien" und Strategien stehen im Mittelpunkt des Seminars und werden sowohl in historischen als auch in aktuellen Beispielen analysiert.

Nach einer längeren Auseinandersetzung mit der Pionierphase der Konzeptkunst im Seminar „...contemporary, contemporary...“ befasst sich das Folgeseminar „No More Boring Art!“ mit den Weiterentwicklungen der Konzeptkunst, die weit über geläufige Modi wie „Post-“ und „Neo-“ hinausgehen.
Eine programmatische Arbeit des Konzeptkunstklassikers John Baldessari «I will not make any more boring art» – ein Video aus dem Jahr 1971, in dem er dreißig Minuten lang diesen Satz immer wieder aufschreibt – ist ein treffendes Sinnbild, das sowohl die Ambivalenzen der Konzeptkunst als auch die Chancen ihrer Aufhebung durch Selbstironie und Infragestellung eigener Rezeptionsrahmen zum Ausdruck bringt. Diese Arbeit erweckt aber noch eine weitere Frage: Warum empfinden wir manche künstlerischen Arbeiten als langweilig? Die Frage nach den fließenden Kriterien und Merkmalen des „Langweiligen“ in der Kunst wird im Seminar anhand verschiedener Bespiele diskutiert.
Im Rahmen des Seminars ist eine Exkursion zur Manifesta 13 in Marseille geplant (zusammen mit Barbar Kuon).

Der Einstieg in dingtheoretische Fragestellungen ist mitunter komplex, erfordert er von uns doch ein radikales Umdenken und eine neue Perspektivierung, die lange als kontraintuitiv galt und zugleich aktueller nicht sein könnte (Global Warming, Corona-Virus, künstliche Intelligenzen). Auf welche Weise haben nichtmenschliche Kräfte und Aktanten Einfluss auf – gar gesellschaftliche – Ereignisse und – gar politische – Prozesse, die wir zunächst als subjektiv gesteuert und kontrolliert verstehen? Welche Macht liegt in den Dingen, und wie können wir uns ihr diskursiv annähern? Welche künstlerischen Ansätze ermöglichen uns eine neue Sichtweise auf die Dingwelt in uns und um uns und mit uns? Der Lektürekurs „Vibrant Matter“ dient der kollektiven Auseinandersetzung mit dem gleichnamigen Buch der US-amerikanischen Politologin Jane Bennet aus dem Jahr 2010. Bennett schlägt vor, dass die Erkenntnis einer Handlungsfähigkeit, die nicht allein in der Hand von Menschen liegt, die Kultivierung einer verantwortungsvolleren, ökologisch vernünftigen Politik anregen könnte. In sechs geduldigen Sitzungen wollen wir ihr (englischsprachiges) Buch gemeinsam Lesen, Kapitel für Kapitel, Absatz für Absatz, manchmal Satz für Satz – und zusammen nachvollziehen und diskutieren. Der Lektürekurs kann auch als theoretische Vorbereitung für den Workshop „Projektdramaturgie – Dinge auf der Bühne (und anderswo)“ genutzt werden. Literatur (zur Anschaffung empfohlen):
Literatur (zur Anschaffung empfohlen): Jane Bennet, Vibrant Matter. A Political Ecology of Things, Durham/London 2010

Workshop „Projektdramaturgie – Dinge auf der Bühne (und anderswo)“
Der Workshop „Projektdramaturgie – Dinge auf der Bühne (und anderswo)“ geht aus von den künstlerischen Projekten und Recherchen seiner Teilnehmer*innen. Auf der Basis der künstlerischen Projekte – seien es abgeschlossene oder noch im Prozess befindliche Arbeiten, seien es Projektvorhaben, seien es Konzepte – sollen dramaturgische Strategien besprochen und nach Möglichkeit erprobt werden, die uns ein Erschließen ästhetischer Prozesse vom Gegenstand her, von ihren materiellen und sensuellen Aspekten her erleichtern könnten. Teilnehmer*innen sind gebeten, über eigene künstlerische Projektideen und -realisationen zu berichten und/oder sich vorbereitend mit Positionen anderer Künstler*innen auseinanderzusetzen, deren Arbeiten aus objekttheoretischer Sicht interessant sein könnten.

Im Wintersemester 2019/20 haben wir begonnen Karl Marx’ Werk „Das Kapital. Kritik der politischen Ökonomie“ zu lesen. Im zweiten Teil des Seminars möchten wir dies nun zu einem Abschluss bringen und die Arbeit weiterführen (Neueinsteiger*innen sind aber willkommen). Nachdem wir uns zunächst zentrale Gedanken, analytische Perspektiven und die Methodik (dialektischer Materialismus) aus der Marxschen Theorie erarbeiten haben sollen diese in einem zweiten Schritt mit ausgewählten Weiterentwicklungen des marxistischen Denkens, wie (Post)-operaismus oder Open Marxism, in Bezug gesetzt werden. Zudem wollen wir wichtige Kritikpunkte an der Marxschen Analyse aus postkolonialen und queer-feministischen Traditionen diskutieren. Dafür planen wir ein Intensivtreffen gegen Ende des Semesters, bei dem weitere Expert*innen behandelt oder zu Wort kommen sollen.

The course is a basic introduction to AI and neural networks that is suitable also for first-year students. The course is recommended as a preparation to other courses and workshops on AI that are regularly organised at HfG. Full description forthcoming. Nota: This course will not be repeated next semester.

This course deals with the often neglected, erased, or forgotten role that women’s knowledge and labour have played in the history of computation. Continuing the research done in previous semesters, the course attempts to queer well-known notions from the media theory canon, showing the entanglement of gender, race and class issues anytime we use the apparently neutral term "technology".

Die Erziehung sei, so Immanuel Kant, „das größeste Problem und das schwerste, was dem Menschen kann aufgegeben werden“. Nach wie vor besteht die ungeheure Herausforderung der Bildung besteht, in unvermeidlich asymmetrischen pädagogischen Beziehungen Situationen zu schaffen, aus denen Freiheit erwachsen kann.
Dieses Seminar erkundet die wichtigsten philosophischen Schriften zur Erziehung und Pädagogik. Darüber hinaus werden diverse pädagogische Experimente betrachtet, in denen versucht wurde, durch neue Bildungsinstitutionen und alternative pädagogische Praktiken eine andere Gesellschaft und einen anderen Mensch zu schaffen.

Das Seminar geht in exemplarischen Einzelanalysen der Frage nach, inwiefern Gender- und Kreativitätsvorstellungen zusammenhängen und welchen Veränderungen sie im Lauf der Jahrhunderte unterlagen. Vor Originalen in Karlsruher Museen und im öffentlichen Raum werden stereotypische Genderdarstellungen der Vergangenheit und Gegenwart analysiert und kritisch besprochen. Die Lektüre begleitender Texte ist vorgesehen. Leistungsnachweis: Referat und Hausarbeit.

Fortsetzung der Veranstaltung aus dem Wintersemester 2019/2020, die sich historischen Konzepten der Theorie (als Schau, Lehrbuchwissen, Kritik) und alternativen Formen der Theorieproduktion gewidmet hat. Ein praktisches Ziel war die gemeinsame Sammlung und Prüfung von Ideen für den nächsten Jahresrundgang.
Im zweiten Teil soll die Diskussion auf Basis einer Textauswahl unter dem Stichwort „Sichtbarmachung“ weitergeführt werden, zu Themen wie Raum, Erfahrung und Bewegung, Sehen, Verknüpfung, Vermittlung. Neuzugänge sind willkommen und erhalten eine Einführung.

Tools and methods for collective work, departing from feminist free software practices.
Making collective infrastructures together, which could include:
* a shared space within the school
* a shared server
* common resource pool
* file exchange system
* message board
* issue tracker
* ...
Leistungsschein Kommunikationsdesign, Produktdesign oder Ausstellungsdesign und Szenografie

Crit Club continues: This semester we will try to make our time with guests as responsive as possible. Among others Catherine Guiral, Kathrin Böhm and Sam de Groot will each lead for one day open critique sessions before their Talkshow lectures in the evening. Come along and present some current work-in-progress, self initiated or seminar projects! Please prepare the work to be presented in a short format.

Wir nutzen die unklare Situation für die Arbeit an einem klaren Projekt: Gemeinsam gestaltet und entwickelt jede/r allein eine Website, die er/sie schon lange hätte umsetzen wollen. Sei es die private Portfolio-Website, die Onlinepräsenz des Bandprojekts der Kollegin oder der Webshop für die Modekollektion des Vaters. Wir teilen Materialien, organisieren den Austausch unter euch und unterstützen jedes Projekt entsprechend der gestalterischen und technischen Fähigkeiten. Wir werden eine Plattform für die gegenseitige Hilfe aufsetzen, damit jeder am Ende des Semesters sein Projekt zum Abschluss bringen kann.

Aus unserer anfänglichen räumlichen Distanz heraus spekulieren wir über fiktive Begegnungen zwischen Designer*innen, Theoretiker*innen, Künstler*innen oder Aktivist*innen aus Vergangenheit und Gegenwart, die mit ihren vielfältigen und inklusiven Praxen das Feld der Visuellen Kommunikation bereichern.
Susan Kare meets Ada Lovelace, Ece Canlı meets the Venus symbol, Muriel Cooper meets ? – gemeinsam entdecken wir neue und alte Heroines und vertiefen uns in ihr Schaffen und ihre Biografien, um daraus passende Erzählungen für das fiktive Zusammentreffen unserer Protagonist*innen zu entwickeln: Welche Überschneidungen, welche Unterschiede formulieren sich in den Praxen der sich Begegnenden? Welches informelle oder gar repräsentative Setting, welche Beschäftigung würden beide für eine gemeinsame Begegnung wählen? Welche Einladungs- und Ankündigungsgesten müssen dafür entworfen werden – im Sinne von Mad-Mad-Mad-PR?
Das Medium der Ankündigung, ob Plakat, Flugblatt, T-Shirt, digitaler Teaser oder analoge Flüsterpost wird von den Teilnehmenden frei aus den individuellen Narrationen abgeleitet. Der unweigerliche Spagat zwischen Kuratieren, Gestalten und Autoren*innenschaft spielt dabei eine wichtige Rolle.

Während der drei Termine wird Grundlegendes zu Farbe und Farbraum vermittelt und der eigene Monitor kalibriert, es werden ICC-Profile besprochen und Programmeinstellungen vorgenommen.
Die Teilnehmendenzahl ist auf 6 Studierende beschränkt.

Das im Wintersemester angeeignete Wissen ermöglicht uns einen näheren Einblick in das Thema 3D-Modelling mit Rhino. Hier werden wir das Erlernte konsolidieren, um nun mit komplexeren Formen und Aufgaben fertig zu werden. Es wird kleine Übungen und Challenges geben wie auch normale Vorlesungen.

Frei nach Prinzipien der Permakultur suchen und schaffen wir Lebensräume für Pflanzen in der HfG, um Roh- und Nährstoffe zu gewinnen und dafür Nutzen zu finden, unter Einbeziehung bestehender Ressourcen Kreisläufe in der Hochschule zu beginnen und neue Ressourcen zu erschließen. Wir versuchen, mit möglichst wenig auszukommen und alles, was nötig ist, selbst zu entwickeln mit einfachsten und aus den Kreisläufen entstehenden Mitteln. Um dies zu ermöglichen, wird der freie Austausch von Wissen unterstützt und Raum für spontane Kollaborationen geschaffen. Mögliche Resultate sind Beiträge zur Cafeteria, aber auch allgemein zum Leben und der Arbeit an der Hochschule. Projekte aus dem ersten Greenhouse Seminar werden weitergeführt, im sich verändernden Habitat werden neue begonnen.

The economic powers held within the Elements of the Periodic Table act as the first set enquiries for a series of podcasts to be developed over the seminar. Pick one element of the 118 elements and produce a final podcast of 15 minutes with a guest, expert of your choice: guests can derive from a wide array of fields which results in an enriching collection. Each student will write a text of 500 words that includes the necessary information and data. It will be published in a single publication at the end of term, including a collection of transcripts or new texts on podcast findings. Further, choose one text or chapter by another professional that you wish to be recorded as podcast piece. The podcasts can be assisted with aesthetic decisions, maps, archived imagery and film-making. In
sum, Economics of Elements aims at producing content both digitally (podcasts) and physically (publications). It is based upon a research project in progress by Prof. Türetken. Please do not enlist if you cannot attend or commit on a regular basis.

Technical development and prototyping of one or more of the selected proposals of the KABIB project of WS 2019/2020. Anyone who is interested in this part of the design process is invited to join and help realise the selected proposals by making the working prototypes for testing and the final production pieces in collaboration with the HfG workshop and external companies.

Das Seminar „Trial and Error“ nimmt die zentrale Tätigkeit einer künstlerischen und gestalterischen Praxis in den Fokus: das Entwerfen. Es basiert auf deduktiven, induktiven oder abduktiven Prozessen. Entwürfe sind spekulative Vorwegnahmen und Vorausschauen und eröffnen Möglichkeitsräume. Zur Erarbeitung und Kommunikation von Entwürfen werden Darstellungsmedien genutzt, die auf eigenen Logiken und Voraussetzungen basieren.
In einer Serie von Vorlesungen und Übungen werden Methoden, Prozesse und Darstellungsmedien des Entwerfens reflektiert und mit ihnen experimentiert.

Das Seminar widmet sich dem Begriff des Performativen aus einer zweifachen Perspektive. Einerseits geht es darum zu zeigen, was der Performative turn bewirkt hat und was die historisch-diskursiven Voraussetzungen waren bzw. wie dieser die Kunst- bzw. Kulturtheorie verändert hat. Der zweite Aspekt ist die Frage der Anwendbarkeit/Konkretisierung performativer Strategien in der künstlerischen Praxis. Da das Performative nicht nur für die Theaterwissenschaft/Performance Studies eine Neuorientierung bedeutete (und somit ausschlaggebend für das postdramatische Theater und seine Inszenierungsarten war), sondern auf entscheidende Weise auch den kuratorischen Diskurs/Tätigkeit beeinflusste, werden dramaturgische wie auch kuratorische Handlungen in Betracht bezogen. In dieser Hinsicht versucht das Seminar jene Annäherung von Kuratieren und Dramaturgie, die in den letzten Jahren immer wieder zu Stande kommt, thematisch aufzugreifen. Anhand einer interdisziplinären Lektüre, die mit Beispielen zeitgenössischer künstlerischer Produktion verknüpft wird, werden die Positionen von John Austin, Jacques Derrida, Judith Butler, Erika Fischer-Lichte, Jon Mckenzie, Beatrice von Bismarck u.a. diskutiert.

Im Rahmen der monatlichen Reihe “Das Neue Stück” des Badischen Staatstheaters Karlsruhe werden aktuelle dramatische Texte vorgestellt. Regieassistent*innen des Staatstheaters sorgen für die szenische Einrichtung, die Seminarteilnehmer*innen gestalten Bühne und Kostüme. Die Schauspieldramaturginnen Nele Lindemann und Anna Haas lehren Grundlagen zur Theorie der zeitgenössischen Dramatik und führen in die dramaturgische und konzeptionelle Arbeit an einem neuen Text ein.  Anschließend entwerfen und realisieren die Studierenden in Zusammenarbeit mit Regie, Dramaturgie und den Gewerken des Theaters die “Spiel-Räume” für szenische Lesungen auf der STUDIO-Bühne.Constanze Fischbeck vermittelt raumtheoretische Grundlagen und begleitet die Entwurfsarbeit sowie deren praktische Umsetzung aus szenografischer Perspektive.

Fortsetzung des Seminars vom Wintersemester 2019/2020. Dieses widmete sich der Analyse des Zoologischen Stadtgartens Karlsruhe. Davon ausgehend wurden individuelle künstlerische Projekte entwickelt.
Das für das Seminar zentrale Thema der „Einhegung“ zeigt jetzt während der Corona-Pandemie ein weiteres Gesicht: Der Zoologische Stadtgarten ist für das Publikum geschlossen, er kann nur von außen betrachtet werden.
Das Sommersemester soll hauptsächlich die Möglichkeit geben, die bereits entstandenen Entwürfe und Arbeiten weiterzuführen und für eine gemeinsame Ausstellung zu realisieren.
Ein zusätzlicher Schwerpunkt liegt auf dem Begriff der „Einhegung“ in einem erweiterten Kontext und an einem neuen Ort. Das Musterdorf Haßloch mit seinem nah gelegenen Freizeitpark wird zum Ziel einer eintägigen Exkursion.
Wir beginnen das Seminar mit einer Besprechung in der Gruppe. Anschließend finden Einzelkonsultationen nach Bedarf zu den einzelnen Arbeiten statt. Ab Juni treffen wir uns zu gemeinsamem Seminar und Exkursion.
Präsentationen in der Mitte und am Ende des Semesters sind möglich.

Entwurfsprojekt für temporäre Ausstellungsräume der Staatlichen Kunsthalle Karlsruhe im Gebäude der Munitionsfabrik. Die Kunsthalle wird ab 2021 für die Dauer des Umbaus in den Hallenbau des ZKM umziehen. Im Seminar sollen hierfür experimentelle Räume konzipiert werden.

Donnerstags/Thursdays 11:00-14:00

In den letzten zwei Jahrhunderten haben wir eine Erweiterung künstlerischer Ausdrucksmittel von „statischen“ zu kinetischen/bewegten und generativen/reaktiven Bildern erlebt. Ich möchte diesem Pfad folgen und etwas Licht auf die eingesetzten Technologien werfen, besonders auf aktuelle Technologien, die es erlauben, Bilder durch prozedurale Mittel zu erzeugen, ob in Echtzeit oder nicht. Wir werden Bilder programmieren und sehen, dass wir mathematische Formeln einsetzen können, um Formen, Beziehungen oder Reaktionen zu beschreiben. Wir werden die Nutzung und den Fehlgebrauch aktueller technologischer Paradigmen planen, um hoffentlich etwas zu erzeugen, das weder vollständig menschlich noch vollkommen maschinell ist. Insbesondere werden wir einen Blick auf Houdini werfen, ein „prozedurales System, das Künstler in die Lage versetzt, frei zu arbeiten [...]“. Weitere Programmiertechniken nach Wahl der Studierenden werden vermittelt, abhängig vom erstrebten Inhalt.
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In the past two centuries, we’ve seen an expansion of artistic means of expression, moving from “static” to kinetic/moving and generative/reactive images. I would like to follow this path and shed some light on the technologies that were applied, especially on current ones that allow you to generate images by procedural means, real-time or not. We’ll program images and see that we can use mathematical formulas to describe forms, relations and reactions. We will plan the use and misuse of current technological paradigms to hopefully create something that is neither completely human nor completely machine-based. Especially we’ll have a look at Houdini, a “procedural system that empowers artists to work freely [...]”. Other programming technologies are students’ choice, depending on their desired content.

In dem Ringseminar werden in Zusammenarbeit mit der Hochschule für Musik Karlsruhe (HfM) aktuelle Standpunkte der Musik- und Klangforschung beleuchtet und kreativ hinterfragt.

Im Wechsel lesen und diskutieren wir aktuelle Texte zu klangorientierter Musik.
Dabei stehen Projekte, Kompositionen und Aufführungen aus dem Bereich der auditiven Kunst und die theoretische Diskussion zu Klang und Musik im Zentrum. Die Gastdozent*innen stellen eine Auswahl an Produktionen und deren theoretische Hintergründe vor.
Nach Absprache mit den Lehrenden können Teilnehmer und Teilnehmerinnen bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Das Seminar ist offen für Studierende aller Fachgruppen.

Mark Fell will be joining us for another semester focussing on sound and related issues as performance and exhibition. The first session will be an introduction to the project's aims, where the group will work together to define outcomes. The structure of the initial session will be open in order to accommodate the interests of those taking part. Discussion will include analysis of curating sound works and looking at recent examples of dealing with this subject area. Participants will be able to work on projects that will be presented at the end of the semester. There will also be a day of one-to-one sessions with Mark to discuss the development of your work.

In Auseinandersetzung mit Manifesten seit 1900 werden im ersten Teil des Semesters deren jeweilige Umsetzungen in Radioarbeiten bis in die Gegenwart untersucht: Das Futuristische Manifest und Umsetzungen von Chlebnikow, Döblin, Russolo; das Dadaistische Manifest in Stücken von Ball, Baargeld, Schwitters; das Surrealistische Manifest im Hinblick auf Techniken und Arbeiten von Breton, Hedayat, Zürn. Im zweiten Teil werden diese Analysen auf gegenwärtige Formate wie Podcasts angewendet: "This American Life" und "Serial"; "Denn sie sterben jung", Hörspielserie und Videopodcast von Antonio Ruiz-Camacho (NDR); "Tag X" (BR) und "Die Verschiebung von Serotonin" (SWR). Parallel werden die künstlerischen Arbeiten im Seminar vorbereitet und begleitet.
Das Seminar vereint Theorie und Praxis. Der Analyse ausgewählter Text- und Hörbeispiele folgt die praktische Umsetzung in Podcast, Hörspiel, Feature, Installation.
Mit Exkursion ins SWR Hörspielstudio Baden-Baden für Wortaufnahmen, Foley und Schnitt.
Offen für Studierende aller Fachgruppen.

Das Film-Seminar „Tagebuch-Filme – eine Montage-Übung“ hat den Schwerpunkt, die Mittel der Bildmontage verständlich zu machen und mit einer filmischen Übung konkret anzuwenden. Das gemeinsam mit der Editorin und Filmemacherin Eva Hartmann veranstaltete Seminar wird in vier Arbeitsphasen unterteilt.
Wir wollen uns mit filmischen Tagebüchern auseinandersetzen und uns Beispiele von der frühen Filmgeschichte bis heute – von Dziga Vertov über Jonas Mekas, Ruth Beckermann bis Peter Liechti ansehen. Anschließend nehmen die Studierenden selbst die Kamera zur Hand und halten Momente ihres Alltags fest. Sie experimentieren mit Ton und Bild, montieren Fotos, Archivmaterial und neu Gedrehtes und versuchen, den ein oder anderen Gedanken filmisch festzuhalten. In vier Arbeitsphasen findet eine intensive Auseinandersetzung mit selbstgedrehtem Material in der Montage statt.
1. Arbeitsphase:
Wir sehen uns vier Tage lang Beispiele für Tagebuchfilme aus der Filmgeschichte an, sprechen darüber, wie die Filme dramaturgisch aufgebaut sind und welche Erzählebenen eingesetzt werden. Wie sind die Filme montiert – eher assoziativ oder handlungsorientiert? Am letzten Tag dieses Blocks beginnen wir, über eigene Ideen zu sprechen. Es wird darum gehen, Beobachtungen aus dem Alltag in eine filmische Form zu bringen. Am Ende des Blocks erhalten die Studierenden die Aufgabe, einen Text zu schreiben, der die Grundlage für einen kurzen Tagebuchfilm (5-10 Min.) bilden soll.
2. Arbeitsphase:
In einer zweiten Arbeitsphase werden die Texte vorgestellt und besprochen. Es wird um die Frage gehen, wie der Text filmisch umgesetzt werden kann. Soll er als persönliches Voice-over im Film vorkommen oder wird der Inhalt des Textes komplett auf die Bild und Geräuschebene transferiert? Welche Bilder transportieren die Aussagen aus dem Text bzw. welche Bilder unterstützen diese Aussagen? Im Anschluss an diesen Block werden ca. drei Wochen Zeit zur Verfügung stehen, um Material zu drehen, Archivmaterial zu sammeln und die Texte einzusprechen.
3. Arbeitsphase:
Im dritten Block stellen alle Studierenden ihr Material vor und besprechen es mit der Gruppe. Eva Hartmann wird eine Einführung zu grundsätzlichen Fragen des Schnitts und der Projektorganisation geben. Wie kann man effektiv Material sichten? Wie entsteht die Struktur des Films? Welche Ansätze lässt das Material zu?
An konkreten Beispielen von Arbeiten einzelner Studierender werden wir allgemeine Gestaltungsfragen der Montage thematisieren. Am Ende dieser Projektphase soll für jedes Projekt ein grober Rohschnitt vorliegen, der noch erweitert und ausgebaut werden kann.
4. Arbeitsphase
Im vierten Arbeitsblock fügen die Studierenden neu gedrehtes Material in die Projekte ein und überdenken die im Rohschnitt angelegte Struktur. Am ersten Tag dieser Phase zeigen alle ihren Rohschnitt erneut sowie eventuell neu gedrehtes Material. Gemeinsam wird ein Fahrplan entworfen, an dem in den kommenden Tagen gearbeitet wird.
Der Schnitt der Tagebuch-Filme wird in diesem letzten Block fertiggestellt. Auf Farbkorrektur und Tonmischung wird nur am Rande eingegangen. Der Fokus liegt auf Dramaturgie und Montage. Das Seminar endet mit einer gemeinsamen Präsentation und Auswertung am Ende dieser Arbeitsphase.
Voraussetzung für die Teilnahme am Praxisseminar ist die begleitende Absolvierung eider beidennes Grundlagenkurse zur Einführung in die Filmtechnik bei Jonas Piroth und zur Einführung in die Tontechnik bei Lorenz Schwarz. Eine kontinuierliche Anwesenheit wird erwünscht. Die Zahl der Teilnehmer*innen ist begrenzt auf 10 Studierende. Anmeldung bis zum 20. April 2020 unter sturhan@hfg-karlsruhe.de
Termine:
1. Block 27.-30.04. 2020 Uhrzeit: 10-13 und 14-18 Uhr
2. Block 11.-12.5. 2020 Uhrzeit: 10-13 und 14-18 Uhr
3. Block 08.-12.06. 2020 Uhrzeit: 10-13 und 14-18 Uhr
4. Block 29.06-03.07. 2020 Uhrzeit: 10-13 und 14-18 Uhr

Immersive technologies, coupled with superior virtual environments, artificial intelligence algorithms, faster processors, and biometrics, are launching a new era in virtual experiences, artistic aesthetics and interactive storytelling. At the same time these technologies have the potential for invasive monitoring and control. What do these new technologies of immersion mean for the future society? What are the current and future artistic strategies that deal with this?
This seminar will focus on artistic practices in immersive environments (i.e. non-linear storytelling in 360-video, brain sensor interfaces, etc.). It will introduce the historical developments of media technologies – "from illusion to immersion" (Grau), 'how new media became new' (Manovich), and will look at "virtual art" in the broader context of visual culture – i.e. "contemporary tendency of visualizing" (Mirzoeff).
A specific focus of this seminar will also include 'techno-ecological' explorations, using new immersive technologies to reveal new perspectives on the "terrestrial" (Latour), establishing new connections with other species, and proposing viable future visions.
As a result students will create immersive artworks, 360-video experiments, VR environments, immersive installations, "techno-ecological" projects, artistic interventions, performances. The students will have a possibility to participate in Critical Zones (with regards to "Ecodata. Atmospheric Forest" VR project related activities), and to show their work Beyond Festival, as well as Rundgang, RIXC Art Science Festival in Riga, and other international events.

„Wie repräsentieren wir Menschen und Orte, die sich wesentlich von uns unterscheiden?“ Mit dieser Frage beginnt Stuart Hall seinen kritischen Artikel „Das Spektakel des >Anderen<“ (1997). Diese Frage zur fotografischen Repräsentation bildet den Ausgangspunkt für unsere praktische, theoretische und historische Auseinandersetzung mit dem Medium. Wir vergleichen zeitgenössische und historische Gebrauchsweisen der Dokumentarfotografie und diskutieren sowohl ihr kritisches Potential als auch die Problematiken: Inwiefern kann (sozial-)dokumentarische Fotografie als Medium der Kritik fungieren – und wo liegen ihre Grenzen? Welche Rolle nehmen wir als Produzent*innen, aber auch als Rezipient*innen, von ‚dokumentarischen‘ Bildern ein? Und lässt sich künstlerische von angewandter Dokumentarfotografie unterscheiden? Das Ziel ist es unsere eigene fotografische Praxis (auch in Vorbereitung auf die Exkursion nach Belarus im Sommer) zu reflektieren und zu schärfen.
Gast: Louise Wolthers (Kuratorin Hasselblad Foundation, Göteborg)

Scheinvergabe: Leistungsschein Medienkunst & Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst

The climate crisis and the impending ecological collapse affect not only the nature in which we live, but also our economic, political, social and technological systems. The climate crisis is a crisis of the current global civilization and therefore a task for the arts. In the seminar we will study films and artworks related to this subject and develop artworks to be shown at the BEYOND Festival at the end of July.

In diesem theoretisch-historischen Seminar geht es vor allem um die retrospektive Aktualisierung heute gängiger und scheinbar post-kapitalistischer oder aktivistischer Begriffe wie immersives Environment oder VR. Es geht um die Rückbeziehung von Technologien auf Ihre Pionierzeit, als die kreative Nutzung der genannten Technologien noch fundamental mit Ihrer Entstehungsgeschichte verknüpft war und von der breiten Öffentlichkeit bloß belächelte Avantgardisten wie Jaron Lanier, Warren Robinett, Brenda Laurel, Marvin Minsky oder Timothy Leary in Sonderforschungsbereichen von etablierten Ausstellungsformaten wie der Ars Electronica das finanzielle, aber auch heterotropische Potential zur Verfügung gestellt bekamen, neue Medien zu denken, zu erforschen und zu gestalten.
Die Installation einer VR-Abteilung an der HfG Karlsruhe bietet die Chance, die an der HfG traditionell betriebene Archäologie des Expanded Cinema mit einer Archäologie der immersiven Environments und der VR unter dem Namen Immersive Narratives zu vereinen. Während wir bisher mit dem Expanded Cinema die Beziehung der tschechischen Meister der materiellen Special-Effects – Josef Svoboda, Raduz Cincera oder Jan Svankmajer – zu den modernen Diskurse über Fotografie und Film betrachtet haben, werden wir das Thema nun um die US-amerikanischen Programmierer, Tüftler und Technik-Propheten erweitern.

Die HfG wird die erste Hochschule weltweit sein, die einen eigenen Satelliten ins All schießt:
Die Information bewegt sich durch Raum und Zeit immer in der gleichen Form. Sie manifestiert sich in einer Spirale. Der genetische Code wird in der Doppel-Helix-Spirale gespeichert genauso wie die Information in den zwei Rollen der Thora, der heiligen Schrift des Judentums. Wie die Laute der menschlichen Sprache in Form von Wellen (Spiralen), so bewegt sich unser Sonnensystem in gleicher Weise durch den Raum. Computerdisketten und Videobänder, CDs und Festplatten speichern Information spiralförmig. Unser Satellit wird spiralförmig aus der Trägerrakete katapultiert und wird innerhalb von drei Monaten spiralförmig Richtung Erdmittelpunkt gezogen, bis er verglüht. Das Universum ist ein informationssuchendes und informationsgebendes System: Das Universum scheint ein Bewusstsein zu sein.
In Kooperation mit AmbaSat schicken wir eine Weltraumsonde in den Orbit und nutzen ihre Signale, um neuartige Experimente und datengesteuerte Projekte zu entwickeln. Neben der Programmierung und dem Testing vor dem Lift-Off des Satelliten im Juli sowie der Erforschung der Möglichkeiten des neuartigen Interfaces von AmbaSat, dem AmbaSat Dashboard, wollen wir auch den poetischen Aspekt von weltraumdatengesteuerten Kunstprojekten ergründen.
Der Gründer und Visionär hinter AmbaSat Martin Platt wird uns unter anderem persönlich in einem Vortrag im Rahmen des Seminars von den Motivationen hinter seinen Ideen und der Zukunft der privaten Satellitentechnik berichten.
Neben dem Phänomen des privaten Satelliten im Umfeld des nonlinearen Storytellings sowie ähnlichen Techniken der Echtzeitdaten-Steuerung von Apps, Programmen, Spielen bis zum Internet der Dinge werden in Data Driven Narratives auch Grundlagen der Projektarbeit und -realisierung (Prototyping, Mock-Ups, etc.) bis hin zur Projektrealisierung vermittelt.

In 2011, José Maçãs de Carvalho, in what Hal Foster defined as “archival impulse”, began a project of viewing and categorising every negative, some dating back to 1988. He took the concepts of “archive” and “memory” as premises for the new projects (exhibitions) that he develops thenceforth. Arquivo e Melancolia (Archive and Melancholy) is the fifth work of a series of exhibitions that has been held in Portugal by the artist. This creation retrieves a photograph taken by José Maçãs de Carvalho in Macao, in 1996. The image of a wall, belonging to a small boat repair company, built with thousands of pieces of ironwork. The artist's fascination with this urban feature resides in its poetic dimension as an archive/deposit and in 2011 he returns to the same place to create a video. The image on a static shot of the wall evokes the spectral nature of photography, where melancholy resides. The image of the moving figures is reduced to these volatile, almost immaterial beings, which appear and disappear in a fragmented time. The temporal discord between the image of the wall, which establishes an internal and continuous time that pre-exists the lm itself, and the human figures that follow one another, which affirm the external and fragmented time, is presented as a meeting of two levels of independent discourse, two linguistic layers archived in the same filmic record. This cognitive dissociation of two different times is highlighted by certain situations throughout the film. Arquivo e Melancolia is a work about the several expressions of time, finding form in the concept of the archive and, at times, creating space for states of mind such as melancholy and new perspectives of awareness. This artistic piece is structured along a subtle discourse that is binary and synesthetic, mirroring José Maçãs de Carvalho's research on the texture of time, its materialisation and the reverse. The result is an epistemological work that is poetic in itself.
Professor Dr. José Maçãs de Carvalho is vice diretor of the College for the Arts at Coimbra University.

Technisches Zeichnen ist die Voraussetzung, um normgerechte Zeichnungen und Skizzen zu erstellen. Was sich heute weitgehend mit CAD-Programmen an Computermonitoren abspielt, muss dennoch gültigen Regeln folgen, um Ideen und Projekte deutlich, übersichtlich und unmissverständlich darzustellen. In Kooperation mit Tibor Weissmahr wird nun abschließend der Weg vom 3D-Modell in Rhino zur bemaßten Technischen Zeichnung in 2D aufgezeigt.
Fortsetzung des Seminars aus dem Wintersemester 2019/2020.
Teilnahme verpflichtend für das zweite Semester PD.

Die Teilnehmende lernen die Schaltzeichen und Stromlaufpläne kennen und sollten nach dem Seminar in der Lage sein, Schaltpläne zu lesen und diese mit einem elektrischen Betriebsmittel (Platine) zu vergleichen.

Wenn es stimmt, dass man ein Gedicht nicht verfilmen kann, bleibt die Frage nach den spezifischen Adaptionsweisen, mit denen sich das Medium des bewegten Bildes dem statischen Medium Text nähern kann. An der Begegnung von Literatur und Film lässt sich beobachten, dass experimentelle Techniken wie Collage, Montage, Cut-up oder die Entwicklung neuer narrativer Genres einen produktiven Austausch zwischen diesen beiden künstlerischen Ausdrucksformen in Gang setzen können. Die Suche nach solchen Konstellationen erfordert die Konfrontation von Medien, die von ihrem Ursprungsimpuls her nicht zusammen gehören. Das öffnet Räume für Unvorhergesehenes. Anknüpfend an Fragestellungen, die sich aus diesen Überlegungen ergeben, wollen wir filmische Adaptionen poetischer Texte (eigener oder fremder) entwickeln, die für das Wettbewerbsprogramm des internationalen ZEBRA Festivals im Herbst 2020 in Berlin eingereicht werden. ZEBRA ist das wichtigste Forum für ein eigenständiges Kurzfilmgenre, das auf Gedichten basiert. Das Seminar wendet sich an Studierende aller Fachgruppen, die sich mit eigenen Projekten an den Grenzerkundungen von Literatur und Film beteiligen wollen.

Einführung in alle Lehrveranstaltungen der Fachgruppe ADSZ im Sommersemester 2020.

Roundabout is the annual evening concert and semester presentation of MK Sound at HfG Karlsruhe. For two decades, students, alumni, and guest artists present their work together at unconventional locations. Participants are involved in all technical preparations, publicity work, line-up programming, and audio-visual recording. Performance works, interventions, sound art installations or musical contributions can be submitted.
Das Seminar ist offen für Studierende aller Fachgruppen.
In Absprache mit den Teilnehmer*innen findet der Kurs entweder zweisprachig, auf Deutsch oder auf Englisch statt.

On different occasions we will explore the Black Forest and the Rhine Delta hiking or canoeing. The untranslatable term “Wandertag” is a typical german concept of classes going wild and outdoor.

Tutorium: Bildung einer Redaktion sowie gemeinsames Erarbeiten der nächsten Ausgabe des Theorie-Journals NULLNUMMER N°1
Dies ist ein interdisziplinäres Tutorium für die nächste Ausgabe der NULLNUMMER, der Publikationsplattform des Fachbereichs Kunstwissenschaft und Medienphilosophie. Dabei geht es darum, einen Überblick über die Möglichkeiten und Formate des Publizierens innerhalb der HfG zu geben und neue zu konzipieren: Wer publiziert, wer schreibt und für wen? Was gab es und was könnte es geben?
Des Weiteren geht es um die Auseinandersetzung mit der Frage nach der Differenz und Definition von Theorie und Praxis. Das Vermeintliche Fade-In oder Fade-Out von der jeweiligen Disziplin in die andere sowie Momente von Überlappung und Vermischung sind in der Arbeit der Fachgruppen der HfG ständig präsent und sollen durch dieses Format betont werden. Dies ist kein reines Theorieseminar, sondern eine interdisziplinäre Plattform zum Eruieren textlicher, redaktioneller und gestalterischer Interaktion und Kooperation.

Kunstwerke haben im Laufe der Jahrhunderte viele Funktionsansprüche erfüllen müssen, Ihre ästhetische Autonomie konnte die Kunst erst vor etwa zweihundert Jahren mit der Entwicklung der Museen beanspruchen.
In der Auseinandersetzung mit der religiösen, der politischen, der ästhetischen und der abbildenden Funktion von Kunstwerken wird deutlich, dass die Grenzen zwischen angewandter und freier Kunst fließend sind. Die wesentliche Aufgabe beispielsweise eines mittelalterlichen Altarbildes oder eines absolutistischen Herrscherportraits lag in der visuellen Kommunikation religiöser und politischer Inhalte. Diese waren für das Publikum – unabhängig vom „Kunstgehalt“ – auf der Basis von tradierten Symbolen, Typen und Gattungen ablesbar. Wie aber lässt sich die entsprechende Ikonografie entschlüsseln? Welche visuellen Kommunikationsstrategien liegen ihr zu Grunde? Handelt es sich bei einer Druckgrafik Albrecht Dürers zum Bauernkrieg um ein Kunstwerk oder um ein politisches Flugblatt?
Mit Louis Sullivans Credo „form follows function“ (1896), William Morris' „Arts and Crafts“-Bewegung oder der Ausdehnung des Jugendstils auf Kunst, Architektur und Gebrauchsgegenstände werden die Differenzierung zwischen Kunst und Alltagsgestaltung aufgehoben. Mit der Entgrenzung der Kunst in das Leben, wie es Sonja Delaunay-Terk, de Stijl oder der russische Konstruktivismus im frühen 20. Jahrhundert forderte, wird schließlich das „Ende der Kunst“ beschworen und die Gestaltung des Lebens und damit auch das Design als neue Kunstform gefeiert. Hannah Höch wiederum gestaltet aus Alltagsmedien Kollagen und Marcel Duchamp erklärt trivial-funktionale Industrieprodukte wie einen Flaschentrockner zur Kunst. Beuys sieht schließlich in der sozialen Plastik eine Möglichkeit, die Gesellschaft selbst zu gestalten, und im Artivismus des 21. Jahrhunderts werden politisch motivierte Aktionen als Kunstwerk verstanden.
In der Auseinandersetzung mit exemplarischen Werken versuchen wir, verschiedenen Fragen im Kontext von Kunst, Gestaltung und Funktion auf den Grund zu gehen und die Notwendigkeit eines sich über die Jahrhunderte wandelnden und erweiterten Kunstbegriffes zwischen angewandter und freier Kunst zu verstehen.

This course covers histories of picture-making (painterly, chemical, mechanical, digital) by outlining the evolution of formats and frames (rectangular and circular, central and peripheral, isolated and combined). The contemporary image (multi-megapixel, lossy-compressed, algorithmically categorised) is described as a product of these histories.

Bi-weekly meetings include lectures, seminars and short workshop exercises applying strategies for using images: as singular artefacts, as instruments (of research, analysis, comparison) and in combination (through layout, in relation to format, page, screen).

Seit dem Jahr 2013 erarbeitet der US-amerikanische Komponist, Dirigent und Musiker Ari Benjamin Meyers Musikinstallationen, die seither in internationalen Ausstellungshäusern und Galerien präsentiert wurden. Sie nehmen in der Regel die Form von Performances oder Happenings an, werden aber auch als Notenblätter, spezifische Objekte oder mithilfe des Mediums Film im Ausstellungsraum und zunehmend auch im öffentlichen Raum präsentiert. Die Performer*innen der Stücke sind sowohl Laien als auch professionelle Musiker*innen. Sie bieten ein völlig anderes Musikerlebnis als dies bei klassischen Konzerten möglich wäre.
Doch wie kann Musik zum Kunstwerk werden? Nach welchen kuratorischen Konzepten verlangen sie? Brauchen Musikinstallation einen neuen Ausstellungskontext, oder wie Meyers vorschlägt, eine „Kunsthalle for Music“? Welche Rolle nehmen die Besucher*innen, welche die Performer*innen ein?
Fragen wie diese sollen im Seminar ebenso erläutert wie diskutiert werden. Konzepte und Intentionen des Typus Musikinstallation werden vorgestellt. Zugleich soll das Blockseminar aber auch zur Diskussion darüber anregen, welche neuen Formen der Produktion und Rezeption von Musik im Ausstellungsraum möglich sind.

Der Kurs vermittelt die Grundlagen und Grundfertigkeiten des Siebdruckens und ist für Studierende aller Fachgruppen geeignet. Hand- und Maschinensiebdruck werden geübt.
Jeder Teilnehmende erhält den Werkstattschein, der zur Benutzung der Siebdruckwerkstatt berechtigt. Die Teilnehmendenzahl ist auf 6 beschränkt.
Kurse finden in der vorlesungsfreien Zeit statt. Die Termine werden zum Ende der Vorlesungszeit per E-mail bekanntgegeben.

Das Seminar behandelt die tontechnischen Grundlagen für das Arbeiten mit Klang in den Bereichen Film, Video und Audiokunst. Es werden Aufnahmeverfahren für Sprache, Musik und (Umgebungs-)Geräusche erläutert sowie die Bearbeitung von Audiodateien mit den gängigen Softwaresystemen und Effektgeräten demonstriert. Dabei wird insbesondere der Einsatz von Sound-Effekten, Dialog und Musik in Verbindung mit Bild besprochen. Zudem wird technisches Wissen zu Schallwandlern und Mikrofonsystemen vermittelt und es werden Auswahlkriterien für Mikrofone in Tonproduktionen für Video- und Filmaufnahmen erklärt. Ein Schwerpunkt der praxisorientierten Veranstaltung ist die Vertonung visueller Arbeiten, wobei ebenso auf die Umsetzung reiner Audioarbeiten als auch auf experimentelle Klanginstallationen eingegangen wird.
Die Veranstaltung ist in zwei Blöcke gegliedert:
Teil I - Recording:
- Funktionsweise und Verwendung von Mikrofonen und Aufnahmegeräten
- Feld- und Raumaufnahmen, Recording am Set und im Studio
- Foley-Recording
Teil II - Klangbearbeitung und Tonmischung:
- Verwendung von DAWs
- Einsatz von Filtern und Effektgeräten
- Erzeugen von Soundeffekten und stimmungstragenden Klängen
Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche und es können Scheine erworben werden.
In Absprache mit den Teilnehmer*innen findet der Kurs entweder zweisprachig, auf Deutsch oder Englisch statt.

Aktuell werden historische Kategorien von Körper-Bildern in den Wissenschaften, in der Kunst und in den sich wandelnden gesellschaftlichen bzw. ökonomischen Systemen überzeichnet und durch neue Entwürfe ersetzt. Anderseits gibt es gesellschaftliche Kräfte, die sich auf konservative Körper-Bilder beziehen.
Welchen Entwicklungen begegnen wir in den Wissenschaften, in der Kunst und im Wandel von gesellschaftlichen bzw. ökonomischen Systemen?
In den Medien sehen wir übermenschlich schöne oder virtuelle Körper, welche die Grenzen des natürlichen Körpers verlassen. Wie lässt sich in der Vielfalt von Möglichkeiten und medialer Repräsentationen das Verhältnis Körper–Körper-Bild–Mensch fassen? Ist die Krise der Gegenwart eine Krise der Körper und ihrer Repräsentation? 
Diese Fragen werden im Seminar mit den Mitteln der künstlerischen Recherche und den Methoden der Performance untersucht werden. Der erste Block ist der intensive Recherche und dem gemeinsamen Austausch gewidmet. Im Semester soll die eigenen künstlerische Recherche in die eigene künstlerischen Arbeit einfliessen, die bis Juli 2020 entwickelt werden kann.

Practical Workshop on “artificial and artistic intelligence”.
From time immemorial people have debated: "What makes a thing a work of art?" With the rise of artificial intelligence a new question arises: "Can AI be creative?" There is a new wave of artists using AI as part of their artistic process and truly opening up both debates. In our workshop we are not interested in AI making art but concentrating on the aspect of artists using AI as a creative and inspirational tool.

How to write about contemporary art? Diese Frage war Titel eines 2014 erschienen Ratgebers der Londoner Kunstkritikerin Gilda Williams. Die Antwort jedoch, so lernen wir schon in der Einleitung, liegt irgendwo zwischen den spröden Konventionen des "International Art English" und dem Erarbeiten einer eigenen Stimme, Methodik und nicht zuletzt eines Ethos des kritischen Schreibens. Dabei gilt es, das Ich des Autors oder der Autorin irgendwo zwischen den Polen "Confessional Writing" und "objektiver Kritik" – zwischen "Kunst" und "Wissenschaft" – zu stabilisieren. In diesem Praxisseminar werden wir die einschlägigen Textsorten kunstwissenschaftlichen Schreibens auf ihre Machart hin untersuchen und uns schreibend aneignen. Begleitend zu dieser Praxis werden wir Ratgeber lesen und die Standpunkte methodenkritischer Theoretiker*innen kennenlernen und diskutieren. Autor*innen einschlägiger Magazine (Frieze, Artfoum) werden uns darüber hinaus ungefilterte Einblicke in die Realität des professionalisierten Schreibens geben. Für den Scheinerwerb müssen während des Semesters zwei Schreibaufgaben geleistet werden. Zusammen mit aktiver Mitarbeit ersetzen diese das Anfertigen einer Hausarbeit.

In dem wöchentlichen und praktisch orientierten Kurs werden die Grundlagen und Möglichkeiten des systematischen Arbeitens mit Adobe Premiere Pro vermittelt. Besprochen werden alle essentiellen Themen für eine gelungene Post-Produktion: Planung und Anlage eines Projekts, Organisation von Material, Schnittwerkzeuge und -techniken, Arbeit mit Vorschau-Monitoren und Timeline, Arbeit mit animierten Effekten, Tonanlage in Stereo und 5.1, Multikamera-Schnitt sowie der Export für Datenträger, Internet und auch das Kino. Das Praxisseminar beinhaltet dann auch grundlegende Themen wie aktuelle Video-Formate, Grundlagen der Farbwissenschaft und -korrektur und Formatierung für (Multi-Screen) Installationen. Vorkenntnisse sind keine erforderlich, Einsteiger sind ausdrücklich willkommen.

This weekly, hands-on seminar will concentrate on extensive basics of an organized film editing and post-production project using Adobe Premiere Pro. We will also dive into current video formats, color science and correction, export for multiple purposes like installations, the internet or cinema.

Künstlerbücher sind seit den 1970er Jahren zu einer komplementären wie eigenständigen Kunstform geworden. Über die Jahrzehnte entwickelten sie sich zu einer Bewegung, die mit allen Formaten wie Möglichkeiten des Veröffentlichens und des Print-on-demands spielt.
In dem Seminar beschäftigen wir uns mit ikonischen Künstlerbüchern, die die künstlerische Fotografie entscheidend geprägt haben, wie zum Beispiel Ed Ruschas „Every Building on the Sunset Strip“ oder Roni Horns „Another Water“.
Im Sommersemester werden wir unseren Fokus vor allem auf die Künstlerbücher-Flut des letzten Jahrzehnts legen. Anhand von unseren im Wintersemester 2019/2020 entwickelten Ideen fertigen wir eigene oder kollaborative Künstlerbücher mit Fotografie an und steigen so immer tiefer in die Welt des Sortierens, Formens, Konzeptualisierens und Zusammenfügens ein. 
Fortführung aus dem letzten Semester, mit Fokus auf der Entwicklung und Produktion von eigenen Künstlerbüchern mit Fotografie.
Offen für Studierende aller Fachgruppen. Einstieg möglich.
Gast: Maren Lüdtke-Tiedow (Editor Camera Austria / Herausgeberin unzähliger Künstlerbücher mit Fotografie)

Das Angebot richtet sich an Studierende (Kommunikationsdesign), die an ihrem Diplomprojekt arbeiten. Ob am Anfang oder mitten im Prozess: In den Sprechstunden werden konzeptionelle und gestalterische Fragen innerhalb des selbstgesetzten Diplomthemas diskutiert und vorangetrieben. Auch das Erstellen einer Timeline, Informationen zur Anmeldung, Förderungen und die Nebenfachprüfungen sowie der Umgang mit Diplomausstellung und Präsentation sind Teil der Betreuung. Im gemeinsamen Gespräch versuchen wir, allen Unklarheiten oder Schwierigkeiten so gut wie möglich vorzubeugen und uns in Richtung Diplom vorzuarbeiten.

Besprechung aktueller Filmarbeiten in unterschiedlichen Stadien: erste Entwürfe; Ideen; Fragestellungen; Skizzen; fortgeschrittene Arbeiten. Filme, die bereits in der Montage sind, können gemeinsam gesichtet und diskutiert werden. Das betrifft sowohl Projekt- als auch Vordiplom- und Diplom-Arbeiten.

The individual meetings (Sprechstunden) are related to “Virtualities and Realities” Seminar, but are not limited to it. The aim of Sprechstunden is to provide the students (primarily those working with new media art, and on the edge of art, science and technologies) with an opportunity to discuss their individual projects and artistic ideas. Students will receive the feedback and suggestions with regards how to turn their ideas into the artistic productions, as well as how to disseminate their results by participating in local and international exhibitions, conferences, festivals, and other participatory events.

Sprechstunde und Coaching für den Übergang, zwischen KSK und Berufshaftpflicht, Business Modelling und Start-Up, Preisgestaltung und ALG-Antrag, Wertschöpfung und Wertschätzung.
Zugang zu Gründer*innennetzwerken und fördernden Institutionen der Kultur- und Kreativwirtschaft.

In Einzelterminen wird eine individuelle Betreuung von der ersten Idee bis zum Abschluss des Projekts angeboten. Der Fokus liegt dabei auf Machbarkeit, Statik, Konstruktion, Materialität, Verfahrenstechniken und Konstruktionszeichnung. Die eigenständige Umsetzung wird dabei gefördert und gelehrt.
Die individuelle Projektbetreuung vermittelt auch handwerkliche Grundlagen und beinhaltet die Einführung in das erweiterte Werkstattangebot bezüglich Maschinen, Geräten und Techniken, die über die Grundeinweisung hinausgehen.
Bitte Projektblatt und Skizzen mitbringen!
Anmeldung: termine.werkstaetten@hfg-karlsruhe.de

Colloquium for PhD students in Media Theory

Das Offene Kolloquium richtet sich an Interessierte aus allen Fachgruppen mit dem Ziel, Projekt-, Prüfungs- und Abschlussthemen zu diskutieren, darin eingeschlossen auch allgemeine Fragen der Konzeption und Recherche, der Gliederung und Formulierung von Texten oder der wissenschaftlichen Zitation und Illustration.

Studierende und Lehrende des Fachbereichs Ausstellungsdesign/Szenografie präsentieren in kurzen Vorträgen ihre aktuellen Arbeiten und stellen diese zur Diskussion.

The colloquium is related to “Virtualities and Realities” Seminar, but is not limited to it. The colloquium is open to everyone interested in discussions on new media / post media developments, techno-ecological art practices, AI and post-human discourses, present and future strategies of immersive technologies, its impact on artistic aesthetics, and broader implications on society.
As for theoretical background, you may refer to this publication: "Virtualities and Realities" (2019), edited by Rasa Smite and Raitis Smits) (http://acousticspacejournal.com), as well as books by Oliver Grau, Lev Manovich, Bruno Latour, and other “Virtualities and Realities” Seminar bibliographic material.
However, the colloquiums will be primarily focusing on discussing contemporary practices and creative work by the students, as well as their artistic ideas and experiences. The open programs of the V&R colloquiums will feature “show and tell” sessions, screenings, discussions (moderated by students), invited guests and artist talks, thus facilitating exchanges and generating new ideas.

Informal discussion on students’ projects, presentations. Everything from work in progress, film, poetry or just pure ideas can be presented to the group for sharing and receiving feedback. The colloquium is open for students from all departments and sets a focus on interdisciplinary approaches.
On 15 May we will have a special meeting where we discuss your projects / ideas for an upcoming exhibition. Please feel free to come with any project in any state of development.
With drinks and snacks.

klingt gut! is an interdisciplinary event at the intersection of art and technology.
KLG 2020 will have a special focus on sonic art, sound design, electro-acoustic music, spatial audio, and extended/digital realities.
(https://www.tonlabor-haw.de/klg/klingtgut-2020)