Available courses

"This basic seminar will give an insight into histories of display in exhibitions, using selected case-studies of radical displays, be they from art exhibitions, documentary, historical or scientifically-themed ones. Display within exhibitions is intended to address the presentation to the public, the selection and installation process, the choice of a site and space, as well as the social and political relations associated with these processes; but display is also intrinsic to a work itself, and is, in fact, an essential part of it. The exhibition plays an important role in the studio, the workshop, in the museum, in the gallery, but also in general in relation to the conception of work – both of (art)works and of curatorial works – and is part of its formulation, of its realisation."
Kompaktseminar/Workshop
voraussichtlich 6.11. bis 10.11. ganztägig
Online, Raum 311 und Soundstudios
Anmeldung bis 23.10.23 unter lschwarz(at)hfg-karlsruhe.de

Max Welcome Week (Orientation Year OY)

Eine Einführung in DIE Programmiersprache für alle Multimedianwendungen: Audio, Video, Arduino - Synthese, Analyse - Sensoren, Aktoren . . .
Max, also known as Max/MSP/Jitter, is a visual programming language for music and multimedia developed and maintained by San Francisco-based software company Cycling '74. Over its more than thirty-year history, it has been used by composers, performers, software designers, researchers, and artists to create recordings, performances, and installations.
https://en.wikipedia.org/wiki/Max_(software)


Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche.
Kompaktseminar/Workshop
voraussichtlich 20.11. bis 24.11.2024 ganztägig
Online, Raum 311 und Soundstudios
Anmeldung bis 30.10.23 unter lschwarz(at)hfg-karlsruhe.de

Fortgeschrittene Praktiken in MAX, DIE Programmiersprache für alle Multimedianwendungen: Audio, Video, Arduino - Synthese, Analyse - Sensoren, Aktoren . . .
https://en.wikipedia.org/wiki/Max_(software)


Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche.
Was bedeuten Denken, Wollen und Urteilen im Zeitalter der so genannten intelligenten Maschinen, der Hegemonie der Naturwissenschaften und der manipulierten Kommunikation?
Im Zentrum des Seminars steht das dreibändige Werk von Hannah Arendt „The Life of the Mind“ (1978) / „Vom Leben des Geistes“ (1979), in dem sie die geistigen Tätigkeiten als mit den praktischen Tätigkeiten ebenbürtige untersucht.
Inwiefern kann Denken davor schützen, Böses zu tun? Warum gehören sowohl Gewissen als auch Ergebnisoffenheit wesentlich zum Denken?
Inwieweit schafft der Wille als das Talent, das Alte zu überwinden und das Neue zu beginnen, den Charakter einer Person? Was haben Wille und Verantwortung miteinander zu tun?
Urteilen wir aufgrund verinnerlichter Moralvorstellungen – oder letztlich ganz ohne Rückgriff auf ein System? Warum ist das ästhetische Urteil ein Vorbild für das politische Urteilen? Welche Bedeutung hat die Fähigkeit, den Standpunkt der Anderen einzunehmen und vom eigenen Willen abzusehen, für das Urteilsvermögen?
In den drei Bänden mit den Titeln „Das Denken“, „Das Wollen“, „Das Urteilen“ entwickelt Hannah Arendt ihre Untersuchungen im Dialog mit Philosophen wie Platon, Aristoteles, Kant, Hegel oder Nietzsche, die sie behandelt, als wären sie Zeitgenossen. Das Seminar ist daher sowohl für fortgeschrittene Studierende geeignet als auch für alle, die an einer Einführung in die Philosophie interessiert sind.
Über das Werk „Vom Leben des Geistes“ hinaus werden wir außerdem kleinere Ausschnitte aus anderen Schriften Hannah Arendts wie u.a. "The Human Condition" (1958) / "Vita activa oder Vom tätigen Leben" (1960) or "Eichmann in Jerusalem. A Report on the Banality of Evil" (1963) / "Eichmann in Jerusalem. Ein Bericht von der Banalität des Bösen" (1964) lesen und uns einen Begriff von Hannah Arendts politischem Denken machen.

Die Lehrveranstaltung kann als Seminar wie auch als Basis-Lehrveranstaltung besucht werden, mit jeweils unterschiedlichen Anforderungen zum Erwerb eines Leistungsscheins.

Seminarsprachen sind Deutsch und/oder Englisch je nach Bedarf.



What do thinking, willing and judging mean in the age of so-called intelligent machines, the hegemony of the natural sciences and manipulated communication?
The seminar will focus on Hannah Arendt's work "The Life of the Mind" (1978) / "Vom Leben des Geistes" (1979), in which she examines mental activities as on a par with practical activities.
To what extent can thinking protect us from doing evil? Why are both conscience and openness to results essential to thinking?
To what extent does the will, as the talent for overcoming the old and beginning the new, create a person's character? What do will and responsibility have to do with each other?
Do we judge on the basis of internalized moral concepts - or ultimately without recourse to any system at all? Why is aesthetic judgment a model for political judgment? What significance does the ability to take the standpoint of others and to refrain from one's own will have for judgment?
In the three chapters of her work entitled "Thinking," "Willing," "Judging," Hannah Arendt develops her investigations in dialogue with philosophers such as Plato, Aristotle, Kant, Hegel, and Nietzsche, whom she treats as if they were contemporaries. The seminar is therefore suitable for advanced students as well as for anyone interested in an introduction to philosophy.
In addition to "The Life of the Mind," we will also present smaller excerpts from other writings by Hannah Arendt, such as "The Human Condition" (1958) / "Vita activa oder Vom tätigen Leben" (1960) or "Eichmann in Jerusalem. A Report on the Banality of Evil" (1963) / "Eichmann in Jerusalem. Ein Bericht von der Banalität des Bösen" (1964) and give us an idea of Hannah Arendt's political thought.

The course can be taken as a seminar as well as a basic course, each with different requirements for obtaining a certificate of achievement.

Seminar languages are German and/or English as needed.
Die Vorlesung bietet eine Übersicht über die zentralen Methoden und Begriffe der Kunstwissenschaft und der historisch-theoretischen Arbeit im weiteren Sinne. In jeder Sitzung wird ein ausgewähltes Motiv in den Mittelpunkt gestellt, um Herangehensweisen an so unterschiedliche Bereiche wie z. B. Architektur, Fotografie, Malerei oder Performancekunst zu diskutieren. Je nach Gruppengröße und Interesse können ergänzende Besuche in den Nachbarhäusern ZKM, Städtische Galerie und Staatliche Kunsthalle eingerichtet werden, wegen der Öffnungszeiten abweichend am Donnerstagvormittag.
We humans are story-driven animals. Every morning when we get up, we believe in the most improbable stories and organize ourselves with other story believers around these narratives. Religions, cultures, nations, political parties, corporations, history itself, and even science are narratives that get their (different) reality content from the fact that people believe in them in larger numbers.
Throughout the long and adventurous history of humankind we invented numerous forms and ways of doing that. These forms and ways have their own rules and principles which largely depend on a context, i.e. on the spatial and temporal conditions of a story-telling (and story-listening) process. Reflecting this multifaceted tradition the course will provide its participants with a basic knowledge on the history, theory and practice of various narrative forms and strategies and also on fundamental principles of dramaturgy.
Der „Neue Deutsche Film“ , war ein Filmbewegung in der Bundesrepublik Deutschland der 1960er und 1970er Jahre. Die Bewegung wurde von der französischen „Nouvelle Vague“ und der 68er-Protestbewegung beeinflusst. Prägende Regisseure waren Alexander Kluge, Hansjürgen Pohland, Edgar Reitz, Wim Wenders, Volker Schlöndorff, Werner Herzog, Hans-Jürgen Syberberg, Peter Fleischmann, Werner Schroeter sowie Rosa von Praunheim und Rainer Werner Fassbinder. Diese Filmemacher stellten Gesellschafts- und politische Kritik in den Mittelpunkt ihrer Arbeit, auch in Abgrenzung zu reinen Unterhaltungsfilmen. Als Autorenfilme wurden diese Produktionen in der Regel unabhängig von großen Filmstudios realisiert.
Situated within the Digital Arts curriculum, "Laboratory I : Review Sessions" functions as an essential counterpart to "Laboratory II: Research." Whereas "Laboratory II: Research" focuses on the methodologies and hands-on aspects of practice-based research, the Review Sessions are dedicated to reflection, critique, and iterative development.
Under the guidance of Prof. Anne Duk Hee Jordan, these sessions provide students with a discussion of their research applications and artistic processes.
Running concurrently with the Laboratory II: Research, the Review Sessions concentrate on
- Encourage critical thinking and self-assessment.
- Carry out discussions and references on various applications of practice-based research.
- Offer perspectives on refining artistic processes and methodologies.
- Ensure that practice-based research aligns with the theoretical underpinnings discussed in related seminars - "Queer Ecologies" & “From Stupidity to Ecology.”

Laboratory I & II will run simultaneously, cross over and share times and space at moments out of the semester.
The Laboratory seminar series, led by Helin Ulas and Duk Hee Jordan, is compulsory for students enrolled in the course "Queer Ecologies" & “From Stupidity to Ecology.“ The laboratory is mandatory for the conceptual seminar, as it establishes the foundation for artistic practice.
First Session: 25.10.2023.
Within the Digital Arts curriculum, the Laboratory II- Research(the Lab) seminar provides a platform for practical exploration, complementing the theoretical discussions presented in the "Queer Ecologies" & “From Stupidity to Ecology “ seminar by Prof. Anne Duk Hee Jordan.

As the latter delves into non-binary ecologies and critiques anthropocentric perspectives, the Laboratory Seminar emphasizes applying these concepts in tangible forms.
The Lab takes shape as the title suggests a laboratory, where we meet and explore practice-based research topics and learn about primary and secondary research methodologies.
- Understand concepts such as primary and secondary research methodologies, and applications of the concepts in practice.
- Utilizing multimedia and technology within art projects.
- Explore a range of research-based practices (explorations in form, storytelling, immersive environments)
- Collaborative discussion groups, for learning about construction feedback and critique in a peer-reviewed environment.

Laboratory I & II will run simultaneously, cross over and share times and space at moments out of the semester.
The Laboratory seminar series, led by Helin Ulas and Duk Hee Jordan, is compulsory for students enrolled in the courses "Queer Ecologies**”** & ****“From Stupidity to Ecology.“ ****The laboratory is mandatory for the conceptual seminar, as it establishes the foundation for artistic practice.

Introduction / First session: 25.10.2023.
Die (Selbst-)Dokumentation erlangt im künstlerischen Kontext zunehmende Bedeutung. Oftmals ist die Dokumentation eines Projektes nicht mehr vom Produktions- und Distributionsprozess zu trennen und integraler Bestandteil des künstlerischen Arbeitens. Neuere Medien und Kunstformen, die zeit-, prozessbasiert, ephemer oder digital sind, fordern auch innovative Formen der Dokumentation und stellen Künstler*innen, Kurator*innen und Restaurator*innen ebenso wie Forscher*innen vor neue Herausforderungen.
Mit der Basis-Lehrveranstaltung "Dokumentiert!" bietet das HfG Open Resource Center eine Einführung in die Theorie und Praxis des Dokumentierens an. Im Seminar besprechen wir zunächst die Theorie des Dokumentierens und Archivierens und beschäftigen uns dann mit dem Feld der künstlerischen Forschung. In praktischen Übungen können die Kenntnisse angewandt werden. Abschließend erfolgt eine Einführung in die Medienplattform madek, die allen Studierenden als Dokumentations- und Publikationsplattform zur Verfügung steht und als Archiv der Abschlussarbeiten an der HfG genutzt wird.
Die Konferenz «Point of No Return» fungiert als Recherche-Tagung und Netzwerktreffen zur Frage nach aktuellen Produktionsbedingungen im künstlerischen Schaffen im Hinblick auf die Umweltkrise. Wir treffen uns mit mehreren Hochschulen um uns folgendem zu widmen: "Wir stehen mit Blick auf den Klimawandel kurz vor einem Kipppunkt – vor einem «Point of No Return». Die Frage ist nicht, ob wir etwas verändern sollen sondern wie. Einen Umschwung hin zu umwelt-freundlicherem Handeln und zukunftsorientiertem Denken in den Darstellenden Künsten können wir nur mit vereinten Kräften erwirken. Der Wissensaustausch unter den verschiedenen Akteur*innen ist essentiell, um die Schwelle zu vermehrt sorgsamem Umgang mit Materialien niedrig zu halten. In «Point of No Return» setzen wir ein Zeichen für eine neue Togetherness. Ein Umdenken ist notwendig, in welchem Praktiken des Recyclens, des Collagierens, des Arrangierens, des Tauschens, Wiederverwendens und Teilens in den Vordergrund treten."
Die Kooperation mit dem Theatre du Maillon Strasbourg geht in die nächste Runde. Im Wintersemester 23/24 haben wir die Möglichkeit 2 Aufführungen zu sehen. Es sind:

1.12. 2023, Extra Life von Gisèle Vienne (frz mit dt Übertiteln), 20.30 Uhr (Dauer 1,5 Stunden)
https://maillon.eu/de/inszenierung/774.extra-life
Kartenkontingent: 15 Tickets
Nachgespräch: 4.12. 2023, 15-16:30

31.1.2024, Cadela Força von Carolina Bianchi (bras. Portugiesisch mit fr und engl Übertiteln), 20.30 Uhr (Dauer 2,5 Stunden)
https://maillon.eu/de/inszenierung/775.cadela-forca-trilogie
Kartenkontingent: 15 Tickets

1.2. 2024, Kurzworkshop mit Luisa Callegari, der Szenografin von Cadela Forca auf der Bühne
der Aufführung. Teilnehmerzahl: 6 Studierende HfG Karlsruhe, 6 Studierende HEAR Strasbourg
Nachgespräch: 2.2.2024, 10-11:30

Ihr könnt Euch für die beiden Aufführungsbesuche individuell anmelden, für den Kurzworkshop mit Luisa Callegari müsst ihr auch die Aufführung sehen und in Strasbourg übernachten.
Following the seminar and the excursion, the School of Casablanca project will travel to Berlin for a new exhibition and installation by Céline Condorelli, which will host and support the possibility of presenting student work from the seminar. The exhibition opens on 15th February with students contributing to the first weekend of events.
The focus of the excursion is the realization of audiovisual projects created in the “Autor*innenwerkstatt”.
This field trip is dedicated to the artistic expressions, gazes and movements of feminist positions in Paris.
Which political demands and thoughts persist today that already formed the cornerstones of the barricades during the Paris Commune in 1871?
We will visit exhibitions, screenings, libraries, clubs and magic shows.
This colloquium looks at how culture is embedded in codes and how those codes are embedded in software and hardware and how this cycle repeats to reproduce cultural norms. It looks at the colonial project and how its ghosts haunt the everyday and inhabit not just the devices we use and take for granted, but the social actions we all perform. The issues addressed involve questions like: Which of these actions are codified within the colonial operating system? How and where were they implemented and by whom? To what ends? How are they still in operation today? How are they present in the tools we use? What are the ghosts in the machine?

This will be complemented by the counter measures of the post-colonial, de-colonial and and anti-imperialist struggles and practices, both contemporary and historical and how those take form in the social and political and in arts and cultural practices. We will also delve into the sometimes murky territory of terminology: how language itself functions as a code. When you know the codes, you have the keys.

The colloquium will include a one day excursion to visit regional anti-colonial arts and culture initiatives and It is the basis for future project based seminars.
Monatliche Gruppenbesprechung von Vordiplom- und Diplomprojekten in wechselnden Konstellationen.
Monthly group discussion of pre-diploma and diploma projects in changing constellations.
Diskussionen, Übungen und Inputs für Studierende des ersten Semesters von verschiedenen Lehrenden und Gästen. Ziel ist es, eine Kultur des Arbeitens im Atelier zu entwickeln, die eigene Forschung zu vertiefen, Projekte zu diskutieren und verschiedene Fähigkeiten zu erlernen, die nicht Teil der Grundlagenkurse sind.



Discussions, exercises and inputs for first semester students from different teachers and guests. The aim is to develop a culture of working in the studio, deepen your own research, discuss projects and learn different skills which are not part of the mandatory courses.
Das Offene Kolloquium dient dem gemeinsamen Austausch und der Konzeption, Ideenfindung und Formulierung von laufenden und künftigen Projekten im Magisterstudium und im Diplom. Zur Sprache kommen Fragen wie z. B. zum Verfassen von Texten, zum Einsatz von Bildern oder zu bestimmten Recherchen und Materialien, aber auch rund um das Studium und den Studienabschluss. Alle Fachgruppen sind willkommen.

Das Kolloquium wird regelmäßig jedes Semester angeboten.
The colloquium invites students to discuss art (and more generally societies, their cultures and ways of thinking) as being embedded in normative identities and/or diverse areas of the world. We will ask:
What does it mean to belong to the “West”?
Is there such a thing as an “East-European art” or a “Balkan art”?
Who, how and why draws boundaries between cultural identities?
What is the so-called “civilizational difference” and why it is so dangerous?
Needless to say, our discussion won’t be able to avoid questions of politics and war.
VJ Culture, Synästhesie und Moving Images for Stagedesign and Szenographic purposes, Projektion Mapping Immersive Projection Mapping Installationen, VJing Architecturmapping, Visuals für Theater, Oper, Konzerte, Clubbings, Shows. Wir analysieren die Kraft der bewegten Bilder jenseits von Kinoleinwand und TV Monitor. Kombination Theorie und Praxisseminar mit Workshop.
Einführung in die technischen Grundlagen von Licht, Ton- und Bühnentechnik des großen Studios der HfG im Erdgeschoss.
Pflichtkurs für alle, die in großen Studio Projekte, Ausstellungen oder Veranstaltungen realisieren möchten.
Praktischer Umgang mit Scheinwerfern und weiteren Lichtquellen die an der Hochschule vorhanden sind. Kennenlernen von Lichtsteuerpulten, Bewegtlicht, Einsatz von Nebel/Haze und erstellen von eigenen Lichtsetups.
Teilnahmevoraussetzung: Einführungskurs großes Studio
Bekannte Markensignets sollen spielerisch oder auch in aller Ernsthaftigkeit in dreidimensionale Markenbotschaften überführt werden, deren Funktion dem „Merchandising“ entsprechen, die aber vielmehr auch eine kritische Botschaft der mit der Marke transportierten Werte und zur jeweils vertretenen Waren- und Konsumkultur generell übermitteln können.
Von eleganten Skulpturen bis zu kongenialen Multiplikatoren als Werbeartikel ist alles möglich. Einübung grundlegender Fertigkeiten in der 3D Modellierung sowie im Modellbau stehen im Mittelpunkt dieses Projekts für das 1. Semester.
Spätestens seit den Experimenten der Aaltos hat Schichtfurnier oder „formsperrholz" die formalen und technischen Möglichkeiten für eine industrielle Nutzung von Holz erweitert.
Bereits im Sommersemester galt es die Widerständigkeit des Materials, die Herausforderungen und die Faszination des Formverleimens in kleinen Experimenten kennenzulernen.
Im Wintersemester 23/24 sollen die so gefundenen Erkenntnisse in funktionale und realitätsnahe Objekte umgesetzt werden.

Die Studierenden können sich mit Texten und Präsentationen einbringen, um den geforderten Fachtheorie-Schein zu erhalten, zum Nutzen der gesamten Fachgruppe und mit themenbezogenen Inhalten zur Designgeschichte.
This assignment is inspired by the exhibition ‘Looking Ahead: Objects of Change’. This presentation showcases a selection of the design objects from the collection of Museum Boijmans Van Beuningen and investigates how futureproof they are. A museum is safeguarding the collection from the past and carries it into the future. It works almost like a time capsule, taking today towards the future.

Reconsidering a museumcollection in this forward thinking approach, you might want to question the relevances of the choices of collecting in a long-time perspective? Or with other words; how respectful are these objects towards future life on the planet.
In the activity of forecasting it is impossible to predict the future, but we do know what major challenges lie ahead of us. If you take them in account, it becomes a given that the relationships between humans, animals and nature is about to change structurally. In the research for the exhibition Museum Boijmans Van Beuningen collaborated with ‘Museum of 21st Century Design’ and tested the objects on the social and ecological impact. A speculative storyline was created.

This semester we will (also) travel to the future, and create our own storyline; 85 years from now the world is returning to calmer weathers after periods of extreme heat and flooding. National borders and coastlines have shifted. The great disasters have created new communities with different shared values. The starting point of the course will be describing a scenario in the year of 2108. Here an example of a press release of an event that took place that year, in which a remarkable discovery was made in a ruin;

Press release, 2108; 19.345 since the disaster – The 'International Office for Reconstruction'
“It presents its first find from the collection of objects made by people from the 20th and 21st centuries. It is yet unknown why these objects were kept in so-called 'museums'. What the collection does show, however, is how irresponsibly our ancestors lived. In 2108, the planet is a place where all life flourishes. Pollution is a crime against all species on earth. The objects found testify to practices that almost brought us to our end. Others illustrate great innovations.”

Brief for students (assignments spread over the semester):
- Which contemporary objects would be considered harmful in the future? We will create an archive of ‘harmful objects’.
- Create/imagine a future scenario (write your own press release) dated 85 years later; fantasize how the world will look like and describe a specific event.
- Make a ‘collage’ of this scenario.
- Respond on this scenario with a design (Design can be: a product, an object, an installation, furniture or a digital object).

Planning:
We will have lectures during the semester and we will meet bi-weekly in groups and later individual to discuss your projects (mainly at HfG).
25 + 26 Oct, kick off seminar: Annemartine van Kesteren (curator Boijmans Van Beuningen) will give an openings lecture and workshop (with Wieki Somers).
During the semester designer(s) and/or a forecaster will be invited to explain their work related to this topic.
The first period of the semester we focus on (theoretical) research, the second part we focus on the (hands-on or digital) design process.
Bi-weekly meetings: (except the kick off dates)
Timeframes: Thursday 14.00-18.00, Friday 9.00-13.00
Ausstattung für eine Produktion an der Akademie für Darstellende Kunst Ludwigsburg.
In Zusammenarbeit mit den Ludwigsburger Regiestudierenden besteht die Möglichkeit, dass ein Team der HFG die Ausstattung für die Produktion einer der Regiestudierenden übernimmt. Inhaltlich dreht sich das Themenmodul um Antike Stoffe und Theaterstücke - allerdings kann der Begriff auch über die Klassische europäische Antike hinaus gefasst werden. Mentoriert wird die Arbeit der Regiestudierenden vom Regisseur Paul Spittler, dessen eigene Regiearbeiten sich zwischen  E- und U-Dramatik bewegen und von starker Körperlichkeit, Exzess und queeren Strömungen geprägt sind. Im November bietet Anna Haas an der HFG zwei dramaturgische, theaterhistorische Einführungstermine zum Thema „Antike" an. Parallel beginnt die Konzeptionsphase inklusive Ausstattungskonzept mit den Regieteams, an die sich ab 8. Januar 2024 eine sechswöchige Probenphase anschließt. Die Premiere ist am 15. Februar 2024. 
Game Culture, Game Design, Game Studies.
Das Forum Ludorum ist die Austauschplattform des HfG Gamelab für kulturelle und wissenschaftliche Diskurse sowie gestalterische Aspekte zum interaktiven Medium Computerspiel.
Gemeinsam analysieren und diskutieren wir über aktuelle Entwicklungen, Debatten, alte und neue Games. Dabei stellen wir gesellschaftliche, historische, intermediale und popkulturelle Bezüge her. Eigene Themenvorschläge und Vorstellungen von Projekten sind herzlichst willkommen. Das Forum wird vor allem, aber nicht ausschließlich Erstsemestern und Neuankömmlingen empfohlen. Das Forum steht in direkter Verbindung zum Global Game Jam. KIT-Studierende können im Rahmen des Seminars einen Leistungsschein Fachtheorie im Ergänzungsfach Medienkunst (6 ECTS) erwerben. Die Anforderungen für den Erwerb eines Leistungsscheins sind ein Referat und eine wissenschaftliche Ausarbeitung zu einem selbst gewählten Thema aus dem Bereich Games. Das Seminar ist offen für Studierende aller Studiengänge. Auch Personen ohne Leistungsscheinbedürfnisse sind herzlich eingeladen, mit uns zu diskutieren, ihre Projekte oder Themen vorzustellen.

Der erste Termin wird in Raum 323 (Gamelab) stattfinden.
Sprachen: Deutsch und/oder Englisch
Unter dem Begriff der Projektion untersucht das Seminar anhand von ausgewählten Text- und Bildlektüren die Übertragung von Bildern, Vorstellungen und Affekten, von Anteilen des europäischen, weißen Selbst auf ein koloniales Gegenüber, das als mediale Oberfläche konfiguriert ist. Dieser weite Begriff der Projektion jenseits des medientechnisch-apparativen Dispositivs dient der Analyse von Motiven und Mechanismen, Zeichen- und Bildpolitiken kolonialer Übertragungen, die sich auf den nordamerikanischen Kontext, den Siedlerkolonialismus, die sogenannte Entdeckung Amerikas und die Unterdrückung der nomadischen Ontologie der Native Americans konzentrieren.
Die gemeinsamen Lektüren kombinieren dekoloniale Theorieansätze mit solchen aus dem Feld der (visuellen) Anthropologie, der Wissenschaftsforschung und der Technikphilosophie. Sie umfassen Teste u.a. von Philip J. Deloria Jr., Patrick Wolfe, Nick Mirzoeff, Franz Fanon und Sylvia Wynter (überwiegend in englischer Sprache). Im Rahmen des Seminars findet eine Exkursion in die Ausstellung »Isaac Julien. What Freedom Is to Me« in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, statt.
Das Konzept der nicht-bewussten Kognition ist in den vergangenen Jahren im Zusammenhang mit der zunehmenden Verbreitung von Umweltmedien zu einem prominenten Gegenstand der Medienwissenschaft avanciert. Bezeichnet werden damit kognitive Prozesse, die der bewussten Reflexion entzogen sind und, ungeachtet ihrer tiefgreifenden Unterschiede – in biologischen Organismen und technischen Systemen strukturelle und funktionale Ähnlichkeiten aufweisen.
Das Konzept der nicht-bewussten Kognition steht Zentrum der gemeinsamen Objektanalysen, Film- und Bildlektüren des Seminars: Sie reichen von den »Precogs« in Philip K. Dicks Minority Report über den Lügendetektor oder das Phänomen der Subzeption bis hin zu jüngeren Theorieansätzen, u.a. von Katherine N. Hayles, Catherine Malabou, Marie-Luise Angerer u.a.
Das Seminar findet in zwei Blockveranstaltungen – am 17./18. November und am 1./2. Dezember statt.
Elsa von Freytag-Loringhovens künstlerische Praxis als Modell, aristokratisierende Proto-Punk, Poetin und Performerin ist insbesondere mit dem Umfeld des New Yorker Dada assoziiert, das sie als innovative Künstlerin, die von 1910–1923 in Amerika lebte, prägte. Ihre avantgardistischen Dichtungen wurden bis 1921 in der Zeitschrift The Little Review publiziert, deren Motto sie wohl am schonungslosesten verkörperte: „make no compromise with public taste“. Kunstgeschichtlich ist Elsa von Freytag Loringhoven (EvFL) vor allem als Performance- und Readymade-Künstlerin avant la lettre rezipiert worden. Ihre insbesondere in den späten autofiktionalen Texten und Korrespondenzen mit etwa Djuna Barnes oder Peggy Guggenheim zu findenden metaphysischen Systementwürfe, spiritualistischen Ekstasen und gnostischen Dämonologien wurden dagegen zumeist ignoriert, da sie mit den kunsthistorisch stabilisierten Kompetenzbereichen bildender Kunst unvereinbar scheinen.

Das Seminar RADICAL GESTURES interessiert sich für den heuristischen Gebrauchswert und die performative Effizienz von experimentellen Phantasiebildungen und spekulativen Sprachformen im Modus des ‚Radikalen‘. Dabei erkunden wir EvFLs künstlerische Praxis und den mit Dada assoziierten Ikonoklasmus versuchsweise aus der Perspektive einer undisziplinierten Trauer- und Erinnerungsarbeit an Sinnperspektiven, die aus der Welt verbannt sind, diese aber geisterhaft heimsuchen. In welchem Verhältnis steht die poetische Appropriation religiöser Erfahrungs- und Wissensformen zum individualistischen Gestus des Radikalen und der Performanz von Divergenz, die charakteristisch für EvFLs künstlerischen Strategien sind? Inwiefern sind extreme Phantasiebildungen und der damit mögliche Distanzgewinn zur vorgefundenen sozialen Wirklichkeit als Voraussetzungen formaler Innovationen zu verstehen? Handelt es sich bei ihren dezisionistischen, individuellen Simulationen von Tiefen- und Intensitätseffekten umein spezifisch modernes Phänomen? Wie verhalten sich traditionelle Modi der Divergenz zur gegenwärtigen Normalisierung von Alterität, etwa im Kontext der inhaltlichen Positivierung von Queerness?
Die Reihe mit politisch engagierten Filmen von Costa-Gavras begleitet das Seminar „Urteilskraft“ / „The Power of Judgement“, das mit Blick auf das Werk von Hannah Arendt „Das Leben des Geistes“ / „The Life of the Mind“ folgenden Fragen nachgeht: Inwiefern kann Denken davor schützen, Böses zu tun? Warum gehören sowohl Gewissen als auch Ergebnisoffenheit wesentlich zum Denken? Inwieweit schafft der Wille als das Talent, das Alte zu überwinden und das Neue zu beginnen, den Charakter einer Person? Was haben Wille und Verantwortung miteinander zu tun? Urteilen wir aufgrund verinnerlichter Moralvorstellungen – oder letztlich ganz ohne Rückgriff auf ein System? Warum ist das ästhetische Urteil ein Vorbild für das politische Urteilen? Welche Bedeutung hat die Fähigkeit, den Standpunkt der Anderen einzunehmen und vom eigenen Willen abzusehen, für das Urteilsvermögen?
Die Filmreihe umfasst mehrere Politthriller von Costa-Gavras, darunter „Z“ (über die griechische Militärdiktatur in den 1960er Jahren; 1969), „Der unsichtbare Aufstand“ (über den Widerstand der Tupamaros gegen die von den USA unterstützte Militärdiktatur in Uruguay; 1972), „Vermisst“ (über den Militärputsch in Chile von 1973; 1982), „Hanna K.“ (über den Israel-Palästina-Konflikt; 1983), „Der Stellvertreter“ (über den fehlenden Protest der Kirche gegen den Holocaust zur Zeit des Nationalsozialismus; 2002), „Adults in the Room“ (über die griechische Wirtschaftskrise und das Referendum von 2015; 2019).

Die Filmreihe ist eine offene Veranstaltung und kann unabhängig vom Seminar „Urteilskraft“ / „The Power of Judgement“ besucht werden.

Seminarsprachen sind Deutsch und/oder Englisch je nach Bedarf.


The series of politically engaged films by Costa-Gavras accompanies the seminar "Urteilskraft" / "The Power of Judgement", which, with a view to the book by Hannah Arendt "Das Leben des Geistes" / "The Life of the Mind", explores the following questions: To what extent can thinking protect us from doing evil? Why are both conscience and openness to results essential to thinking? To what extent does will, as the talent to overcome the old and begin the new, create a person's character? What do will and responsibility have to do with each other? Do we judge on the basis of internalized moral concepts - or ultimately without recourse to any system at all? Why is aesthetic judgment a model for political judgment? What is the significance for judgment of the ability to take the standpoint of others and to refrain from one's own will?
The film series includes several political thrillers by Costa-Gavras, including "Z" (about the Greek military dictatorship in the 1960s; 1969), "State of Siege" (about the Tupamaros' resistance to the U.S.-backed military dictatorship in Uruguay; 1972), "Missing" (about the 1973 military coup in Chile; 1982), "Hanna K. " (about the Israel-Palestine conflict; 1983), "Amen." (about the Church's lack of protest against the Holocaust at the time of Nazism; 2002), "Adults in the Room" (about the Greek economic crisis and the 2015 referendum; 2019).

The film series is open to all and can be attended independently of the seminar "Urteilskraft" / "The Power of Judgement".

Seminar languages are German and/or English as needed.
In dem Seminar Kunst und Krieg werden künstlerische Arbeiten in den Fokus gerückt, die Krieg thematisieren, heroisieren oder kritisieren. Ein kurzer historischer Rückblick auf die Tradition der Schlachtenbilder im Genre der Historienmalerei soll den Hintergrund des Themas aufzeigen, und als Kontrastfolie dienen, vor der KünstlerInnen heute Krieg thematisieren. Der Fokus des Seminars liegt auf modernen und zeitgenössischen Kunstwerken, die vereinzelt historische, meist jedoch aktuelle Kriege thematisieren und kritisieren, das damit verbundene Leid der Bevölkerung darstellen, Kriegsverbrechen aufdecken oder Hintergründe der Kriegsführung beleuchten. Die Arbeiten nutzen unterschiedliche Medien wie Malerei, Druckgrafik, Kollagen, Video und Rauminstallationen. Betrachtet werden sollen Werke von Francisco de Goya, Käthe Kollwitz, John Heartfield, Pablo Picasso, Ed Kienholz, Robert Rauschenberg, Cy Twombly, Martha Rosler, Harun Farocki, Anselm Kiefer, Jenny Holzer und Omar Fast. Eine Exkursion nach Berlin für die Ausstellung Der Angriff der Gegenwart auf die übrige Zeit. Künstlerische Zeugnisse von Krieg und Repression ist vorgesehen.
- Die Veranstaltung findet als Blockseminar statt.
- Die Veranstaltung kann in Deutsch oder Englisch durchgeführt werden.

The seminar Art and War, focuses on artistic works that address, heroize or criticize war. A short historical review of the tradition of battle scenes in the genre of history painting is intended to show the background of the subject and serve as a frame of contrast against which artists today address war. The seminar’s focus lies on modern and contemporary works of art that address and criticize occasionally historical, but predominantly current wars. These works depict the suffering of civilian populations, uncover war crimes or shed light on the background of warfare. The works discussed in the seminar will be of media such as paintings, prints, collages, videos and room installations. We will be looking at works by Francisco de Goya, Käthe Kollwitz, John Heartfield, Pablo Picasso, Ed Kienholz, Robert Rauschenberg, Cy Twombly, Martha Rosler, Harun Farocki, Anselm Kiefer, Jenny Holzer and Omar Fast. An excursion to Berlin to see the exhibition The Assault of the Present on the Rest of Time. Artistic Testimonies of War and Repression is planned.
- The event takes place as a block seminar.
- The event can be held in German or English.
Introduction to the world of things.
Learning by observation, replication and representation.
You might be aware that bees are vanishing, and bats are perishing. These, along with other creatures that help plants reproduce, encounter various difficulties in today's world. The loss of their natural homes, diseases, parasites, and pollution in their environment have all played a part in reducing the numbers of these important pollinator species.
In this course, students will explore the potential of digital fabrication and design for humans and more than humans, specifically focusing on pollinators and wildlife. You will create functional and speculative designs that benefit the ecosystem around us.
Pollinator Paradise balances theory, hands-on experience, and practical applications of digital fabrication such as 3D printing, CNC and laser cutter, while promoting ecological awareness and responsible design practices. Through guest lecturers, workshops and mentoring we will cross-pollinate between fields and disciplines, between physical and digital.

Students from all departments are welcome to take part in this seminar. Prior knowledge in 3D software is desirable but not a requirement.
The seminar will be held in English.

Send us an email with a short motivation to register for this seminar.
Der Kurs erforscht Formen, Architekturen, Bedingungen, Modi und Transfers der akustischen Wahrnehmung in mediatisierten Räumen, indem er sich auf die Entwicklungen in der Produktion von Räumen und Wahrnehmungswelten durch Innovationen in Kunst, Design und VR-Technologien konzentriert.

Indem sie gängige Annahmen über "natürliche", "erweiterte" und "virtuelle" Realitäten in Frage stellen, werden die TeilnehmerInnen eingeladen, darüber nachzudenken, was beispielsweise eine "übernatürliche" Realität oder ein "nicht-immersiver" Raum sein könnte, wenn wir anerkennen, dass verschiedene Formen der Welterzeugung als "kombinierte Universen" zusammenwirken.

Eine alltägliche Konfrontation mit akustischen virtuellen Realitäten, etwa im Auto, am Arbeitsplatz, im Kontext des "intelligenten" Lebens, bei Konzerten und in Computerspielen, steht bevor.
Doch wer schafft diese virtuellen Umgebungen und mit welcher Intention?
Und wie können Medienwissenschaft, Klangkunst, Architektur und Sounddesign dazu beitragen, diese räumlichen Realitäten mit ihren jeweiligen Strategien ästhetisch, aber auch explorativ und forschend zu verstehen?

Daraus ergeben sich die folgenden Forschungsfragen:
Was können wir aus den Zwischenräumen und Reibungen zwischen den verschiedenen Modi der Realitätsproduktion und ihrer inhärenten technischen Logik lernen?
Wie können wir diese utopischen Räume unterschiedlicher Wirklichkeiten gemeinsam wahrnehmen, und wie kommunizieren diese Erfahrungen miteinander?
Welche Ansätze bieten klangkünstlerische Fragestellungen und künstlerische sowie gestalterische Praktiken für diese Bestrebungen?

Anknüpfend an die Fragen und Erfahrungen des letzten Semesters mit augmentierten Klangumgebungen wird sich die künstlerische Forschung in diesem Semester weiterhin mit Klanginstallationen und akustischen Interventionen im öffentlichen Raum beschäftigen.
Dabei werden Unterschiede, Überschneidungen und Eigenheiten dieser Interpretationen von akustischen V-/A-/Hyperrealitäten und alltäglichen synthetischen Utopien erfahrbar und lesbar.

All diese Aktivitäten von MK Sound werden am Ende des Wintersemesters in einer Reihe von Klangkunstausstellungen in und um Karlsruhe einer breiteren Öffentlichkeit vorgestellt.
Technologien, die unter dem Begriff der künstlichen Intelligenz subsumiert werden, sind längst Bestandteil musikbezogener und künstlerischer Praktiken. Künstliche Intelligenz wird im Zuge der Generierung von Stilkopien oder originären Kunstwerken eingesetzt, dient als Partnerin und Impulsgeberin im Rahmen ko-kreativer Prozesse oder ist mit ihren Potentialen und Gefahren Gegenstand einer kritischen Auseinandersetzung, die auch künstlerisch artikuliert wird.

In dieser Veranstaltung werden verschiedene künstlerische Praktiken und technologische Ansätze vorgestellt und aus den Perspektiven von Ästhetik, Ethik, Musikinformatik und Medienkunst diskutiert. Im Fokus stehen in diesem Semester dabei der Einsatz von deep fakes und deren impliziten theoretischen und praktischen Herausforderungen, sowie die aktuellen generativen Modelle, die in Anwendungen wie ChatGPT oder Stable Diffusion zum Einsatz kommen und deren kreatives Potenzial.

Nach dem Vorlesungsteil werden entsprechende Beispiele in einem Kolloquiumsteil von den Studierenden (HfM Karlsruhe: MA; HfG Karlsruhe: Diplom/Vordiplom; Uni Bayreuth: BA) in Form von Referaten (HfM, UBT, HfG) oder eigenen künstlerischen/musikalischen Arbeiten (nur HfG und HfM) vorgestellt. Diese Veranstaltung wird gemeinsam von der Hochschule für Musik Karlsruhe, Hochschule für Gestaltung Karlsruhe und der Universität Bayreuth durchgeführt.

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche!
Diese kurze, einführende Seminarreihe wird Aspekte des vielleicht beispiellosen aktuellen Interesses an und der Auseinandersetzung mit Klang, Kunst und Medien untersuchen, die in irgendeiner Weise, Form oder Gestalt mit dem afrikanischen Kontinent in Resonanz stehen. Die Seminare werden explorativ sein und danach streben, eine Debatte anzuregen, die sich einerseits auf die Befragung und das Verständnis von Übergangsbereichen und wechselseitigen kreativen Bereichen und Praktiken konzentriert. Andererseits wird ausreichend Zeit für Zuhören, Wertschätzung und praktische Aufgaben eingeplant.

This brief, introductory seminar series will be probing aspects of the perhaps unprecedented current interest in and engagement with sound, art and media resonating in some manner, shape or form with the African continent. The seminars will be exploratory, striving to stimulate debate focussed on interrogating and understanding transitional, reciprocal creative domains and practices on the one hand. On the other, sufficient time for listening, appreciation and practical tasks will be allocated.

Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche.
Vorlesung/Seminar
Dienstags 14:00-16:30 Uhr
Online und Raum 311 und nach Ankündigung
Beginn 24.10.2023
Fortgeschrittene

DiE-CODER: Neuronales Lernen für KI, Sound und Musik
Programmieren und Probieren mit C, Python , Java, SuperCollider, Max/Msp/Jitter
Aufbauend auf der Vermittlung von Grundlagen der Programmierung werden eigene Projekte entwickelt: Live-Coding, Netzwerk-konzerte, physikalische und mathematische Grundlagen für Simulation und Anlyse in verschiedenen Sprachen.

Digitale und analoge Klangerzeugung, Interaktion, visuelle Analyse und Synthese, generiert und programmiert unter verschiedenen Environments der Medieninformatik.
Es werden Objekte und Verfahren in Beispielen besprochen und in Übungen und Projekten klangliche, musikalische und visuelle, szenische Anwendungen entwickelt.

Es werden Semesterthemen gewählt .
Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen
Das Seminar ist offen für alle Fachbereiche!
In der von mir konzipierten Lehrveranstaltung erkunden wir Formen und Möglichkeiten Zeichnung anzufertigen und reflektieren bereits existierende Ansätze. Zeichnen ist ein Mittel, um facettenreich bildnerische Methoden anzuwenden, aber auch um das Sehen zu lernen, die eigene Wahrnehmung zu sensibilisieren und verschiedene Darstellungstechniken wie Perspektive, Fluchtpunkt, Licht/Schatten und Blickachsen zu erlernen. Wir näheren uns dem Thema des Zeichnens auch durch Erkundungen unserer Um- und Lebenswelt an. Eine Zeichnung kann sich dabei eigenständig entwickeln, aber auch durch die Kombination mit anderen Medien in Dialog und Symbiose treten. Das Zeichnen beginnt in unserem Kopf, breitet sich dann auf unsere Hände aus und schließlich im ganzen Raum.
Das Programm wird zu Beginn des Semesters vorgestellt. Der Kurs ist offen für Studierende aller Fachgruppen und verpflichtend für die StudienanfängerInnen der Fachbereiche Produktdesign und Szenografie.
Einführung in die Grundfunktionen eines digitalen Schnittsystems (hier: DaVinci Resolve). Ziel ist der sichere Umgang mit der Schnittsoftware, um in der (Nach-)bearbeitung zeitbasierter, audiovisueller Medien die inhaltlichen Fragen in den Vordergrund des Arbeitens zu bekommen. Empfehlenswert auch für alle, die bereits Erfahrung mit vergleichbarer Software haben. Das Blockseminar ist die Grundlage für weiterführende Schnittseminare.
(Begrenzte Anzahl von Teilnehmer*innen. Anmeldung bitte per E-Mail vor Seminarbeginn. Das Seminer wird regelmäßig jedes Wintersemester wiederholt.)

Sprachen: Deutsch und / oder Englisch
Vertiefendes (Nach-)bearbeiten zeitbasierter, audiovisueller Medien mit einem professionellen Schnittsystem (hier: DaVinci Resolve). Das Seminar richtet sich an alle, die bereits geschnitten haben und somit über sehr gute Kenntnisse besitzen. Ausführlich eingegangen wird auf die Möglichkeit der nachträglichen Farbkorrektur (Grading).
(Begrenzte Anzahl von Teilnehmer*innen. Anmeldung bitte per E-Mail vor Seminarbeginn. Das Seminer wird regelmäßig jedes Wintersemester wiederholt.)

Sprachen: Deutsch und / oder Englisch
In Deutschland fließen große Mengen öffentlicher Gelder in Filmproduktionen. Kein Film erblickt das Licht der Leinwand (o. Fernseher) ohne TV-Senderbeteiligung oder staatliche Filmförderung. Fast jeder will/muss an diese gelangen. Dahinter stehen unzählige film-, kultur- und wirtschaftspolitische Entscheidungen, Bedingungen und Zusammenhänge.
Wir erörtern in zweiwöchigem Abstand anhand aktueller film(wirtschafts-)politischer Nachrichten, welche Impulse davon ausgehen und was sich gerade verändert. Und lernen dabei (automatisch) Grundlagen, Hintergründe und Netzwerke der Filmwirtschaft kennen. Und wie wir an diese Gelder kommen können.
Sprachen: Deutsch und / oder Englisch
Ein Kurzseminar zum besseren gegenseitigen Kennenlernen. Anhand einer Eigenproduktion (Kinospielfilm „Enklave“) und deren Fallstudie (Case Study) möchte ich mich als Mitarbeiter für audiovisuelle Medien an der Hochschule vorstellen.
Sprachen: Deutsch und / oder Englisch
Ein Kurzseminar zum besseren gegenseitigen Kennenlernen. Anhand einer Eigenproduktion (Dokumentarfilm „Die Karte der Schönheit“) und deren Fallstudie (Case Study) möchte ich mich als Mitarbeiter für audiovisuelle Medien an der Hochschule vorstellen.
Sprachen: Deutsch und / oder Englisch
Cool School explores ways to cool the HfG building during the hot summer months in Karlsruhe, located in the region with the warmest climate of Germany.
Taking the specific case of the HfG building as a point of departure, the solutions developed to cool the school building could also be applied in other similar situations.
Participants are invited to research and develop their personal fascinations with the topic and follow a personal path that results in pragmatic solutions, speculative probes or perhaps sensorial approaches of the topic. The scale could be meteorological, architectural, molecular and anything in between. The goal is to come to a proposal that works and touches the senses in imaginative and poetic ways.

The seminar follows a methodological path of research, translation and realization of the concepts into final designs. Leading to a group research book and individual scale maquettes and proof of concept tests.

Includes excursions to manufacturers and lectures by experts.
Depending on the results of WS23 and external funding, Cool School might continue in SS24 where life size working mock-ups of the solutions will be developed produced and tested for real.
Wann ist Kunst soziale Praxis? Wie und wo wird sie Beziehung? Welche Räume gestaltet Kunst, wenn sie nicht mehr an „Werken“ interessiert ist, sondern an relationalen Prozessen? Und was macht das mit dem Kunst-Begriff?

Nicolas Bourriaud diskutiert in seiner Ästhetik der Relation (1998) künstlerische Praktiken, die sich „die gesamten menschlichen Beziehungen und ihren sozialen Kontext“ zu ihrem Material machen. Solche relationale Kunst hinterfragt die sozio-politische Aufgabe der Kunst ebenso wie den Kunstraum als Ort der (Re-)Präsentation: Wie können Räume der Kunst (um-)genutzt werden, und wie verändert sich dadurch das Verhältnis von Künstler*in/ Kunstwerk und Betrachtenden/ Besuchenden?

Bourriauds Einschätzungen dieser von ihm als „neu“ gefeierten Kunstform stießen auf einigen Gegenwind. Und dennoch spielt seine Ästhetik der Relation eine prägende Rolle für Diskurse um die Partizipation oder Immersion der Betrachter-*innen, sowie um künstlerische wie institutionelle Arbeits- und Produktionsstrukturen.

Das Seminar ist auf zwei Semester angelegt. Der zweite Teil im Sommersemester widmet sich aktuelleren Überlegungen zu Relationalität und Eingebundenheit, wie der Situierung (Stengers, Haraway) und (postkolonialen) Verflechtungen (Glissant).
Pleasures of Beings researches into the the world of the cosplay, avatar and social media. The seminar seek to study the fantasy worlds of cosplaying as a form of experiencing otherness, and creating critical discourse on how social media affect our notion of solitude. Focusing on the practise of media ethnography that shapes how we consume emotional realism in the virtual worlds.

Cosplay serves us as a lens to undertake a critical inquiry into post-human worlds. The notion of cosplaying entails much more than mere playful self-representation or a form of entertainment: it is an expression of being and way of creating communities – it is the experience otherness. The exploration researches on how cosplay blends with “otaku” cultures, people with high density consuming interests in digital content such as vTubers, anime, manga, video games.
Cosplay and the “otaku” culture originate in Japan but have increasingly spread to become worldwide phenomenon. For example, in Dusseldorf the Japan day (Japan-Tag) is celebrated every year in the summer, which can be trace back to 1983. It is the largest festival of its kind in the world. Beyond the festival and the showcasing of Japanese culture abroad, cosplay and otaku culture have become intertwined and enthusiastically adapted by German youths.

The seminar seeks to understand the landscape, influence, and spread of cosplay cultures in Japan and beyond. The media ethnography will focus on - Japanese Maid Cafe, “Hikikomori” (phenomenon of acute social withdrawal), and MMORPGs (massively multiplayer online role-playing games). Focusing on the practice of media ethnography that shapes how we consume emotional realism in the virtual worlds, the nuances and social implications of the media ecology surrounding cosplay which creates our current state of hybrid realities.

The participants of this seminar are to develop their individual or group project in respond to the theme of cosplay(digital or hybrid) and make a presentation at the end of the semester.
The title of the two-part seminar is borrowed from a 2002 essay by curator and writer Sarat Maharaj, part of the Documenta 11 artistic team led by the late Okwui Enwezor. In the essay Maharaj describes ways in which artistic practice – and specifically the exhibition – offers up possibilities for both ‘other’ ways of knowing and ways of knowing ‘otherness’. The text signals a shift in understanding strategies for research practices where ideas and positions are not illustrated or represented but are transmitted through a complex interplay of the spatial, the sensorial and the discursive. For Maharaj this allows the possibility to work with and through multiple knowledge systems.
 
The seminar, taking place over two semesters, will explore the ways in which exhibition making, research and the political intersect and inform one another. Specific attention will be given to processes and operations – from strategies of analysis to collaboration and scenography. What are the affordances and conditions of exhibition making that allow ideas to both be transmitted and come into being? And how are these addressed within current discourse and practice? Part #1 will combine readings of key texts from the fields of curatorial and exhibition discourse, as well as looking to different forms of historical analysis, with close readings of exhibition projects.
 
Part #1 dates, 1st semester (second semester dates will be announced in January)
 
1st November: 16h-18h
28th November: 16h-18h
13th December: 16h-18h
17th January: 16h-18h
14th February: 16h-18h
 
Personal meetings will take place on the Thursdays following seminars.
Seit dem WiSe 2022 arbeiten ADSZ-Studierende kontinuierlich an einer zeitgenössischen Rezeption des Brechtschen Werkes. Jenseits der leergelaufenen Aktualisierungen der Stadt- und Staatstheater erarbeiteten sich die Studierenden in Rekurs auf Frederic Jamesons „Brecht and Method“ (1998) künstlerische Haltungen, welche sie befähigen „brechtsche Welten“ zu erkunden. Im SoSe 2023 entwickelten die Studierenden in einem durch den Fonds Darstellende Künste geförderten Labor in Augsburg-Oberhausen ortsspezifische Projekte, in denen sie in geteilter Autor*innenschaft mit Menschen aus dem Viertel brechtsche Experimente durchführten. Im WiSe 2023 werden diese Projekte evaluiert, weiterentwickelt und im Rahmen des Brechtfestival 2024 erstmals der Öffentlichkeit präsentiert.

Dieses Seminar ist eine Fortsetzung des Seminars: Brechtfestival. Neue Teilnehmer:innen sind nicht möglich.
Nationale Grenzen sind raumpolitische Konstrukte, obwohl sie oft durch landschaftliche Formationen wie Flüsse, Seen, Gebirgszüge und Wälder motiviert erscheinen.
Wir haben eine Vorstellung davon, das Grenzen keine Linie, sondern eher Zonen mit besonderen Regeln sind.
Grenzräume lassen sich gut durch zwei entgegengesetzte Begriffe beschreiben: „Festung“ und „paradoxer Raum“ (Michel Pêcheux). Diese beiden Prinzipien von räumlicher Anordnung lassen uns verstehen, das ein und dieselbe Grenze nicht denselben Sinn für alle Personen hat.
Als politisches Konstrukt sind europäische Grenzen mobil geworden, eine eindeutige Unterscheidung von „Innen“ und „Außen“ existiert nicht mehr.
In diesem Seminar überführen wir historische und gegenwärtige politische Konstrukte und Regelwerke in räumliche Anordnungen. Wir analysieren anhand von filmischen Beispielen und eigenen Recherchen die physischen und immateriellen Merkmale von Grenzarchitektur und übertragen sie in szenografische Raumkonzepte.

1: Einführung zum Thema Grenze als Raumphänomen
2: Grenze als Zone am Beispiel von „El Mar La Mar“, Joshua Bonetta & J.P. Sniadecki, USA 2017
3: Grenze als Regelwerk am Beispiel von „Otomo“, Frieder Schlaich, D 1999
4: Mapping an einem Grenzort: Ausflug nach Lauterbourg
5: Grenzorte, materielle Bestandteile, eigene Raumanalysen
6: Präsentation der Ergebnisse
Modelle sind wesentliche Werkzeuge, um räumlichen Ideen eine Gestalt zu geben und in eine haptische Erfahrung zu übersetzen. Bereits Claude Lévi-Strauss identifizierte in jedem Kunstwerk eine Art „verkleinertes Modell“ von etwas anderem, welches dessen Totalität reduziert und es ermöglicht, es auf einen Blick zu erfassen, zu verstehen und in der Hand zu halten. Doch statt lediglich Repräsentationen von endgültigen Projekten zu sein, können Modelle auch als Projektions- oder Arbeitsinstrument mit spekulativen Charakter verstanden werden.
Der Begriff „simple environment" geht auf eine wissenschaftliche Arbeit aus dem Jahr 1984 zurück, in der vier Wissenschaftler*innen ein Modell zum Vergleich der Ergebnisse von Rendering-Software mit realen Umgebungen entwickelten. Dazu entwarfen und bauten sie die so genannte "Cornell Box", sowohl digital als auch physisch, um Lichtreflexionen korrekt zu simulieren und zu überprüfen. Ausgehend von Vorlagen wie der "Cornell Box" werden wir räumliche Projekte in Form von Modellen konzipieren.
Das Seminar ist nach einer Wochenstruktur organisiert, in der wir Techniken des Modellbaus entwickeln und erproben, die am Ende des Semesters in einer kleinen Ausstellung präsentiert und dokumentiert werden.
Teil des Seminars ist eine zweitägige Exkursion nach München zu Beginn des Semesters, auf der wir verschiedene Ausstellungen besuchen werden.

Models are essential tools for giving shape to spatial ideas and translating them into a haptic experience. Claude Lévi-Strauss already identified in every work of art a kind of „scaled-down model" of something else, which reduces its totality and allows it to be captured at a glance, understood and held in the hand. But instead of being mere representations of final projects, models can also be understood as projection or working tools with a speculative character.
The term „simple environment“ is borrowed from a 1984 scientific paper in which four scientists developed a model for comparing rendering software results with real environments. They designed and built the so called „Cornell Box“, both digital and physical, in order to simulate and prove light reflections correctly. Starting from templates like the „Cornell Box“ we will conceptualize spatial projects through the medium of models.
The seminar is organized according to a weekly structure in which we develop and try out techniques of model making, which will be presented and documented in a small exhibition at the end of the semester.
Part of the seminar is a two-day excursion to Munich at the beginning of the semester, where we will visit various exhibitions.
Die Software "Rhinoceros" ermöglicht es, 3D-Modelle, präzise Grundrisszeichnungen, Lichtplanung und 3D-Visualisierungen eines Ausstellungskonzepts zu erstellen.
Das Seminar richtet sich an Studierende des Studiengangs Ausstellungsdesign/Szenografie. Die Teilnahme setzt keinerlei Vorkenntisse voraus. Idealerweise bringen die Seminarteilnehmer*innen einen halbwegs leistungsfähigen Laptop PC/Mac mit. Die Leistungsanforderungen können hier eingesehen werden: https://www.rhino3d.com/7/system-requirements/
This seminar focuses on the former art school of Casablanca and the current project ‘School of Casablanca’ related to it (KW Institute for Contemporary Art and Sharjah Art Foundation, in collaboration with Goethe-Institut Marokko, ThinkArt and Zamân Books & Curating). We will explore the experiment of an anti-colonial art school which became an important place to re-think the relationship between art and craft, to attempt to rewrite art history and had an impact on the entire region. In keeping with the legacy of the ‘School of Casablanca’ the seminar is accompanied by first hand experiences with an excursion and a series of material workshops. The excursion will follow the heritage of Moroccan weaving, ornamentation and the relationship between textiles and architecture, as well as the exhibitions and public programmes of the project in Casablanca in November, and Berlin in February.
We preferably welcome students who would like to follow both the seminar and the excursion.
The artists of the School of Casablanca understood and chose to pursue research oriented towards abstraction. We will follow their footsteps in pursuing abstraction as a language for action, and re-appropriating it back from the notion of it being a XXth century western painterly invention, as is beautifully explained in a passage of a text by Toni Maraini which explains that, in the school: “A lot of attention was given to the signs and symbols, their aesthetic, iconography and history within the Afro-Mediterranean space. (…) A beautiful rural traditional carpet — the work of a woman artisan from the Houz region — was hung on the wall of the painting class to inspire students. The carpet was friendlily named ‘Klee’s carpet.”
The seminar will be split between more historical, theoretical and conceptual seminars (Tuesday afternoons), including readings, listenings, films and group discussions; and very practical textile-based workshops (Wednesday mornings), which will include weaving, pattern-making, silk-screen printing, sowing, etc…



An excursion to Morocco will take place from November 10-20 (travel 9th and 21st preferably), starting in Casablanca, where we will be for the opening of the School of Casablanca project, and visit the installation by Céline Condorelli. From there, on November 13, we will travel to Marrakesh, to visit carpet markets and dealers as well as various specialized museums, and then follow on to the the Atlas Mountains to see and experience women-led cooperative weaving workshops.
Afterwards we will go back to Casablanca, where we will participate in the further public program of the "School of Casablanca".

During the excursion we will document, research and analyze. Based on this research, designs for textile objects, performances or other creative forms of engagement will be developed in the accompanying seminar during the winter semester 22/23.
From Stupidity to Ecology in Digital Arts is a seminar by Prof Anne Duk Hee Jordan, which will run alongside the Queer Ecologies Seminar and Laboratory Seminar led together with Helin Ulas and guest lecturers, and Lehrbeauftragter Simon Speiser. This seminar is an essential part of the Digital Arts curriculum.

Conceptual Information for the Seminar:
An exploration into the wide web of stupidity and why its important to understand the undermined intelligence field.
Le Guin had some words of encouragement: “I don’t know how to build and power a refrigerator, or program a computer, but I don’t know how to make a fishhook or a pair of shoes, either. I could learn. We all can learn. That’s the neat thing about technologies.”

There will be a reading group to develop some ideas. A body of conceptual work will be created. The workload and conceptualization of the coursework will be open and fluid, based on the student's ideas.
The seminar is expected to run two semesters Winter and Summer, with final presentations to be presented at the Rundgang.
The practical work for this seminar will be conducted in the Laboratory Seminar, where we will continue our practice-based research.
The laboratory seminar, led by Helin Ulas and Duk Hee Jordan, is compulsory for students enrolled in the course "From Stupidity to Ecology in Digital Arts.” The laboratory is mandatory for the conceptual seminar, as it establishes the foundation for artistic practice.
After each session, there will be an open discussion, informal get-together, and critique session from 6:00 pm to 8:00 pm.
Reading Material: Avital Rondell, James Bridle, more to come.
Queer Ecologies is a Seminar by Prof Anne Duk Hee Jordan, which will run alongside the From Stupidity to Ecology in Digital Arts is a seminar and Laboratory Seminar led together with Helin Ulas and guest lecturers, and Lehrbeauftragter Simon Speiser. This seminar is an essential part of the Digital Arts curriculum.

“Many evolutionary dynamics behind ecological processes are difficult to grasp because they are viewed within the margins of a sexist and heteronormative society,” As a result, examples of queer identities occurring in nature are usually disregarded as anomalies or less important phenomena.” (Brigitte Baptiste)

The seminar will run for two semesters and will delve into ecologies that are not binary. We will explore perspectives beyond anthropocentric views and challenge traditional Western ideas about ecology.
There will be a reading group to develop some ideas. A body of conceptual work will be created. The workload and conceptualization of the coursework will be open and fluid, based on the student's ideas.
The practical work for this seminar will be conducted in the Laboratory Seminar, where we will continue our practice-based research.
The Laboratory seminar, led by Helin Ulas and Duk Hee Jordan, is compulsory for students enrolled in the course "Queer Ecologies". The laboratory is mandatory for the conceptual seminar, as it establishes the foundation for artistic practice.

Listening / Awareness
Reading text by Pauline Oliveros
Guest Lecture online(tentative):
Brigitte Baptiste
Stefanie Hessler
In the 60ties Ellsworth Kelly bought a camera and started “to make notations of things I had seen and subjects I had been drawing.” through photographs. Unlike his sketches and collages, these photographs were not part of his process of making a painting or sculpture; they were a way to record his way of seeing things.
Photography has been used in such a way by artists and makers throughout art history. In many cases it serves as a reference to the work they do while also giving insight into their methodology.

This seminar will look at working habits and methodologies, others and perhaps our own. The outcome is going to be a metaphorical “photograph”, such as Ellsworth Kelly’s, giving an opportunity to look at things through another angle and help to find the right form.
In this course we will explore the basics of coding websites. We will delve into the core languages (HTML, CSS and Javascript), share cheat codes and hacking tools, and gatebreak intimidating digital processes, all to empower ourselves to build and publish cool stuff for the internet.

« In today's highly commercialised web of multinational corporations, proprietary applications, read-only devices, search algorithms, Content Management Systems, WYSIWYG editors, and digital publishers it becomes an increasingly radical act to hand-code and self-publish experimental web art and writing projects.
The more proprietary, predatory, and puerile a place the web becomes, the more committed I am to using it in poetic and intransigent ways. »
- J. R. Carpenter, A Handmade Web

No prior experience needed.
Course language will be English and/or German depending on needs.
Ob ein Text gelesen und verstanden wird, hängt stark von seiner Gestaltung ab. Denn egal wie spannend eine Reportage geschrieben oder wie wichtig die Verständlichkeit einer Gebrauchsanweisung ist, nur durch eine bewusste Gestaltung kann der Inhalt adäquat transportiert werden. Fundierte Kenntnisse über den Einfluss typografischer Entscheidungen ermöglichen es, für jeden Text die passende Form zu finden.

Dieses Seminar vermittelt die Grundlagen der Typografie und lehrt einen kritischen Blick auf die gestalterische Arbeit. Um Theorie und Praxis zu verbinden, reflektieren die Studierenden Bücher und andere Druckerzeugnisse und gestalten eigene Publikationen. Diese werden am Ende zusammen mit einem Seminar-Logbuch, das die InDesign-Arbeitsschritte dokumentiert, von den Kursteilnehmenden in der HfG gedruckt und gebunden.
Rund um die Uhr hinterlassen Menschen digitale Spuren. Jede Interaktion, jede Google-Suche und sogar Inaktivität wird erfasst und ausgewertet. Big Tech analysiert unser Online-Verhalten, um Produkte oder Dienstleistungen zu optimieren und personalisieren.

Wir begeben uns auf digitale Spurensuche und versuchen herauszufinden, was Tech-Giganten über uns wissen und was wir daraus lernen können.

Wir holen uns unsere privaten Daten zurück, um selbst zu entscheiden, wie wir diese kontrolliert in der Öffentlichkeit einsetzen. Dazu nutzen wir ein Medium, das kaum in grösserem Widerspruch zu auf Servern versteckten Daten stehen könnte: das Plakat, in gedruckter und bewegter Form.
For those who work with the computer, the course “Know Your Tools” has suggestions about the production of printed material and digital imagery.

Dealing first with the working area, tools and materials, the course describes how to use computer programs efficiently and seamlessly. Chapters on protocols and experimentations are equally provided. The steps in making digital reproductions, retouching, layouting, type design are also explained.

As a testing specimen, participants will use an existing textbook to which they will add a chapter, make a bootleg, or otherwise modify it using the techniques at our disposal.
Later, the course will look into printing and what the graphic designer needs to know about making files ready to print.
And while some tools presented in this course are part of Photoshop, Illustrator, InDesign and Glyphs, no expertise is required.
Writing letters, drawing letters, to you, to me, to strangers. To sharpen our senses, to think with our hands and touch with our minds, we will travel to pasts and futures, get in touch with ourselves, with ancestors and future generations, reconcile with butterflies and rivers and stars, dissect and rebuild the grids, structures and shapes of nature and society, come back and draw letters again.
In this seminar we will learn about the history and developments of typography, vocabulary to speak about text, typefaces and letters; classifications, differences and details, and about arranging letters to words and words to text; readability, emotion, communication. text as image, semiotics, vernacular typography and appropriation, labour, ressources and ecology. We will do this very hand-on, with an emphasis on critical discussions, extensive experimentation and funnn.
Ob morgens auf dem Bio-Haferdrink, mittags auf der Maultaschenpackung, abends auf dem Bildschirm das Netflix-Logo und dazwischen auf unseren grafischen Arbeiten: Schrift ist allgegenwärtig. Mal benutzen wir sie bewusst ironisch, mal unbewusst passend. Doch wie sind diese Zeichen überhaupt entstanden und was hat zum Beispiel das »a« mit den zwei Hörnern eines Stieres oder das »c« mit dem Buckel eines Kamels zu tun?

Im Seminar „Collective type training (for the Marathon)“ gehen wir unter anderem diesen Fragen auf den Grund. Wir sammeln Schriften, diskutieren ihre Eigenschaften, ihre mögliche Herkunft und ihre Anwendungsbereiche. Wir klären Mythen der Schriftgeschichte auf und beschäftigen uns mit dem binären Denken in der westlichen Typografie. Neben grundlegenden Übungen zum Verständnis von Konstruktion und Kontrast entstehen eigene Schriften, die beim Typemarathon zum Einsatz kommen.
Ein erfolgreiches Brettspiel von Reuben Klamer (1922-2021), das als „Life“ oder „Spiel des Lebens“ vermarktet wurde, hat Vorläufer, die bis in die Antike zurückreichen; in der Frühneuzeit ist es als Schnecken- oder Gänsespiel bekannt. Es geht um einen Lauf der Dinge, der später auch in der Idee des „Curriculum Vitae“, des Lebenslaufs zum Ausdruck kommt. In der Moderne haben sich damit neue Sinn- und Zielvorstellungen verbunden, die mit Theorien der Lebenskraft, der biologischen Überlegenheit und Biomacht, der Natürlichkeit und Nachhaltigkeit einhergingen. Lebendigkeit und Leibhaftigkeit sind außerdem ein wichtiges Motiv der Bildproduktion seit ihren Anfängen. Das Seminar soll einen Bogen schlagen von lebenden Bildern zu Performances, von der frühen Biologie zu zellulären Automaten, vom Bio-Hazard zur Bio-Tomate, und auf diese Weise den Begriff des Lebens befragen. Es ist breit angelegt, um als Einführung in zentrale Motive der Kunst- und Bildgeschichte zu dienen, aber auch eigenständige Recherchen zu unterstützen. Eine kleine Auswahl von Texten wird bereitgestellt.
Im Seminar erarbeiten wir literarische Materialien mit besonderem Augenmerk auf solche, die sich für eine audiovisuelle Umsetzung eignen, wie Drehbücher, Projektskizzen, Projektvorbereitungen
What the rag, eh, what the heck is the long-short-long rule? [scratches her head]
Is this actually justified? [looks confused]
Excuse me, Dot Dot and Dot, I think you got lost. Only ellipsis are welcome here! [getting really upset]
Your character has style! [wink wink]
That is such a baseline grid thing to say! [eye roll]

Is the handling of typographic bodies based on hard rules or aesthetic choices? Where do craft, taste and theory meet? And now? Reform or norm?
Typography, the shape and form of writing and reading, sits at the <3 of Graphic Design. It should be your best friend. Or at least a frenemy that you keep close. You know how the saying goes.
In this seminar, we‘ll rag, space, adjust, style, format, find and change, align, define, (re-)place and care for text. A whole lot of text. Master the pages!

And what happens at the end?
The Type? Type! Type Marathon!!!
This seminar takes place at HfG Karlsruhe (DE) in parallel with ENSAD Nancy (FR) and focuses on the basis of editorial design. You will learn to produce and curate content, create dialogues through the use of images, and experiment with image treatments to form a narrative through a purely image-based publication.
Through this process, we will have two editorial teams (one in each school) working on a different topic with complementary points of view. As editorial designers you will learn how to create a dialogue between two bodies of work in order to produce a common printed and bound publication.
Für Studierende des 1. Semesters:
Dieses Seminar vermittelt theoretische und praktische Grundkenntnisse zum Thema Buchbinden sowie zur Herstellung und Verarbeitung von Papier. Es werden verschiedene grundlegende Bindetechniken vorgestellt und erarbeitet. Diese Kenntnisse können in eigene Konzepte und Entwürfe einfließen.
Dieses Seminar ist verpflichtend für alle Erstsemester KD.
Termin unter Vorbehalt. Der finale Termin wird rechtzeitig per Email bekanntgegeben.
In this seminar we will examine the linguistic and somatic language of selfhood and political action, through the work of Adrian Piper, Prince and Terre Thaemlitz. Main activities will be browsing through archives of our three protagonists, collective reading; listening to music; looking at dance; write and assemble within a few simple formats of printed matter, on what we learn, who we are and what we wish to teach others.

Have Rhythm, Will Travel

Between 1982-83 artist Adrian Piper gave a series of funk lessons across American colleges. The lessons were an essential part of her work as a performance artist and included lectures on the history of funk music addressing the ambiguous status of African-American working class music and dance as serious contributors to American art and culture. Piper says “In the performance I teach my audience how to listen to this music and how to dance to it (…) Typically people tend to say things like: ‘Funk is boring and monotonous’ – which seems to me, basically, that it has no structure”. During the lectures, Piper not only taught people simply how to dance, but unfolds the genre of funk through a historical, structural and political prism. From this perspective, funk is the gateway to a trance-like and possibly transitional state of identity, while a community signals a call for action against seemingly insurmountable life conditions.

Piper is a satirical cornerstone of activism, utilising as much as paraphrasing, the repetitive language of advertisements, aphorisms and mantras. In her work, the ‘calling card’ is a recurrent format. In the 18th and 19th century, particularly among the upper classes, to leave a small, decorative card when calling on someone, was a common practice. It was carried around by individuals to present themselves to others, later transforming into a possession for professional purposes – a ‘business card’ – were as, now, is such a format suitable, as a way in which to call for action and to present ourselves to others?

A Kantian philosopher and fluent German speaker, Piper later fled to Berlin to live permanently, setting up the Adrian Piper Research Library and refusing to ever return to America. As part of the transition, her musical focus moved from funk to house.

House Music is Controllable Desire You Can Own

Terre Thaemlitz is a musician, composer, public speaker and owner of the record label Comatonse Recordings. She was an active part of the act-up movement in the 1980’s New York, through which she established a succesful career as a house DJ by the moniker DJ Sprinkles. The name arrived from Thaemlitz overhearing a jingle on TV, for some new shake-and-bake product, wherein the catchphrase kept repeating: “sprinkles in the mix, sprinkles in the mix” – and Thaemlitz thought: “I can recon with that, I’ll be the sprinkles in the mix”. Be that potently critical sprinkles, as her work assembles a set of objectives in favour of opposition, she says: “I emphasise the need for strategies of negativity in reaction to this cultural climate of imposed optimism, and the experience of finding myself with incredibly few tools for discussing, let alone acting, otherwise.”

Kiss

And Prince? He was determined by way of his own musical laws, to establish harmony, serving as a lightning pole and bring cosmic energies into union. In the midst of a dispute on ownership with his record label, he changed his stage name to an unpronounceable symbol (also known as Love Symbol). In his 1996 interview with Oprah Winfrey, he suggested people type it on the computer as “O(+>”. In this period he was most often referred to as “The Artist Formerly Known as Prince” or “The Artist”. As he managed to receive sole rights to all master recordings, emancipated and point proven, he returned to the use of his own name.
RTM(Real-time Media) Playground is a block seminar across two semesters. The seminar provides a playground to experiment, share, and develop ideas an all things real-time media. We will look into various methodologies ranging from sensors, integrations and visual programming environments (Touchdesigner)

This seminar is geared towards more intermediate users, but all levels are welcome!
Each session will run in a workshop format, from looking into organic networks and comparing them to computational ones to self-gaze, physical form within creative computation.
Reading materials: Technology As Magic Richard Stivers,https://www.aesthetic-programming.net/,[https://www.nonhuman.photography/](https://www.nonhuman.photography/u319tj868evxofz9trkjy5fd6vdnga), On Software, and the persistence of visual knowledge, Wendy Hui Kyong - more to be added.

The seminar will run across the two two-semester; dates are tentative and subject to change.
The workshop introduces frameworks, concepts, and language that encapsulate immersive and real-time media creation for performances and installations. We will look into possible creative computation methodologies; we will mainly concentrate on visual programming environments (Touchdesigner).

Through this introductory workshop, you will gain knowledge of creative computation terminologies, how to navigate a visual programming environment (TouchDesigner), and use script-based programming protocols within this environment using Python. The workshop will provide an introduction to the interface and system building in TouchDesigner, as well as an overview of different operator nodes.
During our first block seminar “Introduction to 3D scanning”, we will be exploring various approaches for bringing objects from our physical world into the digital world and back, and how this can be used conceptually about sci-fiction storytelling, blending between fiction and reality, material and immaterial.

During the “Avatar realness” seminar, we will create digital copies of the participants and learn concepts and techniques of a digital film production in Unreal engine.
The first session of the block seminar will be held with Anne Duk Hee Jordan, and the second session with Helin Ulas under the Laboratory Seminar Series for both I &II.
The seminar is open to students from the Lab Series and to all departments wishing to take it.
“To truly love we must learn to mix various ingredients - care, affection, recognition, respect, commitment, and trust, as well as honest and open communication.” –Bell Hooks, All About Love, 2001.

This bi-weekly seminar celebrates a book by intersectional feminist bell hooks, in which she pleads for an insightful and loving coexistence. The All About Love seminar aims to explore ideas and approaches that seek to define new possibilities of designing based on loving and caring. It raises the question: What would happen if we were to put love and care at the very center of design methods? As a mediator of emotions and feelings, communication design has the capacity to become a caring practice that spreads love as its fundamental purpose – to connect us with one another but also with other species, with soil, and even the multiverse.

In this seminar, participants will research these propositions and demonstrate them with prototypes.
Critical, involved, and loving, that characterizes the thoughts behind this design seminar.

Practical Info:
*Seminar guest: Miquel Hervas Gomez from Fanfare Amsterdam.
*This seminar values diversity. Everyone is welcome to sign it.
*For more information visit the Opening of KD on Tuesday 17.10.
The seminar is the continuation of a critical and playful exploration on the legacy and contemporary status of grand hotels. Which ghosts are haunting us in the spaces of classicist and colonial luxury, the chambers of care work and hospitality and meeting places of artists and wealthy bourgeoisie? Which futures could emerge out of a pool combining various temporalities?
In collaboration with the Waldlust e.V., a former Grand Hotel in Freudenstadt, we are developing projects in the field of new media, film, photography and installation. The works will be shown in an exhibition from July-September 2024, along contributions from ABK Stuttgart and Hochschule Offenburg.
Any Change may bear seeds of benefit
Seek them out
Any Change may bear seeds of harm
Beware.
–Octavia Butler, Earthseed: The Books of the Living, Parable of the Talents, 1998.

The word seminar derives from seed, seminarium, plant nursery, seed plot, to sow. It reads tautologic but this seminar will take seed as its research subject matter. Seeds are archival capsules that keep their information, and the potential plant or idea vegetating, and the key code to unlock the enclosed is the contact with water, moist air, sun, soil — an environment. Seedbanks create conditions to prevent seeds from getting in contact with their passwords. Wild seeds, torrent seeding, Monsanto seeds, transgenics, creole seeds, native seeds, seedlings, and seedbanks. In her ongoing research Seeds of Change, Maria Thereza Alves sheds light on transcontinental stories of “ballast seeds”, seeds unintentionally transported by ballast cargo ensuring empty ships' stability (today and during the trade of enslaved people), germinating in ports. Jumana Manna’s film Wild Relatives (2018), navigates seeds as becoming increasingly treasured assets. What are the natural or artificial environments that allow for seeds to germinate, flourish, and reproduce, be it a plant or an idea? Seed’s mediation, distribution, and access are deeply tangled with social, economic, ecological, political, and technological realities since they are the base of human, animal, and plant nurture.

Students will be invited to research, experiment, and document with seeds, seedbanks, and seeding practices, or imagine stories they tell and the environments they enable. We will also visit a seed library experiment in Karlsruhe and, during the semester break, an excursion to the construction site of a seed bank-sound studio in Guinea-Bissau. This journey is one of seeds, those that grow, those we sow, those we know, and those we don’t.

Thu 02.11.2023 10:00-17:00 DM/FC
Thu 16.11.2023 10:00-17:00 FC
Thu 30.11.2023 10:00-17:00 DM
Thu 14.12.2024 10:00-17:00 FC
Thu 18.01.2024 10:00-17:00 DM
Thu 01.02.2024 10:00-17:00 FC
Thu 15.02.2024 10:00-17:00 DM/FC

Additional dates to be announced.
The course takes place bi-weekly at R.103 and Blauer Salon

Contact: fcesar(at)hfg-karlsruhe.de and dmccarty(at)hfg-karlsruhe.de
Polemics and manifestos have always served as
spark plugs to my energies and imagination
– Yvonne Rainer

Can we agree on the unsolvable conundrum of not knowing how much our lives, politics, desires, and decisions are formed, informed, and scripted by cinema, and lens/screen-based imaginaries? A question rather left as a hanging inquiring pendulum. This seminar will approach cinema, moving image, and performance from a place of urgency, needs of rupture, drives for survivance, social rights, ecological and liberation struggles. We will look at film manifestos as tools of those not included - ignored or stereotyped - in the classic film canon and how manifestos inform cinematic practices that challenge and corrupt the steady flow of politics, economics, aesthetics, and history. Taking lessons from the oppressed multitudes, and learning with those unseen and unheard in dominant narratives that produce self-perpetuating powers, we will engage with writings, aesthetics, perspectives, forms of production and cinematic gestures resulting from feminist, anti-colonial, indigenous, ecological, and capitalocenic positions.

This seminar will be continued over several semesters and navigate feminist film, third cinema, indigenous film and bodies of work beyond. In the WS 23/24, we will analyze films and texts by Lizzie Borden, Julie Dash, Maya Deren, Trinh T Minh Ha, Laura Mulvey, Yvonne Rainer, Heiny Srour, and Shawna Sunrise alongside works from Subversive Film. Just to start.

Tue 31.10.2023 13:00-18:00 DM/FC
Tue 14.11.2023 13:00-18:00 FC
Tue 28.11.2023 13:00-18:00 DM
Tue 12.12.2024 13:00-18:00 FC
Tue 16.01.2024 13:00-18:00 DM
Tue 30.01.2024 13:00-18:00 FC
Tue 13.02.2024 13:00-18:00 DM/FC

Additional dates to be announced.
The course takes place bi-weekly at Blauer Salon & R.103

Contact: fcesar(at)hfg-karlsruhe.de and dmccarty(at)hfg-karlsruhe.de
Urheberrecht und Verwertung

Am Thema Urheberrecht kommt man im Bereich der Kreativwirtschaft kaum vorbei. Ob Texte, Grafiken, Fotos, Filme oder Softwarecode - viele Arbeitsergebnisse von kreativen Schaffensprozessen sind urheberrechtlich geschützt. Daher sind sowohl für die Kreativschaffenden selbst, als auch diejenigen, die solche urheberrechtlich geschützten Werke nutzen wollen, Grundkenntnisse des Urheberrechts dringend erforderlich. Im Workshop werden anhand von konkreten Beispielen aus der Praxis die wesentlichen Regelungen erläutert und Wege aufgezeigt, um die wirtschaftliche Verwertung von Urheberrechten abzusichern.


Vertragsrecht und Vertragsarten

Dem Austausch von Leistungen liegt immer ein Vertrag zugrunde. Auch Gestalter*innen und Künstler*innen schließen mit ihren Kund*innen, Auftraggeber*innen oder Kooperationspartner*innen Verträge. Im Workshop werden Grundlagen des Vertragsrechts und der Vertragsgestaltung vermittelt und Mindestinhalte verschiedener Vertragstypen dargestellt (z. B. Kauf- und Leihvertrag, Produktionsvertrag, Ausstellungsvertrag).


Gewerbliche Schutzrechte, Gebrauchsmuster- und Patentrecht

Wer eine Geschäftsidee hat, stellt sich in der Regel zwei Fragen: Wie lässt sich gewährleisten, dass es die oder der Kreativschaffende selbst ist, welche*r die Idee vermarktet, und nicht jemand anderes?
Die zweite Frage zielt auf die rechtlichen Möglichkeiten ab, eine Geschäftsidee zu schützen. Für Geschäftsideen und Neuentwicklungen können, sofern entsprechende Voraussetzungen vorliegen, Gebrauchsmuster sowie ein Patent angemeldet werden. Im Angebot werden anhand von Beispielen die unterschiedlichen Möglichkeiten skizziert.


Fragen und Praxisbeispiele der Teilnehmer*innen sind in allen drei Angeboten willkommen.

Verbindliche Anmeldung bitte bis 27.11. an: jstegman(at)hfg-karlsruhe.de
Zur präzisen Umsetzung von Produktideen, Planung und Darstellung werden von Ingenieuren*innen, Designern*innen als auch Künstlern*innen, sogenannte CAD-Programme genutzt.
CAD-3D-Modelle dienen als Basis für den 3D-Druck, technische 2D-Zeichnungen, Grundrisszeichnungen, Ausstellungsplanung, Prototypen oder Renderings/Visualisierungen.
Das Seminar richtet sich an Studierende aller Fachbereiche und bedarf keinerlei Vorkenntnisse. Vorwiegend wird die Software "Rhinoceros 3D" gezeigt, jedoch wird es auch einen kleinen Einblick in andere Programme wie "Fusion 360" geben.
Idealerweise bringen die Seminarteilnehmer*innen einen halbwegs leistungsfähigen Laptop PC/Mac mit.
Die Leistungsanforderungen für Rhino 3D können hier eingesehen werden:
https://www.rhino3d.com/7/system-requirements/
Pflichtveranstaltung für den Fachbereich Produktdesign
Lasst alte Objekte aus dem Designergrab auferstehen und holt sie zurück in die Hochglanzmagazine und Insta.
Die Verschmelzung von Altbekanntem mit dem Modernen, Neuen, als eine Art "New Hybrid" mit einer kleinen Dosis Upcycling und Umdenken.
Verstaubte, defekte Antiquitäten, vergessene Schätze, sperrmüllreife oder langweilige Objekte sollen in neuem Glanz erstrahlen. Wenn sie geschickt mit neuen Farben und Materialkombinationen überarbeitet werden, könnten sie so mit neuer Funktionalität, oder unerwarteten Features wiederauferstehen.
1924 wurde Hans Fleschs „Zauberei auf dem Sender“ als erstes Hörspiel in Deutschland urgesendet. Nicht erst in den 1960er und 1970er Jahren begannen Künstler, das Hörspiel als Medium für experimentelle und avantgardistische Ausdrucksformen zu nutzen. Dies führte zu einzigartigen und innovativen Produktionen, die oft die Grenzen zwischen Hörspiel und Kunst verschwimmen ließen. In den vergangenen Jahren hat das Akustische in der Kunst stark an Bedeutung gewonnen. Von seinen Anfängen bis zur modernen Podcast-Kultur hat das Hörspiel eine faszinierende Entwicklung durchlaufen – Einblick und Ausblick.

Das Seminar vereint Theorie und Praxis. Der Analyse ausgewählter Text- und Hörbeispiele folgt die praktische Umsetzung in Podcast, Hörspiel, Feature, Installation.

Hrsg. Gerhard Paul, Ralph Schock: „Sound des Jahrhunderts – Geräusche, Töne. Stimmen – 1889 bis heute“
Friedrich Kittler: „Grammophon, Film, Typewriter“
https://www.ubuweb.com/sound/index.html
In what relation do humans stand to robots? Is it a competition? Or a master-slave dialectics? Do robots really imitate humans, or is it rather the other way round? What is the secret behind the human-machine simulacra? Usual answers to these questions strictly follow the logic of humans as rational beings. We imagine our brains as resembling computers. In similar way we understand cybernetics. However, we might be wrong. For Lydia H. Liu cybernetics is not a science that explains the human. It rather changes our notion of what it is to be human. She shows how post-war cybernetics moved away from the Enlightenment ideal of rational man. It developed a theory of language in which the human mind “is a psychic machine subject to chance, error, and repetition automatisms.” Cyberneticists understood the human as driven by unconscious impulses, in short, as something analogous to a “Freudian robot.” This explains why we find virtual and robotic representations of our selves so uncanny in a Freudian sense.
The class will read and discuss Liu's book paying special attention to examples from the literary avant-garde, psychoanalysis, the concept of Basic English, Derrida’s reading of Finnegan’s Wake, etc.
(Lydia H. Liu, The Freudian Robot. Digital Media and the Future of the Unconscious, Chicago and London: The University of Chicago Press, 2010).
This seminar takes as its motto the famous 1992 artwork by Mladen Stilinović: “An artist who cannot speak English is no artist”. What at first sounds as an utterly absurd statement –the ability to speak one single language as a necessary condition for being an artist– is in fact a call to confront some of the major problems of today’s global world, that are not only reflected in contemporary art, but also tightly interwoven with its structure. Repressive monolingualism of the global art system, expressed in the total dominance of the English language, plays today a crucial role in its hierarchisations, canonizations and historizations. It decisively co-creates aesthetic values, generates and controls the commodification of artworks and co-shapes the fate of individual artists within such system.
Is there any way out of this impasse? There must be, but only if it does not lead back to the old world of national art scenes and their respective national languages and national cultures enclosed within separate nation-states. The solution implies the concept of translation in its linguistic, cultural and political meaning. The class will discuss diverse theories of translation within the conceptual framework of the aforementioned problem. It will do so using examples from contemporary art, everyday life and both local and global politics.
Technisches Zeichnen ist die Voraussetzung, um normgerechte Zeichnungen und Skizzen zu erstellen. Was sich heute weitgehend mit CAD-Programmen zunächst an Computermonitoren abspielt, muss auf dem Papier dennoch gültigen Regeln folgen, um Ideen und Projekte deutlich, übersichtlich und unmissverständlich darzustellen. In Kooperation mit Tibor Weissmahr wird nun abschließend der Weg vom 3D-Modell in Rhino zur bemaßten Technischen Zeichnung in 2D aufgezeigt.

Dieser Kurs ist eine Pflichtveranstaltung für Studierende von Produktdesign und bei freien Plätzen offen für andere Fachbereiche.
Ausgewählte Arbeiten, die sich im medienkünstlerischen Spannungsfeld von Sound, Vision und Installation bewegen werden in einer Ausstellung präsentiert. Die Ausstellung wird unterstützt durch das Karlsruher Künstlerinnenforum GEDOK. 

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Gerätschaften für die unterschiedlichen Anwendungen der Audio- und Musikbereiche können bei entsprechender Qualifikation für begrenzte Zeiträume ausgeliehen werden.
UltraSound - 2024
ist das audio-visuelle Konzert zum Semesterende der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Studenten führen ihre Kompositionen und Arbeiten auf. Das Spektrum ist offen und reicht von elektroakustischen Kompositionen über audiovisuelle Kompositionen, Laptopmusik bis zu Live-Bands und neuer komponierter Musik. UltraSound ist Plattform zur Artikulation der Ideen. Die Bühne ist Freiraum und Realisationsraum der künstlerischen und musikalischen Vorgaben und Ziele der Studenten.

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmer bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen

Konzert zum Semesterende
studentische Organisation und Beteiligung

Liebe VVZ-Leserinnen und Leser,

in diesem Wintersemester haben wir uns in der Programmgestaltung einmal mehr gegen ein Leitmotiv, gegen einen roten Faden und gegen Schubladen entschieden. Unsere Schublade, roter Faden und Leitmotiv wird in diesem Semester aufs Neue die Vielfalt des Kinos sein! Lasst uns gemeinsam den Blick schweifen durch eine Welt, deren Anblicke nicht verschiedener sein könnten, und die doch eins immer gemeinsam hat: unseren Blick darauf. Wir hoffen, das war tiefgründig genug für den Anfang, wünschen euch viel Spaß beim Wintersemester und freuen uns auf viele tolle gemeinsame Filmerlebnisse!

Filmbeginn immer ab 19 Uhr, Bar ab 18:30

Zu jedem Film wird eine kurze Trailerschau zur Einstimmung präsentiert.
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Dear VVZ readers,

this winter semester we have once again decided against a leitmotif, a red thread and drawers in our programming. Our pigeonhole, red thread and leitmotif this semester will once again be the diversity of cinema! Let's look together through a world whose sights couldn't be more different, and yet always have one thing in common: our view of it. We hope that was profound enough for the beginning, wish you a lot of fun in the winter semester and look forward to many great film experiences together!


Films start at 7 p.m., bar from 6:30 p.m. 

A short trailer show is presented for each film to set the mood.

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12.10.23 Akira Kurosawas Träume (1990)

30.10.23 Das Deutsche Kettensägenmassaker (1990)

27.11.23 Der Tag bricht an (1939)

22.12.23 Solo Sunny (1980) 

08.01.24 Stummfilmabend mit Live-Klavier

29.01.24 Uncle Boonmee erinnert sich an seine früheren Leben (2010)

19.02.24 Elf Uhr Nachts (1965)

25.03.24 Die Strände von Agnès (2008)

Martial arts are codified systems and traditions of combat practiced for a number of reasons such as self-defense; competition; physical, mental and spiritual development; and entertainment or the preservation of a nation's intangible cultural heritage. Tai chi short for T'ai chi ch'üan or Tàijí quán is an internal Chinese martial art practiced for both its defense training, its health benefits and meditation. The term taiji is a Chinese cosmological concept for the flux of yin and yang.
The course "Know Your Tools PD" will equip you with the basics of graphic design, photography, and some means of production HFG offers.

It starts by explaining how to efficiently use computer programs and digital tools and includes the usage of creative experimentation. The course breaks down the process of creating digital reproductions, retouching images, using typography and designing layouts. Later on, the course covers printing and what designers need to know to work with paths for laser cutting.

No prior expertise is required. You'll encounter tools and software like Photoshop, Illustrator and InDesign, along the way.
The understanding of studio and sound technology is mandatory for working in the HfG's production studios. The course is focusing on acoustics, sound perception and studio equipment and outlines the physics of sound as well as the principles of acoustic transducers and sound generators. Theory of analog and digital signal processing is accompanied by practical explanations of operating concepts of mixing desks, sequencers, audio interfaces and amplifiers. Connection and transmission technologies will be covered equally.

A basic certificate (Grundlagennachweis) is awarded for successful participation. This entitles the students to work in the HfG sound studios.
As proof of their understanding of how to use the equipment, participants must realize a sound piece in the studios based on what they have learned. An assignment will be handed out during the course.
Eine Vielzahl an Forschungs- und Arbeitsdisziplinen haben in jüngerer Zeit ihr Untersuchungspektrum um akustische und auditive Phänomene erweitert. Unter dem englischen Begriff "Sound" werden aus verschiedenen Fragerichtungen heraus dessen Durchdringung der Bereiche Technik, Gesellschaft, Kunst, Philosophie, Ästhetik und Wahrnehmungspsychologie behandelt. In dieser Veranstaltung wird der Gegenstandsbereich "Sound" in verschiedenen Kontexten näher betrachtet. Dabei werden sowohl aktuelle als auch historische Ansätze und Positionen untersucht. Das Ziel ist es, vor diesem Hintergrund "Sound" klarer zu konturieren. Durch praxisorientierte Unterrichtseinheiten mit Workshopcharakter werden einzelne Aspekte vertieft.

Im Verlauf des Semesters werden u.a. folgende Themen behandelt:

- Einführung: "Sound" - zwischen Natur- und Kulturwissenschaften
- Die Beziehung zwischen Klang, Ton und Geräusch.
- "Sound Based Music" und "Organized Sound"
- Sonic Art
- Klassifikation, Terminologie und grafische Darstellung von Sound
- Soundscape nach R. Murray Schafer
- Sounddesign und akustische Klanggestaltung
- DIY-Kultur: Handmade Electronic Music
- Texte zur Klangästhetik

Im Rahmen der Vorlesung können einzelne Referatsthemen bearbeitet und in einem ca. 15-minütigen Vortrag vorgestellt werden. Zusammen mit einer schriftlichen Ausarbeitung besteht die Möglichkeit, einen Leistungsschein aus der Fachtheorie Medienkunst/Sound zu erhalten. Ebenso ist es möglich, eigene künstlerische Arbeiten zu diesem Thema vorzustellen, was mit einem Praxisleistungsschein ausgezeichnet wird. Details zu den genauen Anforderungen und dem Umfang der jeweiligen Arbeiten werden im Vorfeld mit dem Dozenten geklärt.
We focus in particular on the technical aspects about taking photographs at HfG. During the three sessions, participants get to know different camera systems- from 35 mm to medium format, analogue and digital - with their advantages and disadvantages and learn to understand and use their peculiarities. Second session is devoted to workflow and software of image editing. Third session gives an insight about the possibilites of printing photographs.
The introduction enables independent work and is a prerequisite for borrowing the equipment. No previous experience needed. It is recommended for first semester of media art.
An den genannten Terminen bietet Steffen Euch einen kleinen Grundlagenkurs "Arbeiten mit Ton" an.
Darüber hinaus steht er Euch freitags von 12:00 - 15:00 Uhr zur Seite bei der Betreuung Eurer keramischen Objekte/Projekte und koordiniert auch die Brände.

Dieser Kurs bietet einen Einstieg und Überblick über grundlegende Prinzipien und Techniken des Recherchierens, Konzipierens und Verfassens wissenschaftlicher Arbeiten. In zwei Sitzungen wird das Format der Haus-, Diplom- und Magisterarbeiten besprochen sowie verschiedene Schreibtechniken vorgestellt und erprobt. Seminar- und Abschlussarbeiten stellen einen Einstieg in das wissenschaftliche Arbeiten an Hochschulen dar. Dabei unterliegen ihrer Form, ihrem Aufbau und ihrer Sprache Grundregeln. Diese werden in der ersten Sitzung besprochen, sowie Bewertungskriterien offengelegt. In der zweiten Sitzung werden darauf aufbauend Schreibtechniken vorgestellt, die zum Strukturieren von Gedanken hin zur Argumentation und zur Überwindung von Schreibblockaden hilfreich sind. Ziel der Veranstaltung ist, Studierende aller Fächer der HfG für die künftige selbständige Forschungsarbeit im Rahmen des Studiums vorzubereiten.

A game jam is similar to a hackathon where people come together for a short period of time to create games around a central theme revealed at the start of the jam. The structure of The GGJ is usually that everyone gathers on Friday late afternoon, watches a short video keynote with advice from leading game developers, and then a secret theme is announced.
All jammers worldwide are then challenged to make games based on that same theme, with games to be completed by Sunday afternoon
Einsteigerkurs Game Audio mit Audiokinetic Wwise und Unity 3D (keine Vorkenntnisse erforderlich)
Die vom kanadischen Unternehmen Audiokinetic angebotene Software Wwise ist eine sogenannte Middleware, die für die Entwicklung und Implementierung von Sounddesign und Musik genutzt wird. Das heißt: Sie übernimmt die klangliche Gestaltung für Spieleentwicklungsumgebungen wie Unity oder Unreal Engine. Audiodesigner können Wwise beispielsweise nutzen, um aufwendige detailgenaue Geräuschkulissen zu erstellen und somit Spielwelten deutlich realistischer erscheinen zu lassen. Genutzt wird sie für die Entwicklung zahlreicher sogenannter „AAA" (Trippel A)-Spiele, wie z. B. „Assassin‘s Creed" oder „Die Sims 4".
Wwise beschränkt sich allerdings nicht nur auf den Einsatz im Spielebereich – sie ist vielfältig einsetzbar und eignet sich auch für akustische Simulationen im Industrieumfeld, was das Programm auch für den AR/VR-Bereich hochinteressant macht.

Anmeldung bis 18.12.2023 unter lschwarz(at)hfg-karlsruhe.de
This workshop equips musicians with practical hands-on skills for building their own musical circuitry or modifying existing audio hardware. It offers practical knowledge of electronics useful for sound creation, noise making and music interaction.
Participants are introduced to soldering and assembling audio circuits on breadboards or perfboards in the context of audio, composition, live performance and sound art. A major portion of the course will be devoted to hardware prototyping, including test and fault finding sessions.
The emphasis will be upon the designing of electronic instruments as well as interfacing transducers and developing alternative controllers. Artistic and practical use of the circuits will also be explored and discussed.
Finally, it is planned to carry out a concert performance with self-made electronic instruments at the end of the semester.
In Zusammenarbeit mit den Ludwigsburger Regiestudierenden besteht die Möglichkeit, dass ein Team der HfG die Ausstattung für die Produktion einer Regiestudierenden übernimmt. In diesen Arbeiten geht um zeitgenössische Stückentwicklungen als Performance Kollektive, in denen die Zuschreibungen zu einzelnen Gewerken der Theaterkunst auch aufgehoben werden können.
Mentoriert wird die Arbeit durch das Theaterkollektiv Henrike Iglesias: Das theatrales Einsatzgebiet von Henrike Iglesias erstreckt sich vom Populären über das Persönliche zum Politischen. Sie begreifen popkulturelle und massenmediale Phänomene als Spiegel gesellschaftlicher Zu- und Missstände und haben es sich zur Aufgabe gemacht, diese aus explizit feministischen Perspektiven zu beleuchten.
Kick off der gemeinsamen Arbeit bildet ein Workshop mit dem Henrike Iglesias 05. - 07. März 2024 gemeinsam mit den Regie und Schauspielstudierenden in Ludwigsburg. Im Anschluss folgt ein gemeinsamer Konzeptionsprozess inklusive Ausstattungskonzept und ab 08. April die gemeinsame Probenphase bis zur Premiere am 23./24. Mai 2024.
The workshop is an basic introduction to virtual world building, utilizing game design software like Unity and Unreal Engine. It will introduce both the conceptual and technical tools for experimentation with Avatars, Cosplay, and Motion capture.
The Rise Of The Heroes ist ein 1,5-wöchiger Kostümworkshop, der in einer atemberaubenden Wrestlingshow* seine Ergebnisse inmitten der Lichthöfe präsentiert.

Im Mittelpunkt jeder Wrestlingperformance steht der kämpfende Körper, der der Wrestling-Legende The fabulous Moolah zufolge “im Keim schon den ganzen Kampf enthält”. Das Urbild dieses Körpers ist der weiße, muskulöse, heterosexuelle Männerkörper, dem Stärke, Schnelligkeit, Dominanz und die hemmungslose Expansion in Raum und Zeit zugeschrieben werden. Attribute, die eine Vorstellung von Macht, Privilegien und Legitimation hervorrufen. Attribute, die wir uns aneignen, aufbrechen und zerschlagen werden:

Wir entwickeln Kostüme, die neue Körperbilder produzieren.

Zur Inspiration begeben wir uns in einen unermüdlichen Serienmarathon der World Wrestling Entertainment Shows. Beim Wrestling steht der*die Sieger*in schon vor dem Match fest. Der Fokus liegt auf dem Entertainment, daher ist es umso bedeutender, welches Gimmick durch die Wrestler*innen transportiert wird, das heißt welchen Namen, welche Kostümierung, welche sprachlichen Äußerungen und welche Inszenierungen der Figuren vorgenommen wird.

In den darauffolgenden Tagen entwickeln wir gemeinsam eure Kostüme und die dazugehörigen Gimmicks und setzen dieses um.
Nicht zuletzt erarbeiten wir die atemberaubende Präsentation und feiern uns.

*Laufsteg oder Konzert oder Foto Ausstellung - die Präsentation unserer Ergebnisse entscheiden wir kollektiv.
Pflichtkurs für alle Studierenden, die im Großen Studio arbeiten oder ausstellen möchten.
Vermittlung von Grundlagen in Licht-, Video-, Ton-, Bühnen- und Elektrotechnik.
Teilnahme nur nach Voranmeldung an sschafer(at)hfg-karlsruhe.de
Theoretische und praktische Grundlagen der Beleuchtungstechnik. Vertiefung nach Absprache.
Prelude to a Workshop at HfG Karlsruhe in January 2024
As you embark on your first visit to Prishtina this October, think also of this journey as a prelude to your upcoming workshop scheduled for January 2024 in Karlsruhe. While in Prishtina, you will have the opportunity to dig into the city’s culture, architecture and lifestyle by aligning your personal interests with the experiences you encounter during your visit. Whether you are drawn to architecture, local interactions, artistic expressions or culinary pleasures, Prishtina offers a number of things to connect with.

Selecting Your Path: Choose a focus that aligns with your current interests.
Not limited to but you may opt to:
• Observation: Find a way of capturing Prishtina’s spirit
• Local Interaction: Engage in a conversation with a local resident to gain insights into their daily life and experiences. Don’t be surprised if you encounter locals who speak fluent German (this is often the case with the Taxi drivers, who might have worked in Germany previously).
• Culinary Exploration: Sample and document a local dish that resonates with your taste buds.
• Creative Expression: Attend a local art event, exhibition, community center, music venue or studio visit.
• Architecture: Investigate a building/site that stands as a testament to Prishtina’s history or growth.

Documentation
You can choose one or multiple mediums to document your trip/experience.
For example: a series of photos, drawings, a poem, a typeface, a short story, a video, a transcribed interview or any other medium of your choice.

Looking ahead to January 2024, your documentation will serve as the foundation for the 4-day workshop at HfG Karsruhe. Together we will expand on the themes and ideas based on your chosen documentation.
More information will follow shortly before registration.
Der Kurs vermittelt die Grundlagen und Grundfertigkeiten des Siebdruckes und ist für Studierende aller Fachbereiche geeignet. Erfolgreiche Kursteilnehmer erhalten den Grundlagennachweis der zur eigenständigen Benutzung der Siebdruckwerkstatt berechtigt.

Ein vier-tägiger Grundlagenkurs, der verpflichtend für das erste Jahr des Kommunikationsdesignstudiums ist, ist für Ende Februar angesetzt, ein genaues Datum wird im Januar via Rundmail bestätigt.
Termine für weitere Kurse die für alle Fachbereiche offen sind, werden im Sommersemester folgen und via Rundmail bekannt gegeben.

Der Workshop wird die folgenden Themen behandeln //
• Die historische Entwicklung des Siebdrucks
• Sicherheit am Arbeitsplatz
• Experimentelles Drucken ohne die Beschichtung des Siebes
• Druckvorstufe und Bildbearbeitung
• Beschichtung und Belichtung des Siebes
• Anmischen von Farbe und Druckvorbereitung
• Mehr-Farbdruck: Registrierung und Drucken eines mehrfarbigen Posters das ihr selber entwerft
• Reinigung und Entschichten des Siebes
• Einführung: Automatisiertes Drucken

Auskommen //
• Finaler Mehr-Farbdruck zum Thema Pretty Ugly
• Kurslogbuch
• Um den Grundlagennachweis (Schein) zu erhalten muss der Kurs an allen vier Tagen besucht werden, ein mehrfarbiges Poster entworfen und gedruckt werden, sowie ein vollständig Kurslogbuch eingereicht werden.
The framework for the activities of Vinterskolen (winter school), is a decommissioned agricultural property in the small city of Vrå in the countryside of Southern Jutland, Denmark hosted by the association ORBI. 
 
Since 2019, art directer Hans Peter Dinesen from the wood company Dinesen and architect Peter Møller Rasmussen from Royal Danish Academy of Architecture hosted Sommerskolen (summer school) inviting architecture students to build new spaces as well as rebuilding existing, at the property in Vrå. During the 2021 edition of Sommerskolen, the theme was ‘Urbi et Orbi*’, and work began on converting an existing farm house into a residency.   
 
“In the glittery, icy-cold snow, inside a cozy hut built of wood, there is an island where emerging designers can gather to talk, share, observe and work together. What does it mean to work together as designers and what is the role of designer in terms of uniting?” 
 
Vinterskolen (winter school) is initiated by graphic designer Line-Gry Hørup inviting students of Visual Communication at HfG Karlsruhe to plan a first edition, themed ‘The Tangible Destination’. The programme will focus on methods of critical graphic design, as well as the maintenance of the Greatest Hits Library. 
 
Activities of Vinterskolen:
1) Establishing working facilities for the winter school; setting up a printing press; writing a manifesto for school making; creating small workshops; how to keep warm. 
2) Teaching each other on the history of trade unions in history of design + visiting lecture on working conditions, style and methodology of typographers, in relation to the development of technology. 
3) Workshop “splendid splinters” with ORBI-team on working with wood; building a chair. 
4) Working with the collections of ORBI and/or quilting. 
5) Collective reading series in the winter cabin.  
 
The course is free, accommodation is 50 euros pr. night. Participants must cover their own expenses for the purchase of food and transportation. All meals are organised and prepared together. 50% of costs for transportation and accommodation is covered by the HfG.
 
Further reading: www.orbivraa.dk/vinterskolen.
 
*A common phrase in the papal blessing of Rome since the 13th century, meaning: ‘for the city and for the world’ – colloquially meaning something more in the likes of ‘everywhere and anywhere’.
New Media Artworks often establish dependencies with other infrastructures and, contrary to the first impression, are fragile and require many resources to preserve or display them again, that can be an incredible challenge for institutions. Different meetings around archiving, conservation and preservation of new media art have agreed that (technical) documentation is and will play an increasing important role, that is yet not always properly acknowledged: There are not standardized guidelines for technical documentation and professionals are not always familiar with this genre or understand their importance, e.g., during the acquisition, restoration or displaying of these artworks.

In this 3-day workshop we will explore, together with digital restorers from ZKM | Zentrum für Kunst un Medien Karlsruhe Matthieu Vlaminck and Morgane Stricot, what happens to an artwork during and after the acquisition, which role does documentation play and how to write proper documentation. Participants will get an overview of the work of digital restorers and a first contact with technical documentation of four artworks. During the course, they will be asked to develop the technical documentation of a project they already developed (for artists) or retrieve information about a work of someone else (curator).

Taking Moshe Dayan, a divisive and extravagant Israeli figure as an example we will examine how the male power figure instrumentalists cultural objects, fashion and literature to create an image of himself that feeds into an image of a nation State. Dayan, who gained notoriety for his participation in the Yom Kippur War, gathered a vast collection of antiquities, frequently via illegal manners. The artist Ruth Patir will help us navigate this patriarchal figure and his relationship to figurines and women and war etc. Let’s bring other examples to the table from other places and think on it.

Ref: https://a-desk.org/en/magazine/part-1-the-patriarchal-gaze/
Draw a line with yourself
Go on drawing until you disappear
–Yoko Ono

When does one have the chance to challenge moving the body and using voice collectively without being conformed to unspoken, but always directing, codes of conduct? This gathering is a laboratory on body movement, lung activation, vocal cord vibration, and consensual touch. Everyone is invited to bring a kung fu kick, a yoga form, a kata, a note, a quote, a text, a deck, a stretch, a score, a haiku, a tone, a stone, a 4’33’’ silence, a fake therapy card, a grapefruit, an unfinished business to share and experiment.
Viele Filmtraditionen sehen die „Auflösung“ als ausschließliche Aufgabe der Regie an, da dadurch die filmische Sprache und der Stil entwickelt werden. Als Kameraperson könnte ich jedoch auf diese faszinierendste und schönste Aufgabe des Filmemachens im Prozess nicht verzichten! Dabei kann man den Film mit offenen Augen träumen und diesen Traum auf Papier festhalten. In diesem Seminar werden wir einige Filme und Ausschnitte anschauen, sie gemeinsam hinsichtlich der Aspekte der Auflösung und Kameraarbeit vergleichen, analysieren und diskutieren. Dabei geht es nicht darum, konventionelle Regeln zu erlernen, sondern vielmehr darum zu erforschen, mit welchen Mitteln die Filmerzählung durch visuelle Sprache und Auflösung gestaltet wird.
Faraz Fesharaki

Many cinema traditions perceive "resolution" as the exclusive task of the director since it is through it that cinematic language and style are developed. As a cinematographer, however, I could not renounce this most fascinating and beautiful task of the process of filmmaking! In the meantime, you can dream the film with your eyes open and capture that dream on paper. In this workshop, we will watch some films and excerpts, compare them together in terms of aspects of resolution and camera work, analyze and discuss them. The aim is not to learn conventional rules, but rather to explore the means by which film narrative is shaped through visual language and resolution.
Faraz Fesharaki.

Mon 6.11.2023 10:00-17:00
Tue 7.11.2023 10:00-17:00
Wed 8.11.2023 10:00-17:00
Thu 9.11.2023 10:00-17:00
Fri 10.11.2023 10:00-13:00

Language: English and German
Blauer Salon & R.103
What do we see when we see nothing? How does a collective body engage with sonic stellar? Can we listen to the earth? Can we crawl and perceive frequencies as worms do?

Workshop initiated by Kunstbüro der Kunststiftung Baden-Württemberg and HFG
Im Workshop mit Anne Duk Hee Jordan werden Würmer, Insekten, Vögel und andere, bisher übersehene Gefährten in den Blick genommen – mithilfe selbst hergestellter Apparaturen des Hörens, Sehens, Fühlens und Forschens. Gerade in einer Zeit der akuten Klimakrise, die bereits jetzt schwerwiegende Folgen für die Ökosysteme des Planeten hat, plädiert Jordan dafür, auch künstlerisch eine über das Menschliche hinausgehende Perspektive einzunehmen, in der alles mit allem verbunden ist. So wird der Boden zu einem lebendigen Universum unter unseren Füßen – atmend, schwitzend, trinkend und furzend!
Our bodies are constantly being shaped and reshaped by technological interfaces, the lines between organic bodies and the machine ever more blurred. Depending on who is doing the manipulation, this leaves us with limited or even unlimited control over our own narratives. What can we do with this power or lack thereof? How do machines see us? What can we learn from machines and technological gaze? How does gaze change through technology? How can technology mediatise our identities? Do capacities of technology are interdependent? Who is watching who?
Workshop concentrates on strategies of a photographic gaze, students are encouraged to experiment with different strategies of turning the camera on themselves, (re)constructing representations, identities or bodies. With the usage of TouchDesigner, a visual programming environment, participants can experiment and reinterpret these visual narratives. This approach provides insights into the intersection of technology and self-identity. Through this study, we aim to delve deeper into the relationship between our captured moments and digital transformation.
Workshop open to all students with basic photographic knowledge. No previous knowledge of touchdesigner needed.
This time we will look at a character called Teddy Kollek,

Teddy Kollek, a Jewish man born in Hungary, served as the mayor of Jerusalem from 1965 to 1993. with a key goal of turning the city into a hub for arts and culture. While the museums and modern architecture were intended to showcase this vision, they also had the unintended effect of perpetuating a colonial viewpoint of tribal cultures. These cultures were often exoticized and dehumanized, creating a hierarchy in which they were considered “uncivilized” by colonial powers.

Let’s look at how cultural extraction (tribal, oceanic even modernist) is instrumentalized by the state in order to narrate a particular story: in this case the western, civilised colonial State which posits itself against the other being non-white, western, christian etc.

ref: https://a-desk.org/en/magazine/part-2-the-colonial-gaze/
Following the excursion to Palestine (Oct 23-28), specifically thinking about the day we will spend in Hebron (H2) which is amongst the most surveilled areas on the planet, we will describe this experience.

Between 2020 and 2023, more than 10,000 olive trees were destroyed in the West Bank. Since 1967, a total of 800,000 olive trees have been uprooted by Israeli authorities and settlers. The surveillance cameras that appear every 300 feet in Hebron are installed to closely observe all Palestinians, thus violating their basic human right of privacy. AAH’s counter-surveillance strategy co-opts the same technology but with a radically different purpose – this electronic gaze does not seek to control, punish, or instill fear. Instead, it is an attempt at community building and service. 1

Let’s think through the notion of what a possible counter-surveillance gaze might constitute. If the gaze of a surveillance camera is malevolent, controlling, intrusive and abusive what could constitute a replied gaze? A benevolent or kind gaze? A gaze that aims to build community rather than attack the individual. We will consider Hebron as a petri dish and examine the function of surveillance and its alliance with AI and we will come up with suggestions of how to counter this gaze.
Working with, and inside of, the Benjamin and Brecht archive (housed in Brecht’s former apartment and run by Erdmut Wizisla, its curator and biographer at the Akademie der Kunste) we will look at many things, including how Brecht used the newspaper as a source material and created his Kriegsfiebel, or War Primer, while in exile in Scandinavia. Using newspaper cuttings of images under which he would scribble a four line poem in a lapis or sparse style. We will look at War Primer 2 (which I did with my former collaborator Oliver Chanarin, published by MACK) and we might want to consider thinking through a War Primer 3 together. Brecht looked at WWII, we looked at the so-called “war on terror” (beginning with 9/11 and ending with tge assassination of Bin Laden) otherwise known as "the war of images" (Retort). What could the War Primer 3 be? Where are we at?
We will also, of course, discuss the urgent matter of the last game of chess that Brecht and Benjamin played together and the three photographs of that game, of them sitting under the pear tree. Who won? We need to find out, maybe?

The final chapter and workshop will deal with intersectional solidarity: Women Life Freedom. We will interact with activists on the frontline in Tehran and people working in the art world to try to raise and amplify awareness.
Somthing Curated by the frontline activist and artist: https://www.instagram.com/delavienne/
Non disclosure assumed!
Auch wenn der Begriff sperrig ist, wir gehören dazu: Kunst, Design, Darstellendes, Film, Musik, Games und Weitere bilden die Grundlage der Kultur- und Kreativwirtschaft, die seit ihrer Schöpfung als eigener Wirtschaftssektor 2009 rund 3% zur Gesamtwirtschaft beiträgt, Tendenz steigend.

Wir werden gemeinsam einen groben Fahrplan für die Zeit nach dem Studium entwickeln und orientieren uns dabei an folgenden Themenblöcken:

- Individuelle Standortbestimmung - Woher wohin?
- Business Modelling in Kunst und Design - Was wofür?
- Bürokratie - Wie weiter? Versicherungen, KSK, Finanzamt und die entsprechenden Prozesse

Das Angebot findet als Workshop zweimal im Semester statt, es können zusätzlich begleitende Einzelgespräche wahrgenommen werden.
Es empfiehlt sich eine Kombination mit dem Seminar „Recht für Kreativschaffende“.

Anmeldung bitte bis 01.11. an: jstegman(at)hfg-karlsruhe.de


Der Workshop richtet sich an Studierende aller Fachgruppen ab dem 4. Studienjahr sowie Alumni direkt nach dem Abschluss, es ist auch möglich in früheren Semestern teilzunehmen.
Vom Projektantrag, über das Portfolio, die eigene Webseite oder den Social Media Account: Nicht nur weil wir wollen, sondern auch weil wir müssen - am Artist Statement führt kaum noch ein Weg vorbei. Das Artist Statement ist Zwang und Chance zugleich: Eine Notwendigkeit, die der Kunstbetrieb früher oder später einfordert, aber eben auch ein Tool, ein Werkzeug, dass uns Möglichkeiten an die Hand gibt, die Wahrnehmung unserer künstlerischen Arbeit zu formen, den Blick auf die Aspekte unserer Praxis zu schärfen, die uns wichtig sind, und zwischen unserer Arbeit im Atelier und einer wie auch immer gearteten Öffentlichkeit zu vermitteln.
Im Rahmen des Workshops werden wir die unterschiedlichen Formen und Funktionen des Artist Statements wie auch die Kontexte und Kriterien seiner Erstellung diskutieren und in praktischen Übungen erarbeiten. Ziel des Workshops ist es, sich einen jeweils eigenen Weg im Feld der Möglichkeiten zu bahnen und ein individuelles Artist Statement zu erstellen.

Daniel Pies lebt als freier Autor und Kurator in Karlsruhe. Er verfasste zahlreiche Katalog- und Zeitschriftenbeiträge zu Themen der Gegenwartskunst, u. a. für Springerin, Texte zur Kunst, Camera Austria und frieze. 2005–2008 war er Kurator am Kunstverein München, 2012 Direktor des Grazer Kunstvereins. Als Lehrbeauftragter unterrichtete er an den Akademien in München, Kassel und Mainz sowie seit 2011 kontinuierlich an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart.


Die Teilnehmer*innenzahl ist auf 8 Personen begrenzt.

Verbindliche Anmeldung bitte bis 01.11. an: jstegman(at)hfg-karlsruhe.de
Hier stellen wir Euch den gesamten Modellbaubereich mit seinen Möglichkeiten und Regularien vor.
Es erfolgt eine Unterweisung in die Werkstattordnung und organisatorische Abläufe, sowie eine Führung durch sämtliche Räume mit der Vorstellung der Maschinen und Geräte.

KEIN SCHEINERWERB MÖGLICH

Diese Einführung berechtigt Euch, in den Räumlichkeiten der Modellbauwerkstatt zu arbeiten und die vorhandenen Handwerkzeuge zu nutzen.
Die Teilnahme ist Voraussetzung für die weiteren angebotenen Einführungskurse (Part II und III)

Es ist ausreichend an einem der zwei genannten Termine teilzunehmen, sofern Ihr es nicht in der Onboarding-Woche bereits getan habt!!!
Im Kurs erhaltet Ihr eine Unterweisung in die Unfallverhütungsvorschriften und Betriebsanweisungen mit praktischen Übungen an Ständerbohrmaschinen, Bandsägen und Schleifmaschinen.
Im Vordergrund steht das sichere und fachgerechte Arbeiten an Maschinen und die richtige Wahl von Werkzeugen und Messen mit dem Messschieber.

Auf Wunsch könnt Ihr im Anschluss ein kleines vorgegebenes Werkstück fertigen, um das Erlernte zu vertiefen. Weiterer Zeitbedarf ca. 3 Stunden.

KEIN SOFORTIGER SCHEINERWERB MÖGLICH

Dieser Kurs berechtigt Euch in der Modellbauwerkstatt an den unterwiesenen Maschinen zu arbeiten und richtet sich an alle Semester und an alle Fachbereiche.
Diese Einführung ist sinnvoll, sobald Ihr im kommenden Semester in der Werkstatt arbeiten wollt.
Projektbezogen werden Euch immer die benötigten Maschinen und Techniken vorgestellt, dabei steht das sichere, fachgerechte und bewusste Arbeiten an Maschinen und Werkzeugen im Vordergrund. Ihr erhaltet zudem auch bei Bedarf Betreuung und Hilfestellung bei Vorgehen und Ausführung.
Hierfür könnt Ihr individuelle Termine mit uns vereinbaren.

Zusätzlich bieten wir Euch zu Beginn des Semesters drei feste Termine an für:

Modellbaufräse (04.12.)
Drehmaschine (11.12.)
Metall und Schweißen (18.12.)

Offen für alle Fachbereiche und Semester
Voraussetzung ist die Teilnahme an den Einführungskursen Part I und II