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Systeme als Körper, Körper im System, Systeme in Körpern und Körper als System. Vanessa Agard-Jones schlägt in ihrem Essay "Bodies in the System“ eine materialistisch- feministische Erweiterung von anthropologischen Untersuchungseinheiten vor. Neben der Notwendigkeit, Communities und Individuen politische Handlungsmacht zuzusprechen und sie als Akteur*innen innerhalb historischer Prozesse zu untersuchen und zu verstehen, formuliert sie die Wichtigkeit einer Skalierung bis auf mikroskopisch kleine Teilchen. Der Körper als Produkt sozialer Beziehungen und als materielle Verflechtung von zellulären Prozessen schluckt und spuckt Geografien und Formen der Macht. Als etwas stetig Werdendes, Sich-Wandelndes und Neu-Artikulierendes verkörpert und inkorporiert, ist er Assemblage und gleichzeitig Produkt. Der Körper in seiner individuellen Situiertheit, in der Masse von Körpern oder als Körper-Masse setzt sich in Bezug – zu seiner direkten Umgebung, zu lokalen Verflechtungen, zum kapitalistischen, postkolonialen Weltsystem.Für die interdisziplinäre Vorlesungsreihe "Bodies in the System“ leihen wir uns den Titel des Essays von Agard-Jones, spinnen ihn weiter und wenden ihn auf diverse Formen der Wissensproduktion an, ob künstlerisch, gestalterisch und/oder theoretisch ausgedrückt. Die Beiträge widmen sich dem Springen in Einheiten, Re-Kalibrieren von Untersuchungsobjekten und der Weisheit des individuellen sowie kollektiven Körpers. Die eingeladenen Positionen bewegen sich zwischen Kunst, Design und Theorie und tragen mal direkt, mal indirekt, mal flüchtig, mal konkret zu diesem "Tanz" bei.

Systems as Bodies and Bodies in the System and Systems in the Body and Bodies as Systems. In her essay “Bodies in the System” Vanessa Agard-Jones proposes a materialist-feminist extension of anthropological units of inquiry. In addition to the need to ascribe political agency to communities and individuals in order to understand them as actors within historical processes, she formulates the importance of scale that includes any microscopic tiny particle. The body as a product of social relations and material entanglements of cellular processes swallows and spews local, regional, and global expressions of power. As something constantly becoming, changing and re-articulating, it embodies and incorporates, it is assemblage and product at the same time. The body in its individual situatedness, in the mass of bodies or as a body-mass sets itself in relation — to its immediate surroundings, local entanglements, to the capitalist, postcolonial system of the world.
The interdisciplinary lecture series “Bodies in the System” borrows its title from Agard- Jones' essay, expands it and applies it to diverse forms of knowledge and practice – be they artistic, design and/or theoretical positions. The contributions will dedicate themselves to jump across scales, to recalibrate the objects of interest, the wisdom of individuals as well as the collective body. The invited positions that range from art to theory contribute to this "dance" – sometimes in a direct, sometimes indirect, sometimes in a fleeting or concrete manner.

In diesem Semester arbeiten wir mit dem Seminar "Sozial & Durstig" zusammen, um die Bepflanzung in der Cafeteria zu realisieren. Weiterhin sind auch Projekte allgemein zum Leben und der Arbeit an der Hochschule möglich. Auch Projekte aus den vorhergegangenen Greenhouse Seminaren können weitergeführt werden. Es werden unter anderem Prinzipien der Permakultur angewendet, um Nutzpflanzen in der HfG anzubauen und zu verwerten. Es liegt nahe, bestehende Ressourcen und Wertstoff-Kreisläufe zu erschließen und zu nutzen. Es wird versucht, mit möglichst wenig auszukommen und alles, was nötig ist, selbst zu entwickeln. Möglichst werden Prinzipien des partizipativen und situierten Designs eingeführt und angewendet.

Friedrich Knilli postulierte vor 60 Jahren: „Ton, Geräusch und Stimme sollten nur noch als technische Schallgestalten gelten, die ein bildfreies Spiel ermöglichen würden, deutlich unterschieden vom tradierten Rollenspiel: ein Spiel mit akustischem Material.“ Diese Überlegungen führten zu den Experimenten des sogenannten Neuen Hörspiels, die das Kraftfeld zwischen Literatur, Bildender Kunst und Musik erzeugten und bis heute nachwirken. Wir begeben uns auf Spurensuche und fragen uns: Was ist aus dem totalen Schallspiel geworden? Mit Beispielen von Peter Handke, Mauricio Kagel, Ferdinand Kriwet, Friederike Mayröcker, Franz Mon, Gerhard Rühm, Erika Runge und Paul Pörtner. Parallel werden die künstlerischen Arbeiten im Seminar vorbereitet und begleitet. Das Seminar vereint Theorie und Praxis. Der Analyse ausgewählter Text- und Hörbeispiele folgt die praktische Umsetzung in Podcast, Hörspiel, Feature, Installation. Mit Exkursion ins SWR Hörspielstudio Baden-Baden für Wortaufnahmen, Foley und Schnitt.

Ever since the advent of postmodernity, signaling the end of the “grand narratives,” the philosophy of G. W. F. Hegel has been deemed outdated. After 1990, however, para-Hegelian narratives about an alleged “end of history” surprisingly persisted, while analytic, postcolonial or poststructuralist theory traditions critically rediscovered a non-Hegelian Hegel. Rather than narrating the afterlives of post- and anti-Hegelian scholarship, this seminar revisits central passages of Hegel’s original writings, among them his Phenomenology of Spirit (1807) and Science of Logic (1812/32). In dialectical fashion, the goal is a discussion of Hegel-against-Hegel, demonstrating his belated contemporaneity with more recent constellations in Western and non-Western philosophies. This partial and deliberately partisan reading of Hegel introduces his oeuvre as a site of negativity, contradiction, struggle, alienation, restless movement and performative writing. Grasping modernity’s “social ontology of abstraction” (Jamila Mascat), Hegel gave rise – before Marx – to a theory of abstraction in the age of its technological reproducibility.

Although this course is announced in English, the language can still be decided (German or English), depending on the language preference of the participants.

Objekte sprechen, doch wie lässt sich die eigene Sprache in Form übersetzen? Form als eine körperliche Geste in drei Dimensionen, eine eigenständige Kommunikationseinheit ohne den Bedarf weiterer Erklärungen.
Im Kern dieses Kurses wollen wir viel sehen und viel machen, unsere Sensibilität für Intuition und Vorstellungskraft schulen, die zerbrechlichen – aber wesentlichen – Anfänge nähren und hegen. Ständig werden wir nach Verbindungen zwischen einer Form und einer Idee, einem Gefühl oder einer Atmosphäre suchen.
Farbe, Material, Textur, Proportion und Technik werden in einzelnen Kapiteln untersucht und sollen in der Gesamtheit helfen die eigene Stimme in Form zu finden.

Objects speak, yet, how to translate one’s own language to form? Form as a physical gesture in three dimensions, a distinct entity of communication not depending on any further explanation.
At the core of this course we want to see and make a lot, train our sensitivity to intuition and imagination, feed and cherish the fragile but essential beginnings. Constantly we’ll be looking for connections between a form and an idea, emotion or atmosphere.
Color, material, texture, proportion and technique will be investigated as individual chapters and all together helping to find one’s own voice in form.

Vision is never neutral: visual models of knowledge and epistemologies of vision inform, express and enact structures of power, domination, and violence. If “Images of the World and the Inscription of War” (Harun Farocki) cannot be separated, the realm of visuality is not only concerned with spatio-temporal images but also with historical ones embodied and interrupted by socio-political relations. In the history of critical theory, visual techniques such as camera obscura (optics), anamorphosis (painting), panopticon (architecture), speculum (medicine), or parallax (astronomy) have been employed to explore the constitutive gap, asymmetry and contradiction in (post)modern worldviews and their socio-political relations. Conversely, feminist and postcolonial theories have challenged power structures by insisting on “partial perspectives” (Donna Haraway), undoing the epistemic violence inscribed in the reifying gaze of ruling economies of scientific vision. Recalling Jacques Lacan’s famous observation that “you never look at me from the place from which I see you,” the seminar is interested in the asymmetry, inconsistency and non-identity of vision and perspective, eye and gaze.

Although this course is announced in English, the language can still be decided (German or English), depending on the language preference of the participants.

In diesem Seminar wird genauer auf verschiedene Aspekte beim Entwickeln in der Unity Engine und mit C# geachtet. Der Fokus in dem Seminar liegt auf der Programmierung. Daher sollten hier einige Vorkenntnisse mit der Unity Engine und Programmieren bestehen.

In this seminar we will look closer to different aspects of developing in the Unity Engine and C#. We will explore different coding strategies in different aspects of the Unity Engine. For this seminar you should bring basic knowledge in programming and with the Unity Engine.

Dieses Seminar wendet sich an alle, die sich für das digitale Entwickeln von Games interessieren. Wir bringen Euch die Basics des Game-Developments bei, indem wir mit Hilfe der Unity-Engine ein Spiel erstellen, gestalten und programmieren.

This seminar is for everybody interested in digital game development. We will teach you the basics of game development inside the Unity Engine. Inside this game engine we will create, design and code a game. You do not need any previous experience!

Das Feld der filmkünstlerischen Kräfte ist ein schwarzes, denn wie ein Schwarzes Loch oder Dunkle Materie ist es uns zunächst unbekannt. Von außen ist es nicht erkennbar. Wir müssen uns seiner Energie nähern, uns in seine Dunkelheit wagen, uns seiner Wirkkraft aussetzen, lange schauen, bis die Augen beginnen zu sehen, bevor wir in seinem Licht die verborgene Schönheit seiner poetischen Wirklichkeit entdecken, welche die spiegelbildliche Reflexion der geistigen Wirklichkeit unserer Welt ist.

In diesem theoretischen Seminar werden wir uns in das Schwarze Feld der Filmkunst begeben, seine Kräfte gedanklich und praktisch experimentell erforschen und uns der poetischen Wirklichkeit dieser Kunst und seiner existenziellen Verbundenheit mit unserem Sein zu nähern versuchen.

Als konkreter Pfad durch dieses Feld sollen sich praktische Filmarbeiten herausbilden, die im praktischen Seminar „Das Weiße Feld – Die Darstellung des Geistigen als Lichtspiel der filmischen Raumzeit“ gedreht werden. Das Thema für diese filmischen Arbeiten lautet „IDENTITÄT 2020“. Dieses Thema wird während des Seminars genauer erläutert.

Anmeldung per Mail bis zum 21.04. Vorbesprechung am 22.04.

The course offers an introduction to cryptocurrencies, distributed ledgers, and the blockchain in particular. Born out of the desire to take currencies out of the hands of governments and financial institutions, today these technologies are going far beyond their initial purpose and challenge the status quo of our increasingly centralized information infrastructure by enabling the secure functioning of decentralized networks. More than offering mere tools of exchange, the underlying protocols promise to open up the door to a decentralized web of financial applications, cloud storage, and content delivery networks. To critically examine this vision of decentralization, we will approach the topic in three steps.

The first part of the course is dedicated to the prehistory of these technologies. We will look into their cryptographical foundation, the function of money and bookkeeping in capitalism, and explore the cultural framework of Cypherpunks and Austrian economics from which the crypto space emerged. In the second part, we will focus on the technical fundamentals of blockchain ledgers, using the example of bitcoin as the first cryptocurrency. The third part explores where this technology is heading since Ethereum made the blockchain programmable. On one side it is being used in an attempt to make digital data valuable again, creating information markets, as we can currently experience with the phenomena of NFTs. But as we will see, there also lays an emancipatory potential in distributed ledger technologies, that we will try to uncover by examining projects such as Holochain and the Economic Space Agency, which not only aim at a reorganization of economic flows but also attempt to redefine what value is and how it should be accounted. Although this course is announced in English, the language can still be decided (German or English), depending on the language preference of the participants.

Wie können wir einen organischen Erfahrungsraum herstellen, der uns multisensuell affiziert? Und was genau bedeutet es, mit nicht-menschlichen Akteuren in einen kollaborativen Gestaltungsprozess zu treten? Diesen Fragen wollen wir auf intuitiv-materieller Ebene begegnen: Im Rahmen des Wissenschaftsfestivals “Effekte” (12.06.-20.06.) soll hierzu eine pavilionartige Struktur aus (lebendigen) Biomaterialien realisiert werden, die im Anschluss als offener Austauschort den Open Campus der HfG mitbespielt und im Zuge der deutsch-französischen Wanderausstellung “Frugalité Créative” (03.07.-08.08.) präsentiert wird. Basierend auf vorangegangen Recherchen werden wir dabei mit Mycelium, recyceltem Papierbeton und Symbiotischen Bakterien/Hefe-Kulturen arbeiten, um so gemeinsam ein sensorielles Ökosystem zu entwickeln, das neben der baulichen Architektur auch olfaktorische, auditive und geschmackliche Qualitäten mit verhandelt.

How can we create an organic experiential space that affects us multisensually? And what exactly does it mean to enter into a collaborative design process with non-human actors? We want to approach these questions on an intuitive-material level: In the context of the science festival "Effekte" (12.06.-20.06.), we will therefore realize a pavilion-like structure made of (living) biomaterials, which is subsequently displayed on the Open Campus of the HfG as an open place of exchange and will also be presented during the German-French traveling exhibition "Frugalité Créative" (03.07.-08.08.). Based on previous research, we will work with mycelium, recycled papercrete and symbiotic bacteria/yeast cultures to create all together a sensory ecosystem that negotiates olfactory, auditory and gustatory qualities in addition to the structural architecture.
Auch wenn der Begriff sperrig ist, wir gehören dazu: Kunst, Design, Darstellendes, Film, Musik, Games und Weitere bilden die Grundlage der Kultur- und Kreativwirtschaft, die seit ihrer Schöpfung als eigener Wirtschaftssektor 2009 rund 3% zur Gesamtwirtschaft beiträgt, Tendenz steigend.
Wir werden gemeinsam einen groben Fahrplan für die Zeit nach dem Studium entwickeln und orientieren uns dabei an folgenden drei Themenblöcken:
- Individuelle Standortbestimmung – Woher wohin? Persönlichkeit, Interessen, Kenntnisse und Fähigkeiten.
- Business Modelling in Kunst und Design – Was wofür? Canvas, Finanzen, Werte und Preisgestaltung.
- Bürokratie - Wie weiter? Versicherungen, KSK, Finanzamt und die entsprechenden Prozesse.
Das Angebot wird ergänzt durch Fachvorträge zu einzelnen Themen. Weiterhin sind Gesprächsrunden mit Alumni geplant zum Austausch von Erfahrungen und Tipps.

Das Seminar findet statt im Rahmen von "Artrepreneurs / Gründungskultur“ und wird gefördert vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

Das Angebot richtet sich an Studierende aller Fachgruppen ab dem 4. Studienjahr sowie Alumni direkt nach dem Abschluss. Es ist aber auch möglich, in früheren Semestern teilzunehmen.
Angefangen von der Einführung in das Urheberrecht über grundlegende Kenntnisse zu typischen Vertragsinhalten, die Frage nach dem Schutz von Geschäftsideen bis hin zur Wahl der passenden Gesellschaftsform für die Selbständigkeit gibt das Seminar Einblicke in die rechtlichen Rahmenbedingungen für Kreativschaffende.
Ergänzt wird das Angebot durch individuelle Themensprechstunden im 14-tägigen Wechsel.

Das Seminar findet statt im Rahmen von "Artrepreneurs / Gründungskultur“ und wird gefördert vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

Das Angebot richtet sich an Studierende aller Fachgruppen ab dem 4. Studienjahr.
KLAK ist der Name des Bücherautomaten, den wir an der HfG entwickelt haben. Seit 2013 steht er im Foyer des ZKM und liefert "nahrhafte Kost für inspirierte Geister“ (FAZ). Bestückt ist der Automat mit Leseheften, die im Schreiblabor des Literaturseminars entstanden sind. Das aktuelle Heft Nr. 16 mit Kurzprosa, Gedichten und visueller Poesie erscheint in diesem Frühjahr. Auch im Sommersemester werden wir Aufgaben für literarische Sujets und poetische Texte formulieren und die Ausarbeitung im Seminar begleiten. Ein Redaktionsstab, der aus Seminarteilnehmern gebildet wird, wird eine Auswahl neuer Texte für den Bücherautomaten KLAK vornehmen. Neben dem Schreiben und dem Redigieren stehen auch Fragen der Herstellung, des Designs und der öffentlichen Präsentation unserer Texte im Fokus der Seminararbeit. Zudem gilt es, eine LIFT-Lesung vorzubereiten, in der wir unsere Texte im Rahmen der Karlsruher Literaturtage im Herbst 2021 präsentieren. KLAK ist das Karlsruher-Literatur-Automaten-Kollektiv.
Das Seminar ist offen für Studierende aller Fachgruppen.
Radio ist ein Medium für Abstraktionskünstler. Es macht sein Personal unsichtbar. Wer Spaß an paradoxen Formulierungen hat, könnte sagen: Das Radio versammelt lauter Abwesende in einem imaginären Raum. Dieser Raum ist kein konkret eingrenzbarer Raum, sondern definiert sich durch einen Apparat, der über die Fähigkeit verfügt, akustische Signale wiederzugeben. Wir müssen uns also ganz auf das verlassen, was wir hören. Dieses merkwürdige Als-Ob müsste aus uns Hörern eigentlich eine Schar verunsicherter Äther-Gesellen machen, die ihren Ohren nicht mehr trauen. Doch das Radio hat dieses Paradox seit hundert Jahren erfolgreich bewirtschaftet. Also nehmen wir diesen Umstand als Ermutigung, beschäftigen uns mit dem Hörmedium Radio und gehen selbst auf Sendung. Im letzten Sommersemester haben wir uns mit der Geschichte der ehemaligen Munitionsfabrik, in der heute unsere Hochschule untergebracht ist, beschäftigt. Der Schwerpunkt lag auf der Zwangsarbeit im Dritten Reich. Jetzt wollen wir das vielfältige Material neu sichten, um einen Podcast herzustellen, der dieses dunkle Kapitel der Geschichte unseres Gebäudes zum Sprechen bringt.
Technisches Zeichnen ist die Voraussetzung, um normgerechte Zeichnungen und Skizzen zu erstellen. Was sich heute weitgehend mit CAD-Programmen zunächst an Computermonitoren abspielt, muss auf dem Papier dennoch gültigen Regeln folgen, um Ideen und Projekte deutlich, übersichtlich und unmissverständlich darzustellen. In Kooperation mit Tibor Weissmahr wird nun abschließend der Weg vom 3D-Modell in Rhino zur bemaßten Technischen Zeichnung in 2D aufgezeigt.

Teilnahme verpflichtend für PD-Studierende.
Das Seminar setzt sich theoretisch und praktisch mit der gemeinsamen Entwicklung einer Begegnungsstätte auseinander. Wir untersuchen die Bedeutung von sozial verbindenden Elementen wie Kunst, Körper, Design, Musik, Essen, Stammtischen und deren Einfluss auf kollektives (künstlerisches) Arbeiten. Kurzum: Es entsteht – trotz Corona – Stück für Stück – ein Gemeinschaftsort.
Die Arbeitsgruppen sind momentan den Themen "Raum“, "Kulinarik“, "Stammtisch“, "Kommunikation“ und "Doku“ zugeordnet. Gerne können auch eigene Projektideen verwirklicht werden.

Neueinstieg ist möglich. Bitte E-Mail an sozial-und-durstig@hfg-karlsruhe.de.
Starting from a very personal enquiry into problems with the material world in daily life we will understand the problem and seek to solve it. The seminar encourages a hands-on inquisitive approach, experimentation with strategies like alterations and modifications, hacks, and functional models to understand the problem and seek alternatives but won’t shy away from reaching more introspective considerations about the nature of the problem.
In Part I of the Seminar “Sensing into Slowness – Thinking through Cryosphere and Climate" we will focus on the subarctic and arctic, dealing with the interrelations of land use, ecosystem services with a special focus on mining, land use conflicts and climate change; including land use conflicts between the Swedish Samí and the general economy, and the Swedish mining city Kiruna. In Kiruna the largest Iron Ore mine of Europe is located, Iron Ore is one of the main raw materials to make steel.

Die Lehrveranstaltung wird gefördert durch das Mathilde-Planck-Lehrauftragsprogramm. Kurssprachen sind Englisch und Deutsch, nach Absprache mit den Seminarteilnehmenden.
In 2014 the Victoria and Albert Museum in London initiated a new view on collecting design. For its aptly named Rapid Response Collection curator Corinna Gardner was appointed to closely follow news developments from around the world to acquire objects that play a key role in major moments in our recent history. A knitted hat from the Russian girl band Pussy Riot, an improvised gas mask made from a 5L water bottle that was used by protesters in Istanbul and the Liberator, the worlds first working 3D printed handgun, are but a few of the items she added to the collection. According to the V&A museum “each new acquisition raises a different question about economic, political and social change, globalisation, technology and the law.”
However, most of the objects in the Rapid Response Collection are not especially designed by product designers but emerged as immediate reactions to developments in society.
This seminar will focus on further developing and deepening the concepts conceived in the previous semester and their development into physical and digital models.
5 day Workshop, with introductory lecture and preparatory meetings with Chris Kabel and Christophe Guberan, that combines natural matter with CNC techniques to create materials and objects.
What kind of additions to the CNC machines can we think of to rearrange materials like rope, clay, cork, leafs, bamboo strips etc. to create new materials and objects? How can the CNC machine be adjusted so that it can unroll a rope, draw in clay, cast grains of sand, arrange tree leafs or extrude paper pulp? And what new objects and materials can come out of these processes?

Max. 12 participants, selection based on experience and/ or portfolio.
Fast fashion, geplante Obsoleszenz und in Asien hergestellte Billigprodukte führen zu einer Übersättigung unseres Marktes und verkürzen die Produktions- wie auch Lebenszeit der Artikel, mit denen wir uns täglich umgeben und mit denen wir interagieren. Die Beziehung der KonsumentInnen zum Produkt hat sich in den letzten dreißig Jahren verändert. Das "Lieblingsstück", das uns über lange Zeit begleitet, wird seltener. Das Streben danach, stets "das neueste", "das perfekte" Produkt zu kaufen, wird täglich in unsere Köpfe gesetzt und der Müllberg wächst.
Welche Voraussetzungen müssen gegeben sein, damit ein Objekt tatsächlich langlebig wird, ohne seinen Reiz zu verlieren? Damit es vielmehr an Attraktivität gewinnt? Was ist der bessere Weg? Wenn das Produkt einfach zu reparieren ist – oder wenn schon bei der Herstellung der Alterungsprozess antizipiert und in das Design eingearbeitet wird?
Eine Präsentation eigener Arbeiten ist Voraussetzung für den Scheinerwerb.
Programmieren und Probieren mit C, Python, Java, SuperCollider, Max/Msp/Jitter. Aufbauend auf der Vermittlung von Grundlagen der Programmierung werden eigene Projekte entwickelt: Live-Coding, Netzwerk-Konzerte, physikalische und mathematische Grundlagen für Simulation und Analyse in verschiedenen Sprachen. Digitale und analoge Klangerzeugung, Interaktion, visuelle Analyse und Synthese, generiert und programmiert unter verschiedenen Environments der Medieninformatik. Es werden Objekte und Verfahren in Beispielen besprochen und in Übungen und Projekten klangliche, musikalische, visuelle und szenische Anwendungen entwickelt.

Es werden Semesterthemen gewählt.
Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Wir greifen das Thema Netzwerkmusik auf und jammen online. Es werden künstlerische und musikalische Konzepte für ein audiovisuelles Label entwickelt. Schwerpunkte sind performance- und konzertorientierte Events. Jammen – Entwickeln – Performen... In regelmäßigen Abständen sollen gemeinsam eigenes Instrumentarium und Kollaborationskonzepte ausprobiert werden.

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Dieses Seminar richtet sich an Musiker*innen, Forscher*innen, Medienkünstler*innen, Musikinformatiker*innen, Performer*innen, Entwickler*innen, Sound Artists, Identitätssuchende und Multiple Identitäten. Es wird der Frage nachgegangen, wie sich Praktiken im Spannungsfeld von Musik, Kunst und technologischer Entwicklung aus der Perspektive künstlerischer Forschung begreifen lassen. Hierzu werden die verschiedenen Facetten des Diskurses zur künstlerischen Forschung innerhalb der Kunst und der Wissenschaft beleuchtet und daran anknüpfend künstlerische und wissenschaftliche Identitäten anhand ausgewählter Beispiele zueinander in Beziehung gesetzt.
Nach dem Vorlesungsteil werden entsprechende Beispiele in einem Kolloqiumsteil von den Studierenden (MA, Diplom/Vordiplom) in Form von Referaten (HfM, HfG) oder eigenen künstlerischen bzw. musikalischen Arbeiten (HfG) vorgestellt. Diese Veranstaltung wird gemeinsam von der Hochschule für Musik Karlsruhe und der Hochschule für Gestaltung/Karlsruhe durchgeführt.

Nach Absprache mit den Dozierenden können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Okkyung Lee wird in diesem Semester mit uns arbeiten und sich auf Musik und Sound und verwandte Themen wie Performance und Ausstellung konzentrieren.
Okkyung Lee, die in Daejeon, Korea, aufwuchs, zog 1993 nach Boston, wo sie studierte und Abschlüsse sowohl in Komposition und Filmmusik (Berklee College of Music) und Improvisation (New England Conservatory) erhielt. Seit ihrem Umzug im Jahr 2000 nach New York City hat sie mit verschiedensten KünstlerInnen gespielt und Aufnahmen gemacht. Dazu gehören Derek Bailey, Carla Bozulich, Nels Cline, Anthony Coleman, Chris Corsano, Sylvie Courvoisier, Mark Dresser, Fred Frith, Carolos Giffoni, Shelley Hirsch, Lindha Kallerdahl, Andrew Lampert, Paul Lytton, Miya Masaoka, Raz Mesinai, Min Xiao-fen, Thurston Moore, Butch Morris, Larry Ochs, Jim O’Rourke, Beth Orton, Evan Parker, Zeena Parkins, Marina Rosenfeld, Wadada Leo Smith, C. Spencer Yeh und John Zorn.
Lee entwickelte eine eigene Musiksprache, wobei sie auf zeitgenössischen Cellotechniken und profunde Erfahrungen in Improvisation und Komposition aufbauen konnte. Ihre solide klassische Ausbildung als Sprungbrett nutzend verschmilzt sie Jazz, Sounds, traditionelle koreanische Musik und Geräusche und schafft eine einzigartige musikalische Synthese. Lee tritt häufig als Solo-Performerin und mit eigenen Ensembles auf. Außerdem arbeitet sie häufig mit den Gruppen von Pianist/Komponist Vijay Iyer und von Poet und Hip-Hopper Mike Ladd sowie im Duo mit Turntable-/Videokünstler Christian Marclay. Sie ist auf wichtigen Festivals sowohl in Nordamerika (Victoriaville, Portland, San Francisco, Whitney Biennial 2006 „Day for Night“ in New York) als auch in Europa (mœrs festival, Taktlos Festival Zürich/Basel, Biennale Venedig, Kontracom Festival in Salzburg) aufgetreten.
Viele kennen ihn aus ihrer Kindheit den Mythos, Spinat essen sei besonders gesund, weil das Blattgemüse besonders viel Eisen enthält. Popeye, der Spinat essende Trickfilm-Matrose, trug zu diesem Irrtum bei. 1981 wurde der Mythos durch eine Publikation entlarvt, die zeigte, dass die Eisenmessungen in den 1930er Jahren falsch waren und lediglich ein Komma um eine Dezimalstelle verrutscht war.
Text in Bild, Forschung in Schaubild, Audio in Visuell – Transformationen sind die tägliche Arbeit von Grafiker*innen. Anhand verschiedener Übungen werden wir an unterschiedlichen Übersetzungsprozessen arbeiten. Wir versuchen, so klar und präzise zu kommunizieren, dass unsere übermittelten Botschaften eindeutig, fehlerfrei und klar verstanden werden.

Verpflichtend für Studierende im 2. Semester Kommunikationsdesign.
Communication designers are impersonators. We always have been. Historically speaking we are the intermediaries, the ‘go-betweens’. We create ‘voices’ and ‘identities’ for other individuals and organisations. We can’t be held responsible for what they say and do with them. We use old typefaces like costumes. We treat new imaging processes as disguises. We leave the details to corporate software and we trust in the blockchain for authenticity.

But now — suddenly?! — we find ‘voice’ hollowed out and ‘identity’ polarised. Our work is being criticised. Our motivations questioned. How should we react? In this seminar we will consider historical examples of artful impostors, fakers, and hoaxers, alongside the very contemporary communication phenomena of transcreation and superfictions. Through short graphic exercises and project work we will make our own distinctions between sincere and calculated, urgent and destructive.

For this online seminar, Professor Langdon will assume the identity of Scottish author Gilbert Adair (1944–2011, RIP). Please address Professor Langdon as ‘Mr Adair’, or informally ‘Gilbert’, at all times.
This course is an introduction to book design by:
– a vocabulary ("I cannot do a building without building a new repertoire of characters, of stories, of language, and it's all parallel.“ | John Hejduk)
– an annotation ("If you give it a sense, it makes sense“ | April Greiman)
– a workshop ("We hope to make the tools and to use them“ | Muriel Cooper)
– a display ("Ich packe meine Bibliothek aus. Ja. Sie steht also noch nicht auf den Regalen, die leise Langeweile der Ordnung umwittert sie noch nicht.“ | Walter Benjamin)
– a classification ("True wildness is like true gold. It bears the trial of Dewey Decimal“ | Susan Howe)
– a portable document format ("A page’s appearance is described by a PDF content stream, which contains a sequence of graphics objects to be painted on the pages“ | Tim Bienz & Richard Cohn)
– a machine à lire ("You will have happened to sit on very low armchairs (armchairs on which smart ladies never sit), or ones with such deep seats that you touched the back with the nape of your neck“ | Bruno Munari)
– a bookcover ("Oh cunning wreck that told no tale and let no witness in“ | Emily Dickinson)
– a catalogue (" Auch ist gar keine noth, dasz allen alles verständlich, dasz jedem jedes wort erklärt sei, er gehe an dem unverstandnen vorüber und wird es das nächstemal vielleicht fassen“ | Jakob Grimm)

Kurssprachen sind Deutsch und Englisch.
How do you hear your ideas? Where do you find visual form? What is the web of associations that help to inform your practice?
How do we become present in our work? How do we balance listening to ourselves and our audience? How do we translate what matters to us into a vocabulary for communication?
This semester I would like to support you in your journey of getting to know yourselves as designers, with a focus on integrating what all of you *already* got: a unique way of perceiving the world and responding to it. For that, I have collected different kinds of exercises, some are intuitive, some experimental, some methodological. They involve writing, designing and remembering, biting into hot peppers or editorial karaoke. You will be capturing our exercises through design, which we will edit into a collective publication at the end of the seminar.
Annie Goodner, cultural organizer and theory tutor at the graphic design department of ArtEZ/Arnhem, will be joining us with exercises for design research and close looking.

Depending on the seminar participants, the seminar will be held in German or English.
Im Seminar werden literarische Stoffe entwickelt. Ein besonderes Augenmerk gilt dabei Stoffen, die sich für eine audiovisuelle Umsetzung eignen, wie z.B. Drehbücher.
In diesem medientheoretisch fundamentalen Seminar geht es um die Rückbindung von Medientechnologien an ihre Pionierzeit, als die kreative Nutzung der heute alltäglichen Technologien noch fundamental mit ihrer Entstehungsgeschichte verquickt war. Um eine Pionierzeit, in der die breite Öffentlichkeit digitale Avantgardisten wie Jaron Lanier, Warren Robinett, Brenda Laurel, Marvin Minsky oder Timothy Leary noch belächelt hat.
Die Wiederentdeckung der Virtual-Reality-Brille durch die (Gaming-)Industrie wird zum Anlass, die an der HfG traditionell betriebene Archäologie des Expanded Cinema mit einer Archäologie der immersiven Environments und der VR unter dem Namen Mixed Reality Narratives zu vereinen.
Bisher war "Expanded Cinema" eine Archäologie der tschechischen Meister der materiellen Special-Effects – eine Wiederentdeckung von Künstlern wie Josef Svoboda, Raduz Cincera oder Jan Svankmajer, Künstlern zwischen Magier und Kameramann. Diese Wiederentdeckung wird nun um die Reihe der amerikanischen Programmierer, Tüftler und Technik-Propheten erweitert.
In diesem Seminar fügen wir – Corona-bedingt – einem geheimen kulturellen Raum in Karlsruhe eine neue Realität hinzu.
Das Prinzip ‚an/aus‘ oder ‚0 und 1‘ ist die Basis für jede Art von Software, die uns den Alltag erleichtert, das Animieren unbelebter Zeichnungen ermöglicht oder ganze Welten mittels Game Engines erschaffen lässt. Diese Prinzipien wollen wir nutzen, um in einem mobilen Gestus einen neuen kulturellen Raum zu erschaffen: "on the fly“ und "hand held“. Wir werden ausschließlich handgroße LED-Projektoren und tragbare Bluetooth-Lautsprecher und andere tragbare innovative Technologien nutzen, um unsere ortlosen Inhalte in den geheimen kulturellen Raum zu tragen.
Welche Wirkung können wir mit diesen minimalen Mitteln erzeugen? Können wir den Alltag interessanter gestalten, können wir innovative Animationsexperimente oder sogar neue Welten erschaffen? Neben diesen und weiteren Theorien und Phänomenen der Public Space Narratives werden auch Grundlagen der Projektarbeit und -realisierung (Prototyping, Mock-Ups, etc.) vermittelt.
Die HfG wird die erste Kunsthochschule weltweit sein, die einen eigenen Satelliten ins All schießt. Die Information bewegt sich durch den Raum und die Zeit immer in der gleichen Form. Sie bewegt sich in einer Spirale. Computerdisketten und Videobänder, CDs und Festplatten speicherten Information spiralförmig. Unser Satellit wird aus der Trägerrakete katapultiert und innerhalb von drei Monaten spiralförmig Richtung Erdmittelpunkt gezogen, bis er verglüht.
In Kooperation mit AmbaSat schicken wir eine Weltraumsonde in den Orbit und nutzen ihre Signale, um innovative Experimente und datengesteuerte Projekte zu entwickeln. Neben der Programmierung und dem Testing vor dem Lift-Off des Satelliten sowie der Erforschung der Möglichkeiten des neuartigen Interfaces von AmbaSat wollen wir auch den poetischen Aspekt von weltraumdatengesteuerten Kunstprojekten ergründen.
Neben diesen und weiteren Theorien und Phänomenen der Space Narratives werden auch Grundlagen der Projektarbeit und -realisierung (Prototyping, Mock-Ups, etc.) vermittelt.
Game Culture, Game Design, Game Studies. Das Forum Ludorum ist die Austauschplattform des HfG Gamelab für kulturelle und wissenschaftliche Diskurse sowie gestalterische Aspekte zum interaktiven Medium Computerspiel. Gemeinsam analysieren und diskutieren wir über aktuelle Entwicklungen, Debatten, alte und neue Games. Dabei stellen wir gesellschaftliche, historische, intermediale und popkulturelle Bezüge her. Die Themen des Semesters werden gemeinsam ausgewählt. Eigene Themenvorschläge und Vorstellungen von Projekten sind herzlichst willkommen.Das Forum ist als Kernveranstaltung der Seminare "Postdigital Lab – Game, Public, Immersion" zu verstehen und fungiert ergänzend zu ihnen. Das Forum wird vor allem, aber nicht ausschließlich Erstsemestern und Neuankömmlingen empfohlen. KIT-Studierende können im Rahmen des Seminars einen Leistungsschein Fachtheorie im Ergänzungsfach Medienkunst (6 ECTS) erwerben. Die Anforderungen für den Erwerb eines Leistungsscheins sind ein Referat und eine wissenschaftliche Ausarbeitung zu einem selbst gewählten Thema aus dem Bereich Games. Das Seminar ist offen für Studierende alle Fachgruppen. Auch Personen ohne Leistungsscheinbedürfnisse sind herzlich eingeladen, mit uns zu diskutieren, ihre Projekte vorzustellen und Themen vorzustellen.
Das Seminar wird hinsichtlich der Pandemielage weiterhin über den HfG GameLab Discord abgehalten.
Was haben die Filme "Twelve Monkeys", "The 13th Floor" und "The Sixth Sense" gemeinsam? Sie alle gehören zu einem Genre, für das der Begriff Mindfuck geprägt wurde. Sogenannte Mindfuck- (oder Mind-Game- oder Mind-Bender-) Filme zeichnen sich durch eine Twist-Struktur aus, die den Zuschauenden eine unerwartete neue Interpretation der zuvor gezeigten Ereignisse liefert. Das Seminar geht von Filmbeispielen aus und nimmt dann verwandte Computerspiele in den Blick, die ebenfalls auf ein "to mess with your head“ zielen (Johnson 2005). Ausgangspunkte für unsere Diskussionen sind Texte genauso wie Spiele.
"Escape!“ ist die Devise einer Gruppe von Spielen, bei der es in der Regel darum geht, einen Ort, der einen gefangen hält, zu verlassen. Mittel zum Zweck sind Pfiffigkeit (sprich logisches Denken), Findigkeit und Frustrationstoleranz. Das Seminar führt die Überlegungen aus den beiden vorangegangenen Semestern fort und realisiert ein solches Spiel im Technischen Museum der Pforzheimer Schmuck- und Uhrenindustrie.
The role of women in arts and sciences became an essential subject both in research and teaching of the last years. In the meanwhile, the history and current situation regarding female positions in arts is quite well studied and reflected in a context which is usually defined as “Western culture”. Beyond the controversies about the concept of the “West”, one is confronted with a lack of comprehensive information on gender aspects of cultural production in the so-called “global South” and in “post socialist” countries. Precisely this desideratum will be dealt with in the seminar by presenting and discussing significant historical and contemporary female positions in the arts, design and sciences. Starting with the female pioneers of the Soviet Avantgarde and post-revolutionary socialist feminism we will examine key cultural developments in these regions from a gender perspective, which will be embedded in a broader historical, political and social context. We will also invite female guest experts who will present and discuss with us outstanding female artists and intellectuals from their countries and regions.
After having focused in the first part of the course on various interpretations of “Critique” and “Critical” in Philosophy and Social Theory, we will now concentrate on different forms and practices of criticism in contemporary art as well as on tasks and instruments of art criticism. For decades numerous artists understand their artworks as a form of a social, political and cultural criticism and use immanent artistic means to express this. As we know it from Realism, Institutional Critique, Feminist Art and other artistic approaches and movements, an artwork can be a powerful tool of criticism. At the same moment, this understanding of art as a critical practice sets new challenges to art criticism which has to rediscover and re-establish itself, both as an intellectual practice and a field of professional activity.
Dealing with these topics we will read and discuss significant historical and contemporary texts on the role, aims and perspectives of art criticism and art practice and examine various artworks and curatorial projects which can be considered as a form of social and cultural criticism.
Der zweite Teil der (im Wintersemester 2019/2020 gestarteten) Seminarreihe „Ich als Utopie“ springt zurück in die autoritäre Welle der europäischen 1930er und 1940er Jahre. In dieser Zeit der wirtschaftlichen und gesellschaftlichen Krisen, der sozialen Vereinzelung und der Kriege rangen drei Frauen – Hannah Arendt, Simone de Beauvoir und Simone Weil – um eine Stimme, eine Haltung, eine Lebensform: Um ein Ich als Schriftstellerin, als Autorin, als politische Philosophin, als Gewerkschaftsaktivistin, als engagierte Intellektuelle.

Wir werden Artikel, Essays, Aphorismen, Romane und Analysen der drei Autorinnen lesen und sie zum Anlass nehmen für Diskussionen über Freiheit und Unterwerfung, Handeln und Ohnmacht, Aktion und Kontemplation, Identifikation und Assimilation, Herrschaft und Knechtschaft, Macht und Gewalt, Staat und Revolution, Liebe und Vereinzelung, Konformismus und Widerstand. Wir werden außerdem die Positionen der drei Frauen in den Feldern der politischen Philosophie, der philosophischen Phänomenologie, der Moralistik und der Mystik untersuchen.

Die Teilnahme am Seminar setzt nicht die frühere Teilnahme am Teil I voraus.
Seminarsprache ist je nach Bedarf Deutsch oder Englisch.


The second part of the seminar series "The Utopian Self" (launched in the winter semester 2019/2020) jumps back to the authoritarian wave of the European 1930s and 1940s. In this time of economic and social crises, social isolation, and wars, three women – Hannah Arendt, Simone de Beauvoir, and Simone Weil – were struggling for a voice, an attitude, a way of life: for a self as a writer, as an author, as a political philosopher, as a labour activist, as a committed intellectual.

We will read articles, essays, aphorisms, novels and analyses by the three women authors and take them as a starting point to discuss freedom and submission, action and powerlessness, action and contemplation, identification and assimilation, domination and servitude, power and violence, state and revolution, love and isolation, conformism and resistance. We will also examine the three women’s positions in the fields of political philosophy, philosophical phenomenology, moralistics, and mysticism.

Participation in the seminar does not require previous participation in Part I.
Seminar language is German or English, as required.
Human civilization has changed this planet forever, the studies of the Anthropocene remind us. The planetary scale of climate change, environmental pollution, extraction, the emission of greenhouse gases and the last pandemic have also affected the scale of our perspective and political responsibility. They challenge us to reconsider actions such as carbon negative design, changing supply chains or redesigning materials that might not suffice to transform social systems that we live in.
But how do we know an “object” as complex as the planet, as abstract as climate statistics or as invisible as a virus? How do we produce knowledge around these phenomena and a complex paradigm such as the Anthropocene? This course seeks an answer to a simple question of large implications: “How do we know the world?”
The course investigates the role of mediation of technology, design, natural sciences and philosophies of nature in the making of our view of the world. It studies how “nature” has always been a theoretical construction and the projection of technical instruments and collective expectations before being simply a datum. It engages with the growing body of literature on the Anthropocene from the angle of decolonial studies and material epistemologies with authors such as Lorraine Daston, Paul Edwards, TJ Demos, Donna Haraway and Jürgen Renn among others.

Methodologically, the course refuses to separate theory and praxis, knowledge and agency – instead these notions remain intertwined in order to understand how complex knowledge is always generated by doing — by design, machines, labour, tools, measuring devices, material and instrumental acts. Students are invited to conceive projects and interventions that question and breach into the domain of knowledge production and the collective imaginary about the environment and the planet. Students, eventually, are invited to get familiar with disputes, to inhabit controversies as a method of collective knowledge production in itself.
The seminar is an introduction to feminist and decolonial epistemologies of science and technologies. Extending the research of previous semesters the seminar invites students to question how scientific and technological paradigms, including media theory, have been constructed within specific power structures of western culture. Students will be introduced to basic concepts of feminist and decolonial epistemologies, such as: standpoint theory, situated knowledge, cyborg science, modest witness, etc. It will read, among others, authors such as: Silvia Federici, Donna Haraway, Alison Adam, Sandra Harding.
Die einst in den Kunst- und Kulturwissenschaften dominierende Semiotik scheint heute von bildwissenschaftlichen Fragestellungen weitgehend abgelöst. Dass indes ein zeichentheoretisches Instrumentarium durchaus adäquates Mittel sein kann, um historische und gegenwärtige Phänomene des Visuellen zu beschreiben und zu analysieren, soll im Seminar anhand verschiedener Theorien und in Anwendung auf den Stadtraum untersucht werden. Gegenstand ist dabei die zunehmende Semiotisierung des öffentlichen Raumes (durch Plakate, Schilder, Verkehrsregelung etc.) seit dem 19. Jahrhundert mit einem Höhepunkt in den 1960er/1970er Jahren, als "künstlerische Umweltgestaltung“ und "visuelle Kommunikation“ zu wichtigen Betätigungsfeldern von Künstler*innen und Gestalter*innen wurden, als auch Virtualisierungs- und Simulationseffekte der jüngsten Gegenwart. Schließlich soll der Frage nachgegangen werden, wie es zeitgenössischen Künstler*innen und Gestalter*innen gelingt, sich in diesen Raum intelligent "einzuschreiben“, also gleichsam eine Position zwischen "Dekor“ und "Aktionismus“ einzunehmen.
Das Seminar widmet sich einem Extremfall der körperlichen Interaktion mit der Umwelt: Dem Liegen auf der Erde oder dem Boden. Als kontrovers diskutiertes, weil hoch ambivalentes Motiv führte es Edouard Manet mit seinem Bild "Frühstück im Grünen“ in den Malereidiskurs ein. Als eine durch die antike Kunst vermittelte Pose der Nymphen und Flussgötter wurde es über bukolisch-utopische Darstellungen des 18. Jahrhunderts Mitte des 19. Jahrhundert zu einem Sinnbild einer prekären Moderne (Aby Warburg). Bezüge zu nichtsesshaften, prekären Bevölkerungsgruppen wurden von der künstlerischen Boheme bewusst hergestellt. Verletzlichkeit und Ausgrenzung, aber auch Naturverbundenheit und Erdnähe können sich über das Motiv des/der Liegenden vermitteln. Letztere Aspekte nutzte auch die Performancekunst und Body Art der 1960/70er Jahre (Orlan, Export, Mendieta u.a) als subversiven Kontext für sich aus. Heute stellt sich die Frage, wie bestimmte präformierte Bilder des Liegens, teils positiv, teils negativ konnotiert, reale soziale Ein- und Ausgrenzung mitbestimmen, als Formen der Interaktion, Distinktion oder Vermittlung funktionieren können und sich erneut in bildlichen Normierungen niederschlagen. Ein Teil des Seminars findet, sollte dies möglich sein, im öffentlichen Raum statt. Geplant ist eine Zusammenarbeit mit dem Projekt "im Grünen; zentral, offen, alt“, das vom Kunstpavillon München im Juli/August 2021 veranstaltet wird.
Wenn in Deutschland Baustellen ausgehoben werden, dann findet man vor allem eines: Fliegerbomben aus dem Zweiten Weltkrieg. In diesem Seminar geht es um Bomben und Tretmienen, Ruinen und Fundstücke. Untief unter dem Asphalt unserer Straßen liegende Weltkriegs-Überreste mögen uns noch lange heimsuchen (es wird derzeit von etwa 100.000 unentdeckten Blindgängern ausgegangen). Doch liegt im Verdrängten, Unentschärften, Uneingelösten auch ein explosives epistemisches Potential: Es vermag herrschende Narrative (Gesellschaftsmodelle und Identitätskonzepte) aufzubrechen und alternative Geschichten zu erzählen. Genauso aber kann eine typisch ‚sublime‘ Ruinen-Ästhetik als Hollywood-Spektakel auch den kulturellen Status Quo verfestigen.
"Remnants“ nimmt ausgewählte Positionen der Kunst seit 1990 zum Ausgangspunkt, die mit ihren pseudo-/wissenschaftlichen Arbeitsweisen den Weg für das bereitet haben, was in jüngster Zeit als ‚Artistic Research‘ disziplinär neu verankert wird: Kunst adaptiert Verfahren der Feldforschung und Dokumentation, der Archäologie und Forensik – und konterkariert diese mitunter zugleich. Spurensuche wird zum Road Trip, wird zur Odyssee…

Seminarraum:
https://bbb.hfg-karlsruhe.de/b/kat-uug-auc

Lektüre englischer Texte.
Im Seminar werden grundlegende Prinzipien und Techniken des Recherchierens, Konzipierens und Verfassens wissenschaftlicher Arbeiten vermittelt. Inhaltliche Struktur wissenschaftlicher Arbeiten, stilistische Konventionen, Argumentationsprinzipien, Zitierweisen sowie die Arbeit mit Quellen werden anhand konkreter Beispiele dargestellt und erklärt. Das primäre Ziel der Veranstaltung ist, Studierende aller Fächer der HfG für die künftige selbständige Forschungsarbeit und für das Verfassen von Haus-, Diplom- und Magisterarbeiten im Rahmen des Studiums vorzubereiten.
Capitalocene, Plantationocene, Technopocene, Chthulucene oder Anthropocene? Wie wir unsere gegenwärtige Epoche bezeichnen, ist Ausdruck der vielfältigen Verhältnisse, in denen wir zu Mitmenschen und unseren Umwelten stehen.
Nicht nur in der Geologie, sondern auch auf Ebene philosophischer und theoretischer Auseinandersetzung bis hin zu kuratorischen und künstlerischen Praktiken ist der Begriff Anthropozän als konzeptuelle Fassung der ökologischen Krise in der letzten Dekade intensiv verhandelt worden. Die menschliche Geschichte ist zur Erdgeschichte geworden. Schon seit dem Ende der 80er Jahre waren die verehrenden Auswirkungen menschlicher Tätigkeit auf "Umwelten“ wie der globale Temperaturanstieg und das Insektensterben bekannt oder zumindest abzusehen. Welche Rolle spielt der Begriff Anthropozän in der Popularisierung dieser Themen vor allem in der Theorie und Kunst? Wie veränderte er den Diskurs? Wie wird der Mensch darin verstanden? Und führt ein neues Verständnis des Menschen in der Welt zu einer neuen Politik?
In dem Lektüreseminar widmen wir uns im ersten Teil der Genealogie des Begriffes "Anthropozän“ und seinen Kritiken und Substituten aus postkolonialer, feministischer, antikapitalistischer Perspektive. Dafür greifen wir auf Texte/Interviews/Lectures von Paul Crutzen, Jan Zalasiewicz, Dipesh Chakrabarty, Jason W. Moore, Andreas Malm, Claire Colebrook, Anna Tsing und Kathryn Yussuf zurück. Im zweiten Teil des Seminars verschieben wir den Fokus und Fragen nach dem menschlichen Weltverhältnis, das durch die Diskussion um das Anthropozän implizit und explizit beschrieben und verhandelt wird. Dafür beziehen wir uns auf die beiden Philosoph*innen Donna Haraway ("Staying with the Trouble") und Bruno Latour ("Kampf um Gaia", "Das terrestrische Manifest"), die an einem Entwurf für ein neues Verhältnis zur Welt unter dem radikalen Einbezug von nichtmenschlichen Entitäten arbeiten.
Im Rahmen dieses Seminars bietet sich ein Besuch der Critical Zones Ausstellung (ZKM) an sowie eine Verbindung zu dem nächsten Termin des Anthropocene Curriculums "water politics“ (Kontakt: Matteo Pasquinelli) in Venedig im Oktober diesen Jahres.
Das Seminar ist offen für Studierende aller Fachgruppen. Es sieht sich als Vertiefung der im letzten Semester angebotenen Veranstaltungen "Climate Change“ (Pfanz/MK) und "Fossil Capitalism“ (Pinto/ KuPhi). Der Besuch dieser beiden Seminare ist keine Voraussetzung für die Teilnahme.
Das Seminar zeichnet die Topografie der Performance Kunst der ehemaligen DDR nach – mit den Vermessungspunkten Dresden, Berlin (insbes. auch Prenzlauer Berg), Karl-Marx-Stadt und Leipzig. Untersucht werden sowohl künstlerische Positionen der ‚live art‘ und ihre Verbindungen zur Fotografie, Theater, Videokunst, Grafik und Musik im Osten Deutschlands, als auch das sie umspannende Netzwerk, welches Kunstakademien (bes. Hochschule für Bildende Künste Dresden und Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig), Galerien (wie z.B. Galerie Arkade, rot-grün Sredzkistr. 64, oder Eigen + Art) und Ausstellungsräume (wie bspw. Obergrabenpresse) umfasst. Im Fokus stehen Gruppen wie Die Lücke, Clara Mosch, Autoperforationsartisten, aber auch künstlerische Positionen wie die von Cornelia Schleime, Lutz Dammbeck und Fine Kwiatkowsky. Materialien werden aus wissenschaftlichen Publikationen, Künstler:innen-Archiven, den Archiven des BStU (Stasi-Archiv) und direkt über die im Fokus stehenden Akteur:innen bezogen und gemeinsam ausgewertet.
Das Seminar ist explizit in Workshop-Format angelegt und richtet sich an Studierende aller Fachbereiche. Ein "Leistungsschein Kunstwissenschaft“ kann durch eine Hausarbeit erworben werden. Die Teilnahme erfordert Recherche- und Textarbeiten.
Seit sich Bild, Schrift und Zahl ausdifferenziert haben, stehen grafische Symbolisierungsformen in einer Wechselbeziehung miteinander. In Diagramm, Karte oder Liste können sie sich überlagern. Der Buchdruck hat dieses Verhältnis rationalisiert, der Siegeszug optischer Medien die Verselbständigung visueller Darstellungen in Atlas, Album oder Katalog befördert. Dieser mediale Wandel lässt sich auch an den Bezeichnungen ablesen, die von der ‚Figur‘ oder ‚Darstellung‘ bis zur dienstbaren Abbildung und von der Illumination zur Illustration reichen, die besonders im 19. Jahrhundert Erhellung und Wissenszuwachs verspricht. Das Seminar soll einen historischen Überblick über diese Oszillationen der Bild- und Mediengeschichte und die mit ihr verbundenen Diskurse bieten. Material und Literatur wird soweit möglich elektronisch bereitgestellt.

Kurssprache ist Deutsch. Presentations can be given in English (notably in view of literature).
"Die Bildung der 5 Sinne ist eine Arbeit der ganzen bisherigen Weltgeschichte.“ (Marx)
Bildung ist hier nicht nur als Ausbildung bestimmter Eigenschaften und Fähigkeiten zu verstehen, sondern als historischer Prozess, der Aneignungen, diskursive Auf- und Abwertungen sowie (gesellschafts-)technische Transformationen impliziert.
Ein besonderer Stellenwert kommt dabei im westlichen Diskurs dem Auge zu. Nicht nur wurden die Weisen des Sehens durch die technische Entwicklung von Darstellungsmethoden und optischer Apparaturen geprägt (Crary). Das Auge blickt auf eine lange Tradition der Priorisierung seines Sinns zurück, die u.a. auf die Verbreitung des Buchdrucks, die Philosophie der Aufklärung (enlightenment) und die ästhetische Sublimierung visueller Wahrnehmung zurückgeht. Gerade im 20. Jahrhunert entwickelten sich dagegen diskursive und künstlerische Ansätze, um das Auge von seinem lang beanspruchten Sockel zu stoßen (Bataille) und Politiken optischer Subjektivierung zu problematisieren (Foucault).
Das Seminar widmet sich der diskursiven und ästhetischen Geschichte des Auges – als ein betrachtendes, kontemplierendes, beobachtendes, überwachendes – sowie in weniger vorhersehbaren Rollen.
Das Theorieseminar widmet sich dem Studium und der Diskussion einschlägiger raumtheoretischer Texte von Henri Lefebvre bis Michael Foucault, von Hannah Arendt bis Gilles Deleuze. Raum wird dabei als eine grundlegende Kategorie der Inszenierung verstanden. Inwiefern lässt sich Raum nicht als gegebene Materie, sondern zuallererst als soziales Konstrukt begreifen? Welche politischen und künstlerischen Implikationen lassen sich damit verbinden? Welche ästhetischen Strategien werden angesichts nach öffentlich und privat unterschiedener Räume, überwachter Räume, gentrifizierter Räume, augéscher Un-Orte denkbar?
Das Seminar findet zweisprachig auf Deutsch und Englisch statt. Die regelmäßige Teilnahme sowie konzentrierte Lektüre der Seminartexte sind vorausgesetzt.

The theory seminar is dedicated to the study and discussion of relevant texts on spatial theory from Henri Lefebvre to Michael Foucault, from Hannah Arendt to Gilles Deleuze. Space will be dealt with as a fundamental category of staging. To what extent can space be understood not as given matter but first and foremost as a social construct? What political and artistic implications can be connected with this? What aesthetic strategies are conceivable in the face of publicly and privately differentiated spaces, monitored spaces, gentrified spaces, un-places?
The seminar is bilingual in German and English. Regular participation and focussed reading of the seminar texts are required.
Beginning, absence/presence, fiction/reality, document, biography, political art, ... So many concepts and notions that we use and deal with on a daily basis and in our artistic practice. Some belong to artistic jargon, others only in a contingent way. Some seem to belong primarily to politics.
By presenting some of the Lebanese contemporary artists’ works, as materials for study and analysis that will open up critical discussions and thinking, this course proposes to deconstruct the official definitions of these notions which are shaping our world, to point out their political significance and to problematize them.
The seminar will be given in two parts: the first, in April, will be essentially theoretical and reflective; the second part, in June, will be dedicated to the preparation and implementation of a practical project.
The practical work will be individual or collective, focusing on the relationship between the personal and the common; how, by different means of appropriation and interference, to rediscover our share of responsibility in History; how, playing on identity and otherness, to make the uncanny familiar, and the familiar, uncanny.
According to Walter Benjamin each moment of the past could become a citation à I'ordre du jour. We will try to work from this perspective, to challenge it, to challenge ourselves.
Die Fruchthalle ist im Umbau. Institutionen wie die Städtische Galerie Rastatt verändern sich ständig, spätestens jedoch mit einem Leitungswechsel. In der Fruchthalle steht nun gleich einiges an: neben der kuratorischen und programmatischen Neuausrichtung durch den Leiter Sebastian Schmitt auch bauliche Veränderungen und die damit verbundene Wiedereröffnung im Februar 2022. Sebastian Schmitt lädt ein, diesen Prozess zu begleiten und mit ihm über potentielle räumliche Strukturen nachzudenken. Dabei könnten die bestehende Ausstellungsarchitektur verändert und neue Präsentationsformate entwickelt werden. Außerdem könnten Interventionen in der Galerie oder dem städtischen Raum stattfinden.
Dazu werden wir uns die Geschichte der Städtischen Galerien sowie die Sammlung der Fruchthalle und deren Schwerpunkte anschauen. Zudem untersuchen wir die kulturpolitschen Zusammenhänge der Institution mit der Stadtgesellschaft: Wo sind die Akteur*innen? Wer die Besucher*innen? Wie werden Provinzialität und Regionalität zum Potenzial?

Der Entwurfsphase im Sommersemster 2021 folgt im Wintersemester 2021/2022 eine konkrete Umsetzungsphase, welche die Mitarbeit an der Planung der Szenografie und am kuratorischen Konzept für die Ausstellung zur Wiedereröffnung der Fruchthalle im Februar 2022 ermöglicht.
Der Medientheoretiker Lev Manovich hat im Jahre 2004 eine "Poetik des erweiterten Raumes“ gefordert, die sich aus den Möglichkeiten virtueller Welten ergäbe – und die unter den Bedingungen umfassender Online-Lehre und Online-Kommunikation eine unerwartete Wendung erfährt. In einer interdisziplinären Veranstaltung wollen wir untersuchen, wie die Überbrückung von physischer und virtueller Welt, die stets zu den Verheißungen des Digitalen gehörte, auf andere, nichtbinäre Weisen konzipiert werden kann. Insbesondere wollen wir Phänomenen der technisch abgespaltenen, körperlichen Wahrnehmung nachgehen, die sich aus simulativen und immersiven Techniken ergibt. Hierfür nehmen wir die Dysfunktionalitäten virtueller Räume zum Ausgangspunkt, die auf unterschiedliche Weise die Porosität und Materialität von Daten-Räumen sichtbar machen: Signalverluste (Glitches, Blackouts), Delays, Echos, Artefakte, raumzeitliche Sprünge. Von hier ausgehend wollen wir in verschiedenen Richtungen untersuchen, wie diese Phänomene gestalterisch und theoretisch weitergedacht werden können.

Da eine teambasierte Erstellung experimenteller Anordnungen vorgesehen ist, richtet sich das Seminar an fortgeschrittene Studierende mit theoretischen und gestalterischen Vorerfahrungen. Teil des Seminars ist ein Workshop mit Franziska Ritter und Pablo Dornhege (https:// digital.dthg.de/aktuell/) zu Möglichkeiten der Verbindung von physischen und virtuellen Räumen unter Anwendung von Mozilla Hubs.
Die Munitionsfabrik war einst die größte Waffenfabrik der Welt. Ihre Geschichte ist tief in die Architektur des Gebäudes der HfG eingeschrieben und kontaminiert den Ort. An welchen Stellen wird die Vergangenheit sichtbar und erlebbar? Welchen Einfluss hat sie auf die heutige Nutzung des Gebäudes? Künstlerische Positionen und dokumentarische Recherchen, die in den letzten Jahren an der HfG entstanden sind, bilden den Ausgangspunkt für die Auseinandersetzung mit unserem Hochschulgebäude.

Parallel zur inhaltlichen Recherche werden Konzepte für eine Ausstellung zur Munitionsfabrik entwickelt, die im kommenden Semester realisiert werden soll.
Vom 03.07. bis zum 08.08. wird die deutsch-französische Wanderausstellung "Frugalité Créative – Weniger ist genug“ an der HfG gastieren. Sie beschäftigt sich mit der Nachhaltigkeit und Suffizienz in der Architektur und fordert einen ressourcenschonenden Umgang mit unserer Umwelt.
Künstlerische und gestalterische Positionen und Projekte an der HfG, die sich mit nachhaltigen Ideen und Gestaltungen befassen und das Themenfeld erweitern, werden aufgerufen, an der Ausstellung teilzunehmen. Zum Semesterstart wird es dazu einen hochschulweiten Open Call geben. Neben dem Seminar von Viviane Stappmanns "How to need less – an Investigative Design Project“, bietet Doris Dziersk den Workshop "Material“ an, deren Ergebnisse ebenfalls in die Ausstellung einfließen können. In diesem Seminar geht es darum, die bestehende Ausstellung mit den Positionen und Arbeiten der Hochschule zu verknüpfen, Ausstellungskonzepte zu entwickeln und umzusetzen.
Seit zwei Semestern sind Zusammenarbeit und Austausch von Lehrenden und Studierenden in den Werkstätten und Studios der HfG stark eingeschränkt. Ziel des Open Campus ist es, im Außenbereich der HfG einen Ort an der frischen Luft zu schaffen, der das individuelle und kollektive Arbeiten, Lernen und Begegnen ermöglicht.
Die Aneignung des Raumes, die phasenweise Entwicklung des Open Campus, das Konzept und das Raumprogramm sowie situative Interventionen und Möblierungen werden kollektiv entwickelt, erprobt und 1:1 realisiert.
Das Seminar findet vor Ort in vorbereitenden Seminareinheiten und zwei intensiven Bauworkshops statt.
Die Auflösung einer Szene oder eines beobachteten Geschehens in Kameraeinstellungen 
ist das Fundament jeder filmischen Erzählung. Wir werden uns zwei Wochen lang intensiv mit 
Auflösung beschäftigen.
Dies beinhaltet die Beschäftigung mit der konventionellen Auflösung ebenso wie mit ungewöhnlichen Lösungen. Den verschiedenen Positionen werden wir nachspüren durch Analyse verschiedenster Filmbeispiele. Kleine Übungen (Storyboard/Floorplan) eröffnen die Möglichkeit, eigene kreative, adäquate Auflösungen für ausgesuchte kurze Szenen/Aufgaben zu finden und sich darin zu üben, rein in der Vorstellung filmisch zu denken. Zur Bereicherung der gedanklichen Auseinandersetzung wird ein kurzer historischer Abriss über die Entwicklung der Filmsprache mit besonderem Augenmerk auf die Debatte der Nouvelle Vague vorgestellt: Mise-en-Scène versus Montage / André Bazin (Schneiden verboten!) sowie Jean-Luc Godard (Schnitt, meine schöne Sorge!).
In der zweiten Woche wird der Schwerpunkt auf der Betrachtung von subjektiven Perspektiven liegen. Wie machen wir durch die Auflösung das innere Erleben einer Figur für den Zuschauer erfahrbar? Auch hier werden facettenreiche Beispiele vorgestellt. Den Studiereden wird die Aufgabe gestellt, für eine längere Szene eine Auflösung zu entwickeln. Nach der Auswertung der entstandenen Arbeiten (als schriftlich fixierte Auflösung/Storyboard/Floorplan) werden wir anschließend diverse Verfilmungen derselben Vorlage aus der gesamten Filmgeschichte anschauen. Die unterschiedlichen Ansätze werden auf ihre Wirkung hin verglichen.
Das Seminar findet nur im Präsenzformat statt. Es wird ausdrücklich darauf hingewiesen, dass das Seminar keine Dreharbeiten beinhaltet.
 Eine kontinuierliche Anwesenheit ist erwünscht.

Ute Freund ist Bildgestalterin und hat bereits im Wintersemester 2019/2020 mit Serpil Turhan ein praktisches Seminar mit dem Titel "Mittel der Bildgestaltung – Von der Idee zur filmischen Erzählung “ veranstaltet. Ihre Filmographie umfasst Projekte mit einer großen Bandbreite inhaltlicher, gestalterischer und technischer Art, von Arbeiten für Videokünstler*innen über klassische Kinofilme, gedreht auf 35mm und digital, experimentelle und essayistische Dokumentarfilme bis hin zu Werbeclips. Ute Freund lehrte viele Jahre an der filmArche in Berlin.

Anmeldung an Sebastian Schönfeld (sschoenfeld@hfg-karlsruhe.de).
Der Dokumentarfilm / Nonfictionfilm ließ sich noch nie als monolithisches Genre beschreiben. Der "Wahrheitsanspruch“ des Dokumentarfilms, die "Errettung der äußeren Wirklichkeit“ wird oftmals mit seinem indexikalischen Status begründet. Die gegenseitige Beeinflussung fiktionaler und dokumentarischer Darstellungsweisen und die technologischen Entwicklungen bringen eine Ausdifferenzierung und Ausweitung sowohl des illusionistischen wie des selbstreflexiven und performativen Potentials mit sich. Der Dokumentarfilm gibt sich oft als performativer Akt, in dem Konstruktion und Künstlichkeit des Nonfictionfilms anerkannt und thematisiert werden. Die Verhältnisse Bild, Welt und Dokument gruppieren sich also ständig neu, Kontrolle und Kontingenz greifen ineinander. Mit dem Nicht-Fiktionalen eröffnen sich in besonderem Maße Spiel- und Streiträume der Auseinandersetzung um ethische Fragen, Otherings, Viktimisierungen, Bilderbeuten und Wahrheitsbehauptungen.
Das Seminar erkundet spezifische Ausformungen des Dokumentarischen in der Filmgeschichte und in der neueren (Kunst)Film/Videoproduktion, insbesondere das Inszenierte am Dokumentarischen und das Dokumentarische im Inszenierten. Bei der Untersuchung der Filme als ästhetischer Erzeugnisse geht es darum, eigene Strategien der künstlerischen Produktion auszuhandeln und entwickeln. Außerdem werden die Subjektpositionen und Haltungen der Filmemachenden zu den von ihnen Dargestellten wie auch mögliche ethische und rechtliche Fragen diskutiert.
Eine kontinuierliche Anwesenheit ist erwünscht. Die Teilnehmendenzahl begrenzt auf 12 Studierende.

Madeleine Bernstorff ist Kulturproduzentin, Filmkuratorin, Autorin und Lehrende. Sie lebt in Berlin, macht Filmprogramme oft in Kollaborationen, lehrt und schreibt zu Film.
 Madeleine Bernstorff ist Kommissionsmitglied der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen.

Anmeldung an Sebastian Schönfeld (sschoenfeld@hfg-karlsruhe.de).
Seit dem Frühjahr 2020 finden aufgrund der Pandemie viele internationale Filmfestivals online statt.
 Wie bereits in den letzten beiden Online-Semestern nutzen wir diese Gelegenheit und werden Filme der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen online sehen.
Das 1954 gegründete Filmfest ist eines der wichtigsten internationalen Kurzfilmfestivals und besteht aus mehreren Filmreihen. Es ist bekannt für seine umfangreichen thematischen Programme zusätzlich zu den internationalen, deutschen, Kinder- und Jugendfilm- sowie Musikvideo-Wettbewerben und zeigt eine besondere genreübergreifende Auswahl von innovativ arbeitenden Filmemacher*innen.
Wir werden uns auf die gesamte Filmreihe der internationalen Sektion konzentrieren. Nach den Online-Screenings werden wir die Filme in drei Arbeitsblöcken gemeinsam besprechen und auf die unterschiedlichen filmischen Herangehensweisen und Formen fokussieren. Die Teilnehmer*innen des Seminars haben die Aufgabe, über eine Auswahl der gesehenen Filme zu schreiben. Über Filme zu schreiben schärft das Bewusstsein und den eigenen Blick. Es ist Bestandteil der Ausbildung Medienkunst / Film.
Eine kontinuierliche Anwesenheit ist erwünscht. Für die Erstellung einer Hausarbeit kann ein Leistungsschein Fachtheorie Medienkunst vergeben werden.

Anmeldung bis zum 20.04. an Sebastian Schönfeld (sschoenfeld@hfg-karlsruhe.de).
Neunzig Jahre nach der Entstehung von Vertovs Klassiker "Der Mann mit der Kamera" hat sich in der Produktion, Rezeption und Auswertung des Bewegtbildes viel verändert. Während die Wirkmächtigkeit des Kameraauges von der KINOKI Gruppe noch hervorgehoben wurde, gehört maschinen-basiertes Sehen zum heutigen Alltag und prägt unsere visuelle Kultur.
Wie verhalten wir uns zu den Bildern Vertovs und ist es möglich, diese in die Gegenwart zu transferieren? Das filmische Porträt des sowjetischen Alltags versammelt diverse Thematiken u.a. zu Industrie, Lohnarbeit, Freizeit, Gender und Filmproduktion. Im Seminar sind die Teilnehmenden eingeladen, ihren eigenen Schwerpunkt zum Film “Der Mann mit der Kamera” zu setzen und ein einzelnes oder gemeinsames kurzes Filmprojekt zu realisieren.

Ninety years after Vertov's classic "Man with a Movie Camera" was made, much has changed in the production, reception and analysis of the moving image. While the significance of the camera eye was still emphasized by the KINOKI group, machine-based vision is now part of everyday life and shapes our visual culture.
How do we relate to Vertov's images and is it possible to transfer them into the present? The cinematic portrait of Soviet everyday life assembles various themes, including industry, wage labor, leisure, gender and film production. In the seminar, participants are invited to set their own focus on the film "Man with a Movie Camera" and to realize an individual or collaborative short film project.

Limited number of participants. Registration until 16.04. via E-Mail.
Künstlerische Forschung und Ausstellungsprojekt

“RAF, NSU und IS sind Akronyme terroristischer Gruppen, deren extremistische Propaganda und politische Gewalt die Bildenden Künste zu entschiedenen Reaktionen herausfordern. Die Ausstellung eröffnet deshalb eine hochaktuelle künstlerische Perspektive auf die Geschichte und politische Ikonografie des modernen Terrorismus. Erstmals werden in drei Sektionen vergleichend die Effekte des sozialrevolutionären, des rechtsextremen und des dschihadistischen Terrorismus auf die visuelle Kultur untersucht.” (Sebastian Baden, Kurator "Mind Bombs", Kunsthalle Mannheim)

Künstler*innen der Ausstellung sind Hiba Al Ansari (SYR), Joseph Beuys (D), Kader Attia (FR), Chloé Galibert & Kevin B. Lee (FR / DE), Susanne Kriemann (D), Almut Linde (D), Paula Markert (D), Olaf Metzel (D), Henrike Naumann (D), Thomas Ruff (D), Ivana Spinelli (IT), Hito Steyerl (D), TROIA (D, Olaf Arndt u. Janneke Schönenbach) und viele andere…

In der Arbeitsgruppe entwickeln wir neue Arbeiten, die Teil der Ausstellung in der Kunsthalle Mannheim sind. Unsere Bezüge zu den Themen der Ausstellung sind geprägt von einer diskursiven Auseinandersetzung mit den oben beschriebenen Themen sowie medienkritisch angelegt.

Das Seminar ist eine Fortsetzung des Seminars "Brick by Brick" aus den vorhergehenden Semestern. Leider ist kein Neueinstieg möglich.

Das Projekt wird unterstützt durch den Innovationsfonds für Kunst des Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.
In diesem Seminar werden wir die Arbeiten der New Topographics Bewegung, die ihren Ursprung in den 1960ern im Westen der Vereinigten Staaten hatte, besprechen und mit aktuellen Positionen vergleichen. Anhand meines Künstlerbuches "Analog Algorithm – Landscapes of Machine Learning“ sprechen wir über zeitgenössische künstlerische Recherche, Forschung und Zusammenarbeit mit anderen Disziplinen. Wir diskutieren die Entwicklung von der "Manifest Destiny“ in der Konstruktion der amerikanischen Landschaft bis zur aktuellen Theorie des Überwachungskapitalismus und stellen internationale künstlerische Positionen dazu vor.
Im Seminar können eigene Projektideen und künstlerische Ansätze zu dem Thema vorgestellt, besprochen und weiterentwickelt werden.
Was bedeuten Geschlechtergerechtigkeit und Diversität für eine Institution wie die HfG heute? Das im Regierungsprogramm verankerte Gender Mainstreaming (seit 1999) und das Allgemeine Gleichbehandlungsgesetz (AGG, 2006) sieht vor, dass Institutionen, Unternehmen und Projekte ihre Arbeit diskriminierungsfrei organisieren und Chancengleichheit sowie Gleichbehandlung fördern. In diesem Seminar widmen wir uns dem Themenkomplex speziell in Bezug auf die Institution (Kunst-)Hochschule. Gemeinsam erarbeiten wir uns die begrifflichen/theoretischen Grundlagen (wie Gender Mainstreaming, Intersektionalität, strukturelle Diskriminierung, Repräsentationskritik) und diskutieren Methoden, Konzepte und praxisbezogene Projekte, die sich u.a. mit der Rolle der Sprache (wie werden durch Wortwahl und Sprechstil Wirklichkeiten geschaffen?), gendersensibler Pädagogik oder auch der Idee des Verbündet-Seins (Allyship) auseinandersetzen. Ein Beispiel ist das Feld der Social Justice Theorien, innerhalb dessen Methoden zugunsten von Partizipation, Inklusion und Empowerment gegen strukturelle Diskriminierung entwickelt werden. In einem weiteren Schritt erörtern wir, welche Handlungsspielräume wir haben, diese Methoden in der Praxis anzuwenden, sprich wie diese in die eigene künstlerische, wissenschaftliche und hochschulpolitische Arbeit überführt werden können.
In diesem Seminar erforschen wir Zusammenhänge zwischen Material und Dokument, zwischen fotografisch-konzeptuellem Handeln und dem Dokumentarischen in der Fotografie. Im Sommersemester tauchen wir in das Element Wasserstoff ein. Hydrogen, ein chemisches Element mit dem Symbol H, das häufigste chemische Element des Universums. Wir lesen von “grünem Wasserstoff” und Wasserstoff-Aktien, es gibt hier verschiedenste Ansatzpunkte, um die Praxis der künstlerischen Forschung kennen zu lernen. Wie setzen wir Bezüge zu Wissen, Gesellschaft und künstlerischem Arbeiten? Die Arbeitsgruppe beschäftigt sich auch weiter mit dem Prinzip der Commons als Handlungsraum. Ein essentieller Teil des Seminars ist, sehen zu lernen, inwieweit Fotografie mit Erdzeit und Biosphäre verknüpft ist.
Das Seminar lebt von der verbindlichen Beteiligung der Studierenden.
Mit dem Seminar nehmen wir an dem Forschungsprojekt "Der ökologische Fußabdruck der Fotografie“ (kuratiert von Esther Ruelfs, Frühjahr 2022) des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg teil.

Teil dieses Seminars ist ein Sommer-RETREAT auf dem Land vom 01.-05.07.
Lautsprecher sind in unserer Kultur nicht mehr wegzudenken, haben einen ähnlichen Stellenwert wie etwa Autos, Telefon, Internet und arbeiten oft unbemerkt im Hintergrund. Ohne Lautsprecher kann die moderne Gesellschaft nicht funktionieren, wäre die Kunst um ein wichtiges "Material" ärmer. In vielen Bereichen wird angestrebt, Musik so original wie möglich zu reproduzieren. Die Filmindustrie versucht dies z. B. durch Normen wie THX. Wie gut ist Reproduzieren überhaupt möglich, welche Rolle spielt der Raum, wo liegen die Grenzen? In Hörsitzungen werden wir sehr alte bis neue "Referenzlautsprecher" der Industrie mit verschiedenen eigenen Entwicklungen vergleichen. Elektronik und Software werden uns dabei helfen. Es werden Aufbau, Funktionsweisen, Standards, Gehäuse, Designs, Qualitätsunterschiede, verschiedene Entwicklungen von Lautsprechern besprochen und getestet. Welche Lautsprecher sind für welche Situation, welche Installation am besten geeignet? Es können eigene Lautsprecherboxen zum Beispiel für Kunstinstallationen entwickelt und gebaut werden. Produktdesigner*innen können das Design von Lautsprechergehäusen entwerfen, wir finden das passende "Lautsprecherchassi“, den Kompromiss zwischen Funktion und Design. Wir werden einiges zu "HÖREN" bekommen, High End" in der Werbung überwinden, die "KETTE" von der Aufnahme bis zum Wiedergabe-Raum besprechen, Digital-ungleich-Digital erfahren, MP3-ungleich-Analog erleben.

ACHTUNG:
Aufgrund der Einschränkungen wegen "Corona" ist die Teilnehmendenzahl begrenzt. Es können sich terminliche Veränderungen ergeben. Das Lautsprecherseminar wird jedoch im laufe des Semesters wiederholt, sobald die Corona Situation dies erlaubt, und per E-Mail angekündigt.
Ergänzungen, Vertiefungen, Besprechungen, Scheinausgabe, usw. für ALLE Studierenden, auch aus dem ersten Semester, momentan nur zu Einzelterminen nach Absprache.
Visual communication is increasingly based on digital and time-based narratives. As a result, our visual culture has become faster, more multilayered and intertwined. In this liquefied world, meanings of graphic elements, type, signs and symbols are more rapid thus more evidently in flux. On the other hand, in order to be “readable” and to “function”, simplified and clear representations are to be used in communication design. These forms of expression are in addition limited by technical constraints.
On the basis of this contradiction, a fictional character – a collective movement, a chat bot, a figure of historical interest, an online workshop, a public elibrary, a spam factory, a troll farm – will be postulated, adopted or further elaborated during this seminar. Though this fictional persona, awareness and questions can be addressed that arise for you in our complex world, shaped by the digital and characterised by multiple processes of empowerment.
What is the agenda of your persona? How is your persona and the complexities associated with it represented? What references shape your persona’s visual identity? And finally, how can this be expressed in the binary, the static moment, in the obligatory two-color of ink and paper, the physical of a print? Or is that only possible in the fluid RGB spectrum today?
During the seminar we will look at different and contrary approaches to image making / identity / visual language in modernity and today. Craftspersonship and technical realisation defines the visual language of your personas, so this is also a topic of the seminar.
Die Bilder gingen um die Welt: Anfang dieses Jahres stürmen Trump-Anhänger das Kapitol. Innerhalb Stunden ist das Internet voll mit Bildern von Menschen, die sich in den symbolgeladenen Räumen fotografieren. Der Zweck dieser Bilder sind die Bilder selber: Es geht ausschließlich um die Dokumentation. Dies zeigt sich insbesondere auf den Fotos und Videos, die Menschen zeigen, wie sie ratlos im Kapitol herumstehen, da gar nicht so klar ist, was sie hier eigentlich tun wollen. Außer eben: dokumentieren, dass sie hier sind.
Ob bei politischen, gesellschaftlichen oder kulturellen Events oder auch solchen, die ausschließlich digital stattfinden: Die Dokumentation bestimmt die Rezeption. Wir nehmen die Welt über den Filter der bewussten Vermittlung wahr. Dabei trägt jedoch die Form dieser Dokumentation sehr viel zum eigentlichen Inhalt bei. Wir fokussieren uns im Seminar darauf, welche zusätzlichen Inhalte bewusst – oder, spannender – unbewusst über solche Dokumentationen verbreitet werden und untersuchen, wie diese im Verhältnis zu den eigentlichen Fakten stehen.
Wir beschäftigen uns mit unterschiedlichen Methoden der Recherche, schauen uns journalistische Techniken wie das «Fact checking» oder die «Open Source Intelligence» an und erarbeiten im Umgang mit dem öffentlich verfügbaren Material im Internet eine Dokumentation einer Dokumentation. Die Resultate unserer Recherchen fassen wir in einer gemeinsamen Publikation zusammen.
Welcome to the world of charts, bestseller lists and movie ratings; the indexes for world happiness, gender equality and military funding; the ECTS-rankings, football tables and social scoring systems!
Rankings are everywhere today. From music, literature and sports, to social, political and economic phenomena. At a first glance, this makes perfectly sense, since rankings seem to provide badly needed orientation in a time when enormous waves of information are flooding our brains. However, by helping us to make decisions faster and easier, rankings also reduce the complexity of the world to digestible numerical orders. Thereby they support the contemporary logic of quantifying and optimizing everything on the base of a simplified numbers game.
In the seminar Ranking Mania we want to challenge today’s ubiquity of rankings through editorial design. Each student will choose one type of ranking and juxtapose it with the hidden, vivid and confusing stories that are usually not allowed to exist in-between its rigorous lines and crystal-clear hierarchies. Rankings will be contextualized and more complex stories will be told by combining them with archival photographs, associative imagery, news reports or literature. These newly formed narratives are presented in small printed publications or on interactive websites (you can choose!).
On our way we will deconstruct, subvert, criticize and make fun of our contemporary ranking obsession. But we will also learn about the craft of editorial design, which includes typography, layout, image treatment and composition, grids and sequencing.

The seminar will be held in German and English.
Funtains offers the opportunity to design and animate robot fountains as kinetic sculptures with a 3D animation software (Maya + Mimic).
The fountain is a complex object that has had different functions throughout history. After having been the place of hygiene and social care, it became a purely decorative ornament. For a long time, fountains served as public places. All social categories met at the fountain to quench their thirst, wash their clothes or do their dishes while discussing the news of the world. However, the arrival of running water in homes at the beginning of the 20th century led to the privatisation of previously collective activities (drawing water, washing clothes, etc.). By losing its utilitarian character, the fountain became a monument in its own right, for decoration or entertainment. Majestic fountains, for recreational and aesthetic purposes, appeared during the Renaissance, and continue today with water shows.
Today, the public fountain, also called the drinking fountain, has regained its utilitarian and social character with a renewed relationship of proximity in the city: offering drinking water to all, and thus avoiding the use of plastic bottles. The fountain has also been given a new role in terms of hygiene with the pandemic of COVID19 , which may merit design research.
Over the course of the semester you will investigate the relationship between the movement of the robot and the nature of the water jet by designing and animating your own fountain.
The format of this class is developed for students interested in sound, video and/or drawing particularly focussing on the experimental and interconnected usage of those elements.
In my professional practice I experiment mainly with sound, video and two-dimensional objects creating site specific settings that englobe the spectator as a part of the work. Starting from this idea of interconnection and interdependency between different elements, the core activity of this course will consist in combining brainstorming and research methods with a diversified practice using mixed techniques and media. The students will be able to investigate various analysis options to widen the artistic research using methods like upside-down encounters or random browsing.
The goal is to gather new perspectives for individual research practice and basic knowledge in sound, video and drawing.
Das Seminar analysiert, diskutiert und imaginiert Möglichkeiten und Grenzen des Kuratierens innerhalb und jenseits öffentlicher institutioneller sowie kommerzieller Strukturen. Dabei geht es gleichermaßen um praktische, künstlerische, gesellschaftliche und ethische Perspektiven.

Das Seminar wendet sich im Kern folgenden Fragen zu:
Was bedeutet Kuratieren und was ist die Rolle von Kurator*innen in Bezug auf Künstler*innen, Institutionen, Öffentlichkeiten und den Kunstbetrieb?
Welche Ausstellungsinstitutionen und -formate gibt es?
Wie entsteht eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst von der Konzeption über die Finanzierung bis zur Umsetzung und Vermittlungsarbeit?
Welche Formen des Umgangs mit räumlichen Bedingungen und Sehgewohnheiten sind denkbar?
Wie könnten kollektive kuratorische Arbeitsweisen aussehen?
Wie lassen sich transhistorische, transdisziplinäre und/oder transkulturelle Ansätze umsetzen?
Welche Hierarchien, Machtstrukturen und Änderungspotentiale lassen sich innerhalb des Kunstbetriebs beschreiben?
Wie notwendig ist Diversifizierung und Dekolonialisierung im Bereich kuratorischer und institutioneller Praktiken?

Die einführenden Vorlesungen geben einen Überblick über die bestehenden heterogenen Praktiken, Diskurse und Netzwerke des Kuratierens, wie sie insbesondere seit den 1990er-Jahren entstanden sind. Dabei geht es weniger um eine abschließende Definition, sondern vielmehr um eine gedankliche Öffnung hinsichtlich der Möglichkeiten und Grenzen des Kuratierens.
Sie bilden die Grundlage einer mehrtägigen Blockveranstaltung, bei der eigene Ansätze, Perspektiven und Modelle des Kuratierens entwickelt werden sollen.
Im Seminar befassen wir uns mit der filmischen Annäherung an einen konkreten Ort in Karlsruhe. Es werden unterschiedliche Herangehensweisen und Bildpraxen einer Reihe von Filmen, die Analysen eines Ortes thematisieren, untersucht und diskutiert.
Wie kann man die Geschichte eines Ortes erzählen? Wie können verschiedene, auch widersprüchliche Perspektiven auf und Informationen über einen Ort produktiv gemacht werden? Wie fließen die Rechercheprozesse konzeptionell in die Filmarbeit ein? Wie können Transformationen von Orten sichtbar gemacht werden? Welche filmischen Mittel gibt es?
Die Studierenden haben die Aufgabe, eine Film-Miniatur über einen vorgegebenen Ort zu drehen. Die Film-Übung wird von den beiden Fachgruppen Medienkunst/Film und Szenografie veranstaltet und richtet sich an Studierende im Orientierungsjahr. Flankiert wird das Seminar von Einführungskursen zu den Themen "Kamera und Montage" von Charlotte Eifler sowie "Recording und Audiopostproduktion" von Lorenz Schwarz.
Das Seminar findet in Arbeitsblöcken, Gruppen und Einzelgesprächen statt. Die Film-Miniaturen sollen zu Beginn des Wintersemesters 2021/2022 fertig gestellt sein und aufgeführt werden. Eine kontinuierliche Anwesenheit wird erwünscht. Die Teilnehmendenzahl ist auf 12 Studierende begrenzt.

Anmeldung an Sebastian Schönfeld.
Unser Fachbereichsmagazin "Materialien zu Ausstellungsdesign und Szenografie“ versteht sich als ein Ausstellungsort in Heftform, in dem Materialsammlungen und Texte präsentiert und zur Diskussion gestellt werden. Das Seminar ist ein offener Redaktionsprozess und baut auf den selbstständigen Beiträgen der beteiligten Studierenden auf. Die redaktionelle, gestalterische und kuratorische Erarbeitung eines Heftes umfasst Bild- und Textrecherchen, die Diskussion und Einordnung derselben in den aktuellen Diskurs um Ausstellungsdesign und Szenografie, die Kommunikation mit Gästen und Zulieferern, das Schreiben eines Editorials und anderer Texte, Lektorat und Gestaltung. Im Sommersemester 2021 arbeiten wir an den drei aktuellen Ausgaben weiter ("PARK“, "Werner Ruhnau“, "Die-in“). Das MAS-Seminar ist eine Kollaboration der Fachgruppen Ausstellungsdesign/Szenografie und Kommunikationsdesign.

Our departmental magazine "Materials on Exhibition Design and Scenography" sees itself as an exhibition venue in booklet form, in which collections of materials and texts are presented and put up for discussion. It is an open editorial process and builds on independent contributions from participating students. The editorial, design and curatorial development of a magazine includes image and text research, discussion and classification of the same in the current discourse on exhibition design and scenography, communication with guests and suppliers, writing an editorial and other texts, editing and design. Working on a magazine takes 1-2 semesters. In Summer Semester 2021, we will continue working on the three issues started in Winter Semester 2020/2021 ("PARK", "Werner Ruhnau", "Die-in"). The MAS seminar is a collaboration between the departments Exhibitions Design / Scenography and Communication Design.

Seminar in deutscher und englischer Sprache.
Auf der Suche nach verschiedenen Strategien räumlicher Praktiken, die als dynamisches, körperlich und sozial engagiertes Ereignis erfahren werden können, initiieren wir ein kollaboratives Format, um (im) Raum zu denken und ihn gemeinsam zu produzieren.
In einem experimentellen und interaktiven Umfeld, das ein klassisches akademisches Konferenzmodell in einen offenen Raum der Begegnung transformieren will, wird die HfG zu einer temporären Agora. Das Publikum wird zu aktiven Teilnehmer*innen; die klaren Grenzen zwischen Sprechen, Zuhören, Handeln und Denken werden verschoben, um Zwischenzustände als potentielle Zonen des Gemeinsamen freizulegen. Die performative Struktur der Veranstaltung ist mehr als nur eine Reihe von Keynotes und Fragen, wie Kollektive in den Bereichen Architektur, Szenografie, Design, bildende Kunst und Film Räume bauen und gestalten. Wir generieren und teilen Wissen, indem Spekulationen mit gemeinsamen Praktiken wie Gehen, Kochen, Bewegen, Bauen, Sprechen oder Essen verflochten werden. Diese Wege der Vielfalt und Kollektivität sind ein Vorschlag (und eine Einladung) zu diskutieren, wie wir soziale Veränderungen artikulieren können, indem wir uns über die Art und Weise, wie Räume entworfen, geteilt und gestaltet werden, verständigen.

Konzeption, Organisation und Szenografie zur Vorbereitung der dreitägigen Workshop-Konferenz "Collective Spatial Practices“ zum Anwendungsfeld von Ausstellungsdesign und Szenografie vom 25. bis zum 27. Juni.

Teilnehmer*innen: Weiterführung des Seminars vom Wintersemester 2020/2021
"Other Forms of Conviviality" ist der Titel eines 2013 in "Women & Performance" veröffentlichten Essays der Künstlerinnen Park McArthur und Constantina Zavitsanos, das die Erfahrung von Care-Arbeit jenseits der Kommodifizierung zum Ausgangspunkt nimmt, um über alternative Beziehungen und Bedingungen der Intimität, Freundschaft und (wechselseitiger) Abhängigkeit nachzudenken. In dem Lektüreseminar werden wir gemeinsam eine Vielzahl von Texten lesen und besprechen, die an herrschaftskritische und antiautoritäre Kämpfe anknüpfen und die das Soziale und Private als politisch verstehen, beispielsweise von Kathy Acker, Bini Adamczak, Donna Haraway, Saidiya Hartman, bell hooks oder Audre Lorde. Wir werden uns mit verschiedenen Ideen und Erfahrungen von Freundschaft und Gastfreundschaft, von Solidarität und Allianzschließung, von Bündnispolitiken und der gegenseitigen Emanzipierung und Schaffung von Gegenöffentlichkeiten beschäftigen, die immer auch mit dem emanzipativen Potential von Konzepten und Gruppierungen wie Affidamento, Care, Kinship, oder Mutual Aid in Verbindung stehen.

Das Seminar dient zugleich der Vorbereitung für das Symposium und den Workshop "A Commonplace is Not a Cliché: Perspektiven auf Freund*innenschaft und Infrastrukturelle Intimitäten”, das im Rahmen der ersten Biennale für Freiburg (BfF) am 9. und 10. Juli stattfinden wird.
In dem interdisziplinären Blockseminar "Kunst, Protest und Aktivismus" werden wir uns theoretisch und praktisch mit Kunst, Protest und künstlerischem Aktivismus beschäftigen und die Themengebiete Fotografie, Performance Art, Tanz, Sound Art, Filmische Dokumentation und Entwicklung von Ausstellungen durchwandern sowie die Geschichte der Proteste der Frauenbewegungen aus internationaler Perspektive studieren.
Thema des Seminars ist zudem die praktische Umsetzung künstlerischer Events (Beantragung von Fördergeldern, Budgetierung, Konzeptionierung). Als Beispiel dient hier u.a. unser Projekt Embrace.
Embrace startet im Oktober 2021 im Badischen Kunstverein Karlsruhe. Als Teil des Seminars soll hierfür ein gemeinsamer Ausstellungsbeitrag entstehen. Embrace ist eine mobile Plattform für interdisziplinären kulturellen und künstlerischen Austausch. Embrace setzt sich für die geschlechtliche Gleichberechtigung und die Normalisierung von nicht-binären Geschlechteridentitäten in Deutschland, Polen und Europa ein.

The interdisciplinary seminar "Art, Protest and Activism" looks at histories and practices of protests and activism through the lense of photography, performance art, dance, sound art and lens based documentation. Furthermore we will be studying global aesthetics of protests, the history of the women's rights movements from an international perspective and provide practical insights into the conceptualisation and realisation of art events.

Das Angebot findet statt im Rahmen von "Artrepreneurs / Gründungskultur“ und wird gefördert vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

Kurssprache ist Deutsch oder Englisch, abhängig von den Teilnehmenden.
Fortgeschrittene Praktiken in MAX, DER Programmiersprache für alle Multimedianwendungen: Audio, Video, Arduino-Synthese, Analyse-Sensoren, Aktoren...

Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Anmeldung bis 25.05. an Lorenz Schwarz.
Eine Einführung in DIE Programmiersprache für alle Multimedianwendungen: Audio, Video, Arduino-Synthese, Analyse-Sensoren, Aktoren... Max, also known as Max/MSP/Jitter, is a visual programming language for music and multimedia developed and maintained by San Francisco-based software company Cycling '74. Over its more than thirty-year history, it has been used by composers, performers, software designers, researchers, and artists to create recordings, performances, and installations.

Anmeldung bis 03.05. an Lorenz Schwarz.
Wearables – Embedded Instruments – Musical Interface Design – Sound Art – Interactive Installation

Interaction with digital and analog sound for performance.
Human-machine relationship.
Alternative forms of musical performance with novel interfaces.
Music through gestures and other bodily or facial movements.
Sensing-based interfaces.
Generating sounds through mechanical, computer controlled sensory devices.
Embedded acoustic instruments.
Multimodal interaction.

Anmeldung bis 05.06. an Lorenz Schwarz.
Im Seminar werden wir gegenwärtige politisch-philosophische Lesarten der Exodus-Figur mit Filmen zeitgenössischer afrikanischer Regisseur*innen in einen Dialog bringen. Die biblische Figur des "Exodus" steht für eine widerständige Praxis des Auszugs, des Weggangs und des Nicht-Anerkennens einer herrschaftsseitig gesetzten Souveränität. Ihre gegenwärtigen säkularisierten Aktualisierungen richten sich darauf, ein postsouveränes Verständnis des Politischen zu akzentuieren: ein Verständnis, das mit (Narrativen, Traditionen, Weltanschauungen) einer Herrschaft durch Unterwerfung, Angst und Grenzziehungen bricht.
Wir werden im Seminar der Frage nachgehen, wie sich in den filmischen Darstellungsstrategien von Widerstand gegen souveräne Politik(en) eine solche postsouveräne Auffassung des Politischen ausdrückt. Dabei wollen wir in unseren Diskussionen drei Themenbereiche erkunden: "Exodus und Narration", "Exodus und Migration" sowie "Exodus und Hoffnung".

Das Seminar wird als Blockseminar online (BigBlueButton) starten, aber wenn möglich und gewünscht in Sitzungen vor Ort münden. Die Film- und Textauswahl besprechen wir im Vorbereitungstreffen, in dem wir bei Bedarf auch die Seminarzeiten nachjustieren können.
Performative, ortsspezifische, medienbasierte oder kollektive Praktiken stellen traditionelle Bewahrungskonventionen vor neue Herausforderungen. Statt der Sicherung des Materials geht es vielmehr um Formate zur Weitergabe von Konzepten oder die Überlieferung von Prozessen. Was passiert etwa mit Handlungswissen, das durch das Raster bestehender Normen fällt? Welche alternativen Methoden und Modelle der Erhaltung werden diskutiert und entstehen aktuell, um die vielfältigen Szenen und Praxen außerhalb der bestehenden öffentlichen Museen, Archive und Bibliotheken langfristig zu sichern? Und was sind die Konsequenzen einer Dezentralität von Wissensproduktion für dessen Zugänglichkeit? Nach einem Überblick über die aktuellen theoretischen Umbrüche der zeitgenössischen Erhaltung von Kunst und Kulturgut findet das Seminar praxisnah und eng verknüpft mit dem Projekt "Networks of Care“ in der nGbK Berlin sowie im Rahmen der Exkursion nach Berlin im Austausch mit Akteur*innen der Initiative "Urbane Praxis“ statt. Begleitend dazu geht es im Seminar auch um die Befragung und Reflexion von Erhaltungsmethoden der jeweils eigenen Praxis der Teilnehmenden.

Dr. Anna Schäffler forscht zu Praktiken und Prozessen des zeitgenössischen Erhaltens an der Schnittstelle von Kunstgeschichte, Restaurierung und Kuratieren.

Der zweite Teil des Seminars besteht aus einer Exkursion nach Berlin (s. "Urbane Praxis“ zwischen Transformation und Erhaltung).
Im Rahmen des Projekt-Seminars “Mind Bombs” werden Sebastian Baden, Larissa-Diana Fuhrmann und Susanne Kriemann Workshops geben. Diese werden individuell anhand der Themen der Studierenden konzipiert und dienen dem Entwickeln der künstlerischen Arbeiten und des erweiterten Ausstellungskonzeptes.

Das Seminar ist eine Fortsetzung des Seminars "Brick by Brick" aus den vorhergehenden Semestern. Leider ist kein Neueinstieg möglich.
A visit to well-known experiments with video art films and installations, prompting a debate on this medium's past, present and future. We can wonder, is video dead?
"When artists first started to engage with the volatile and ephemeral forces of video technology, they were grappling with phenomena that seemed to undermine human concepts of control, design, and memory – a technical corollary to avant-garde ideas of undoing authorial mastery and entering new media reality." (Ina Blom, "The Autobiography of Video", 2016)
The discussion will have Prof. Michael Bielicky as a guest.

Depending on the Corona-Situation, physical presence classes will be announced.
A talk on the experience of autobiographical or first-person documentaries, discussing the self-life narration. When doesn an individual's self-representation become an interest field for the "wider audience"?
Rebecca Hirneise has worked in documentary and feature film, but also in the experimental field of moving images. She studied Media Art at the Karlsruhe University of Arts and Design and Directing and Screenwriting at the Film Academy Vienna. Besides her own projects, she is working with the austrian director Ruth Beckermann on new documentary film projects.
The documentary film "Funkstille" speaks about the inner life of a Methodist family in southern Germany from the perspective of their Vienna-based relative Rebecca Hirneise. She documents her and her family's struggle of discussing with each other about faith and religion and tries to understand the views of the aunts and uncles without avoiding conflicts. The film tells of various strict interpretations of the Bible and follows critically and with wonder the power with which religion can affect a family.

Depending on the Corona-Situation, physical presence classes will be announced.
Starting from Max Viktor Herbert's Film "Behind the Scenes of War", we will analyse "War Images" published online, representing the perspectives of soldiers, journalists and civilians. We will examine how we relate to these new platforms of engagement.
Max Viktor Herbert, born 1992 in Tübingen, Germany, studied Media Art at the University of Arts and Design Karlsruhe and the Central Academy of Fine Arts Beijing. He is an artist and filmmaker, working both in documentary film and video art.
For the seminar, Max Viktor Herbert will show his diploma film "Behind the Scenes of War"(AT) and talk about the process of making it. Co-Creator Marie Falke will join the discussion.
Together with Prof. João Tabarra, we will discuss how and why Max Victor Herbert chose the images for his film. From there we will investigate the process of selecting images for films and installations and the differences of working with archive footage or own material.
On April 22, Prof. João Tabarra will give the talk "Visually Framing the Conflict", sharing his personal experiences as a war reporter and photography editor.
Following that, we will also watch "Combat Obscura", a film by Miles Lagoze, a former videographer for the US Marines.

Depending on the Corona-Situation, physical presence classes will be announced.
Das Seminar verhandelt den Ausstellungsraum als zeitgenössischen Möglichkeitsraum für die Dekonstruktion und Transformation hegemonialer Wissensformationen. Während der erste Teil im Sommersemester 2020 Kunsträume auf ihr gesellschaftliches Handlungspotential hin beleuchtet hat, widmet sich der zweite Teil im Sommersemester 2021 der kritischen Analyse von historisch und aktuell wirkmächtigen Institutionen und ihren Techniken der Machtausübung. Untersucht werden künstlerische und kuratorische Strategien, welche die Dynamiken der herrschenden (neo)kolonialen und (neo)liberalen Ordnung, die materiellen und institutionellen Verkörperungen wie auch die immateriellen Aufführungen von Biomacht und Nekropolitik verhandeln, unterwandern oder direkt in diese eingreifen. Im Vordergrund stehen dabei Praktiken, die eine ständige Neubewertung der kontrollierenden und disziplinierenden, normierenden und ausgrenzenden Gewalt einfordern, die von (Kunst)Institutionen und auch von Visualisierungspraktiken fortgeführt oder konstruiert werden.
Das Seminar bietet zudem einen intensiven Einblick in die kuratorische Praxis im Kontext der dreiteiligen Ausstellungsreihe "Actually, the Dead Are Not Dead" am Württembergischen Kunstverein in Stuttgart.
Eine Kooperation zwischen HfG Karlsruhe und Vitra Design Museum // A collaborative project between HfG Karlsruhe and the Vitra Design Museum

Wie wird eigentlich Designgeschichte geschrieben? Das Seminar "Beyond the Canon“ geht dieser Frage nach. In Zusammenarbeit mit dem Vitra Design Museum und setzen sich Studierende mit Designsammlungen und den Entstehungsprinzipien des Designkanons auseinander. Im Rahmen ihrer eigenen, kritische Analyse entwickeln die Studierenden neue, alternative Perspektiven und Herangehensweisen. Der Kanon des Designs wird theoretisch ergründet und analysiert, aber durch verschiedene gestalterische und kuratorische Aufgaben auch praktisch untersucht. Ein besonderer Fokus soll hierbei auf Designerinnen liegen. Diese Ergebnisse werden zum Ende des Seminars in ein gemeinsames Ausstellungsprojekt am Vitra Design Museum überführt. Ebenso vermittelt das Seminar – auch durch zahlreiche Gastdozenten und -dozentinnen – Einblicke in kuratorische Praxis und Strategien und lädt Studierende und Dozierende aus allen Fachbereichen zur Zusammenarbeit ein.

How is design history actually written? The seminar "Beyond the Canon" explores this question. In cooperation with the Vitra Design Museum, students examine design collections and the principles of the design canon. Within the framework of their own critical analysis, the students develop new, alternative perspectives and approaches. The canon of design will be theoretically explored and analysed, but also practically examined through various design and curatorial tasks. A special focus will be on female designers. At the end of the seminar, these results will be transferred into a joint exhibition project at the Vitra Design Museum. The seminar also provides insights into curatorial practice and strategies - also through numerous guest lecturers - and invites students and lecturers from all disciplines to collaborate.

Kurssprachen sind Deutsch und Englisch.
Genügsamkeit, Sparsamkeit, Frugalität – in vielen Lebensbereichen entstehen neue Bewegungen und Aktionsgruppen, die sich mit einem kreativen, lustvollen Verzicht auseinandersetzen und diesen praktizieren. Die Ausstellung "Weniger ist genug“, die ab 03.07. auch an der HfG Karlsruhe zu sehen sein wird, plädiert für eine radikale Veränderung in der Architektur.
Im begleitenden Seminar "How to need less“ setzen sich Studierende durch eigene, investigative Rechercheprojekte mit dem Konzept der Sparsamkeit im Design auseinander. Was bedeutet Sparsamkeit? Wie begegnen Unternehmen und Designer diesem Thema? Wie sieht eine genügsame Materialwirtschaft aus und woraus bestehen diese Materialien? Um diese Fragen zu ergründen, soll Sparsamkeit auch im Umgang mit dem Internet praktiziert werden. Einzeln oder in kleinen Gruppen werden Studierende ermutigt, aktive Feldforschung – auf der Straße, im Austausch mit Designer*innen, bei Besuchen von Produktionsstätten – zu betreiben und so ihre investigativen Recherchefähigkeiten zu trainieren. So werden die Methoden der Recherche in Kunst und Design, Kunst und Architektur erprobt und es wird eine ganz persönliche Herangehensweise entwickelt. In der Dokumentation der Recherchen und ihrer Ergebnisse sind die unterschiedlichsten Ausdrucksweisen, von Materialtypologien bis zu filmischer Dokumentation, denkbar und sollen in Zusammenarbeit mit allen Fachgruppen der HfG entstehen. Die Ergebnisse des Seminars werden als Teil der Ausstellung "Weniger ist genug“ präsentiert.

Frugality, thriftiness, simplicity - in many areas of life, new movements and action groups explore and practice creative, pleasurable renunciation. The exhibition " Frugalité créative", which will be on display at the HfG Karlsruhe from July 3, pleads for a radical change in architecture.
In the seminar "How to need less," students explore the concept of frugality in design through their own investigative research projects. What does frugality mean? How do practicing companies and designers approach this issue? What are frugal materials made of? To explore these questions, frugality will also be practiced in the use of the Internet. Individually or in small groups, students will be encouraged to conduct active field research - on the street, interacting with designers, visiting production sites – to practice their investigative research skills. In this way, students engage with the methods of research in art and design, art and architecture and develop their own personal approach. In documenting this research and its results, the most diverse forms of expression – from material typologies to cinematic documentation – are possible and are to be created in collaboration with all of the HfG's specialist groups. The results of the seminar will be presented as part of the exhibition 
"Frugalité créative".

Kurssprachen sind Deutsch und Englisch.
Das Seminar bietet einen Überblick über die wichtigsten Etappen der Geschichte des Spielfilms. Deutscher Expressionismus, sowjetische Filmavantgarde, Surrealismus, italienischer Neorealismus, französische Nouvelle Vague, Neuer Deutscher Film sowie Klassiker des Genre- und Autorenkinos werden im Seminar anhand charakteristischer Filmbeispiele präsentiert und besprochen. Der historische Kontext, die Produktionsbedingungen und die kulturtheoretische Reflexion der gezeigten Filme spielen im Kurs eine ebenso wichtige Rolle wie die Analyse der Filmsprache und der eingesetzten Stillmittel. Der Film als zentrale Kunstform des 20. Jahrhunderts wird hier in der gesamten Komplexität seiner kulturellen, ästhetischen, politischen und ökonomischen Zusammenhänge dargestellt und diskutiert.
Das Seminar richtet sich in erster Linie an Studienanfänger*innen und ist zugleich offen für Studierende aus den höheren Semestern.
Kunstwerke haben im Laufe der Jahrhunderte viele Funktionsansprüche erfüllen müssen, Ihre ästhetische Autonomie konnte die Kunst erst vor etwa zweihundert Jahren mit der Entwicklung der Museen beanspruchen.
In der Auseinandersetzung mit der religiösen, der politischen, der ästhetischen und der abbildenden Funktion von Kunstwerken wird deutlich, dass die Grenzen zwischen angewandter und freier Kunst fließend sind. Die wesentliche Aufgabe beispielsweise eines mittelalterlichen Altarbildes oder eines absolutistischen Herrscherportraits lag in der visuellen Kommunikation religiöser und politischer Inhalte. Diese waren für das Publikum – unabhängig vom "Kunstgehalt“ – auf der Basis von tradierten Symbolen, Typen und Gattungen ablesbar. Wie aber lässt sich die entsprechende Ikonografie entschlüsseln? Welche visuellen Kommunikationsstrategien liegen ihr zu Grunde? Handelt es sich bei einer Druckgrafik Albrecht Dürers zum Bauernkrieg um ein Kunstwerk oder um ein politisches Flugblatt?
Mit Louis Sullivans Credo "form follows function“ (1896), William Morris' "Arts and Crafts“-Bewegung oder der Ausdehnung des Jugendstils auf Kunst, Architektur und Gebrauchsgegenstände werden die Differenzierung zwischen Kunst und Alltagsgestaltung aufgehoben. Mit der Entgrenzung der Kunst in das Leben, wie es Sonja Delaunay-Terk, de Stijl oder der russische Konstruktivismus im frühen 20. Jahrhundert forderte, wird schließlich das "Ende der Kunst“ beschworen und die Gestaltung des Lebens und damit auch das Design als neue Kunstform gefeiert. Hannah Höch wiederum gestaltet aus Alltagsmedien Kollagen und Marcel Duchamp erklärt trivial-funktionale Industrieprodukte wie einen Flaschentrockner zur Kunst. Beuys sieht schließlich in der sozialen Plastik eine Möglichkeit, die Gesellschaft selbst zu gestalten, und im Artivismus des 21. Jahrhunderts werden politisch motivierte Aktionen als Kunstwerk verstanden.
In der Auseinandersetzung mit exemplarischen Werken versuchen wir, verschiedenen Fragen im Kontext von Kunst, Gestaltung und Funktion auf den Grund zu gehen und die Notwendigkeit eines sich über die Jahrhunderte wandelnden und erweiterten Kunstbegriffes zwischen angewandter und freier Kunst zu verstehen.

Der Kurs beginnt online. Ggf. findet er später als Kontaktunterricht im Format des Blockseminars statt.
Ein Wort sagt mehr als tausend Bilder, ein Bild zeigt mehr als tausend Worte – theoretische Arbeit beruht in weiten Teilen auf den Möglichkeiten der verbalen Logik und Begriffsbildung, auf Sprache und Schrift, Argumentation und Rhetorik, die wiederum auf vielfältige Weise mit Bildern zusammenhängen, als Muster oder Motiv, Metapher oder Meme. Da das Studium der HfG die konsequente Verbindung von Theorie und Praxis vorsieht, soll die Übung die Arbeit am Wort mit der Arbeit am Bild verbinden und Grundlagen der konzeptionellen Arbeit behandeln. In der ersten Sitzung wird hierzu ein ausgewählter Schlüsselbegriff vorgeschlagen, der als Grundlage gemeinsamer Recherchen und Diskussionen dient und schrittweise bestimmt wird. Die Übung soll das neu eingeführte Orientierungsjahr-Programm ergänzen, das einen Überblick über die Fächer der HfG bietet. Der Ablauf wird an die räumlichen Möglichkeiten angepasst.

Kurssprache ist Deutsch. Depending on size and composition we will switch between languages.
Im Sommersemester setzen wir unseren Kurs zu Grundlagen des Storytelling und der Dramaturgie in unterschiedlichen künstlerischen Formen und Medien fort. Anhand von historischen und zeitgenössischen Beispielen aus der bildenden und darstellenden Kunst, aus Film und Theater werden wir diverse Methoden und Techniken des Erzählens sowie einschlägige dramaturgische Ansätze analysieren. In diesem Semester konzentrieren wir uns vor allem auf Kleinformen und Sonderformate wie Kurzfilm, Videoessay, audiovisuelle Formate in sozialen Medien etc. Weitere Themen des Seminars sind dramaturgische Aspekte von Ausstellungen und Installationen sowie die räumliche Umsetzung von partizipatorischen und prozesshaften künstlerischen Praktiken. Die Teilnehmer*innen können im Lauf des Semesters individuelle oder kollektive künstlerische Projekte entwickeln, in denen sie Inhalte des Seminars reflektieren.
Der Kurs ist Teil des Programms des Orientierungsjahrs.

In the summer semester we continue our course on basic principles of storytelling and dramaturgy in different artistic forms, media, genres and categories. Combining both historical and contemporary examples from visual and performing arts as well as from film and theatre we will analyse various methods, techniques and approaches to constructing narratives and creating time-based and spatial forms and structures of aesthetic experience. This semester we will in particular concentrate on small forms such as short film, video essay, mini-formats on the Internet and in social media etc. Other essential topics will be dramaturgic aspects of exhibitions and installations as well as spatial articulation of participatory and process-based artistic practices. During the semester participants are expected to develop their own artistic projects, which would reflect the content and subject matters of the seminar.
The course is a part of the Orientation Year Program.

The Gamelab will continue to provide a Cinema 4d workshop for this semester. We will look at rendering, as well as lighting and camera setting techniques. Students who want to show furniture design, scenography and interior designs in a virtual space are also welcome. There is no previous basic knowledge needed. The course will be based in English. It would be great if you all have an educational version of cinema4D.

In this workshop we consider what it means to treat data as a material. We will work with the idea of ultra-personalization: make a thing with data that makes data for the next iteration of the thing.

In diesem Werkstattkurs werden folgende Tätigkeiten vorgestellt und geübt: Zurichten von elektronischen Bauteilen, Einlöten von elektronischen Bauteilen auf Leiterplatten, Entflechtung von Leiterplatten.

Anmeldung erforderlich. Max. 2 Personen pro Termin.
In den letzten Jahren hat der Einsatz des Weichlotes immer mehr an Bedeutung gewonnen. Keine Verbindungstechnik ist hinsichtlich mechanischer Festigkeit und dauerhafter Leitfähigkeit geeigneter. Erklärt werden Lötgeräte, Flussmittel und Lot. Mit praktischer Übung.

Anmeldung erforderlich. Max. 2 Personen pro Termin.
Im Kurs wird der gesamte Modellbaubereich mit seinen Möglichkeiten und Regularien vorgestellt. Es erfolgt eine Unterweisung in die Unfallverhütungsvorschriften mit praktischen Übungen an Ständerbohrmaschine, Bandsäge und Schleifmaschinen. Im Vordergrund steht das sichere und fachgerechte Arbeiten an Maschinen und die richtige Wahl von Werkzeugen und Messen mit dem Messschieber.
Bei diesem Kurs erwerben die Studierenden die Berechtigung, in der Modellbauwerkstatt an den unterwiesenen Maschinen zu arbeiten.

Max. Teilnehmendenzahl: 5 Personen
Dieser Einführungskurs findet regelmäßig zu Beginn eines Semesters statt sowie zusätzlich nach Absprache ab 3 Personen.
Anmeldung unter sschmitt@hfg-karlsruhe.de
Das Seminar widmet sich fachübergreifend der Einführung in sensorisch performative Arbeitsmethoden: Methoden, die auf Erfahrung basieren und unerwartete Ausdrucksmöglichkeiten suchen. Ausgehend von unseren Körpern und Sinnen experimentieren wir mit unserer Wahrnehmung und beobachten, was geschieht, wenn wir unsere Aufmerksamkeit verschieben. Es geht darum, eine Reihe von simplen Vorgängen zu erproben und in ihrer Simplizität als transformierend und performativ zu erfahren, wie etwa: auf etwas warten; mit etwas sein; etwas verdichten; nachspüren. Wir widmen uns dabei verschiedenen Medien und Materialien – von Raum und Objekt zu Bild und Text – und versuchen uns auch in eigenen performativen Umsetzungen.
Dazu greifen wir auf verschiedene Methoden zurück wie die Erfahrbare Anatomie, das Automatische Schreiben sowie choreografische Werkzeuge und ziehen außerdem theoretische Texte und Praxisbeispiele heran. Hierfür ist keine Vorerfahrung in Performance oder Bewegung nötig, bloß Neugier auf unerwartete Wendungen, unbekannt Bekanntes und einfache Überraschungen.

Das Seminar ist eine Weiterentwicklung des Materialrecherche-Seminars aus dem Wintersemester 2020/2021. Die Teilnahme am vorherigen Seminar ist keine Bedingung.

Bitte unbedingt unter Angabe des Studiengangs und der Semesteranzahl anmelden.
Women and people of colour tend to be absent from dominant narratives of design and science. "Across the annals of architecture and design, men often take the glory and colonise the glossary of history. Think of a great, historic name in the industry, and you’re likely picturing a male figure.” Deriving from this quote, we understand that only sometimes a female designer enters the lexicon that exemplifies knowledge and authorship. Often female names are paired with that of a man's. Examples are Denise Scott Brown and Robert Venturi, Harriet Pattison and Louis Kahn, Ray and Charles Eames, Norma Merrick Sklarek and César Pelli amongst others. The repercussions of the erasure of their authorship with improper credits in publications and reprints continue – although their design remains present until today – for Eileen Grey and Le Corbusier, Charlotte Perriand and Le Corbusier (Xenakis and Le Corbusier). The disappearance of their names resulting often in a presence as ghostly figures. This course seeks to give these iconic females (and the “ Other") their accolades. After all they have been changing the world of design since the beginning. Following the traces that still linger of these marginalised ancestors we will decolonize the glossary of design. The seminar might be accompanied with a physical text-object work titled ”Disruptive Bookmark”.
Der Kurs vermittelt die Grundlagen und Grundfertigkeiten des Siebdruckens und ist für Studierende aller Fachgruppen geeignet. Hand- und Maschinensiebdruck werden geübt.
Alle Teilnehmenden erhalten den Werkstattschein, der zur Benutzung der Siebdruckwerkstatt berechtigt. Die Teilnehmendenzahl ist auf 4 Studierende beschränkt.
Die Kurse finden in der vorlesungsfreien Zeit statt. Die Termine werden zum Ende der Vorlesungszeit per E-Mail bekanntgegeben. Danach bitte Anmeldung per E-Mail.
Ziel des Kurses ist, den Studierenden eine frische Perspektive auf das Zusammenspiel von Künstlicher Intelligenz und Kunst zu geben, dieses aktiv zu erleben und zu gestalten und so die Sinne für das Neue zu schärfen.

Scheinerwerb bei Abgabe eines KI-Kunstwerks. Die Teilnehmendenzahl ist begrenzt. Anmeldung an pfanz@hfg-karlsruhe.de
Die AG führt die Ergebnisse des gleichnamigen Seminars vom Sommersemester 2020 in Print- und Filmprojekten zum Abschluss. Die Gruppe trifft sich wöchentlich zur Abstimmung.

Scheinerwerb nur bei vorheriger Belegung möglich.
Der zweite Teil des Einführungsseminars Bildproduktion vertieft die Kenntnisse über die technischen Entwicklungen des Mediums Fotografie. Es werden fundierte Kenntnisse zur Bildentstehung, zu Kamerasystemen, zur Foto- und Aufnahmetechnik in Fotostudio, Softwareeinführung und Druck vertieft. Die in der Theorie erarbeiteten Themen und Zusammenhänge werden in praktischen Übungen gefestigt. Ein Neueinstieg ist bei bereits vorhandenen Grundkenntnissen möglich.
Im Sommersemester wollen wir uns gemeinsam die Grundlagen des Mediums Fotografie als technische und gestalterische Praxis erarbeiten. Anhand einer Kombination aus praktischer Einführung (Dunkelkammer, Kamera- und Softwareeinführung) sowie der Erarbeitung gestalterischer Grundlagen (fotografische Übungen zu Bildgestaltung) soll ein erstes Verständnis für Fotografie als Medium im Wandel der Zeit, von der Lichtspur bis zum Pixel, geschaffen werden. Vorgestellt werden die in der Fachgruppe verfügbaren Kamerasysteme von Kleinbild über Mittelformat bis Großformat, analog und digital. Die Einführung ermöglicht ein selbstständiges Arbeiten und ist Voraussetzung für das Ausleihen des Equipments.
Einführung und praktische Übungen mit den analogen Farb- und Schwarz/Weiß-Laboren der HfG. Außerdem wird analoge fotografische Praxis mit Großbild, Mittelformat und Kleinbild erprobt. Wir werden unter den Pandemie-Vorschriften im Innen- und Außenraum arbeiten. In einzelnen Projekten vertiefen wir die Praxis in den Bereichen (künstlerische) Portrait-, Objekt- und Landschaftsfotografie.
Einführung in die Videotechnik.
Einführung in die Struktur der Videostudios der HfG.
Beispiele mit praktischen Übungen.

Themen: Videoaufnahme, Videokamera, Tonaufnahme, Tonsysteme, Videosysteme, Videonormen, Videosignale, Monitore, Beamer, TV, Verkabelung, Analog <-> Digital, Videoschnitt, Datenformate, Datenraten, Codecs, SD, HD, ultraHD, 2k, 4k, 8k, 16k

Anmeldung (Betreff: Videokurs Anmeldung) an ds@hfg-karlsruhe.de

ACHTUNG:
Aufgrund der Einschränkungen wegen "Corona" ist die Teilnehmendenzahl begrenzt. Es können sich terminliche Veränderungen ergeben. Der Videokurs wird jedoch im Laufe des Semesters wiederholt, sobald die Corona-Situation dies erlaubt, und per E-Mail angekündigt.
Ergänzungen, Vertiefungen, Besprechungen, Scheinausgabe, usw. für ALLE Studierenden, auch aus dem ersten Semester, momentan nur zu Einzelterminen nach Absprache.
Die Fachgruppe Ausstellungsdesign und Szenografie wurde in diesem Jahr erneut zum internationalen Festivalcampus der Ruhrtriennale eingeladen. Zehn Studierende können an einem viertägigen Programm vom 9. bis 12. September teilnehmen. Die Studierenden fahren nicht als Gruppe, vielmehr ist der Festivalcampus so angelegt, dass sich Studierende unterschiedlicher internationaler Hochschulen aus den Bereichen Theater, Tanz, Szenografie, Dramaturgie und Theaterwissenschaft kennenlernen, während sie die künstlerischen Beiträge zur Triennale verfolgen und diskutieren. An drei Tagen des viertägigen Programms finden Workshops statt, in denen unter der Leitung eines Dozenten der beteiligten Hochschulen Aspekte des Programms vertieft werden.
Thema des Workshops ist die Beziehung zwischen der Kamera und dem Raum der Aufnahme sowie dem Raum der Projektion in inhaltlicher und in praktischer Weise.
Wir beschäftigen uns mit grundlegenden Fragen wie Blickverhältnissen, raum-zeitlichen Relationen sowie Verschränkungen von Innen- und Außenräumen. Die Kamera dient zunächst als Instrument der Raumanalyse. Wir untersuchen im Weiteren, ob und wann die Kamera selbst ein Performer sein kann. Welche Blickverhältnisse sind durch die vorhandene Architektur bereits determiniert und wie können diese wiedergegeben werden? Wer wird durch den Blick der Kamera repräsentiert, wessen Blick wird wiedergegeben? Repräsentiert die Kamera selbst den Blick des nicht sichtbaren Performers, wenn der Raum der Performance leer bleibt? Was würde sich durch den Einsatz einer 360 Grad Kamera verändern? Wir arbeiten in und mit der Außen- und Innenarchitektur der HfG und des Großen Studios. Im Zeitrahmen von einer Woche sollen alle Schritte von der Raumanalyse über Aufnahme und Schnitt bis zur Projektion geplant und durchgeführt werden. Neben der praktischen Arbeit bietet der intensive Workshop zahlreiche filmische Anschauungsbeispiele zu den angesprochenen Themen, speziell aus dem Experimentalfilm und der Aufführungspraxis.
Der Filmemacher und Musiktheaterregisseur Daniel Kötter setzt in seinen performativen Arbeiten stets Bewegtbild in sehr unterschiedlichen Formaten ein. Eine langjährige Zusammenarbeit mit Constanze Fischbeck (u.a. "state-theatre“) widmete sich dem Thema der Analyse von Bedingungen der Performativität in internationalen Theaterarchitekturen.

Dieser Kurs ist eine Wiederholung des Kurses aus dem Wintersemester 2020/2021.
Unser Navi leitet uns, Artificial Intelligence nimmt uns Entscheidungen ab und Algorithmen wissen schon früher als wir, wo wir hin wollen. Viele Wissenschaftler*innen befürchten, dass wir durch immer komplexere Orientierungshelfer*innen unsere Fähigkeiten der Orientierung, Selbstverortung und Navigation allmählich verlernen. Doch nicht nur im Alltag, besonders in unserer künstlerischen Praxis brauchen wir eine bewusste Gestaltung von Interaktion mit unserem Publikum, mit Besucher*innen und Nutzer*innen: Wie lenken wir Körper und Aufmerksamkeiten, wie navigieren wir durch tatsächliche und gedankliche Räume?
Drei Tage lang beschäftigen wir uns mit Strategien praktischer und sinnlicher Raumerfahrung und entwickeln eigene experimentelle Praktiken der räumlichen Navigation.

Vorherige Anmeldung erwünscht.
In dem Workshop wird es um Fragen der Inszenierung ungewohnter Materialien und deren Wirkungsvoraussetzungen gehen. Wie lassen sich haptische Eigenschaften in Installationen erfahrbar machen, wie können Materialtransformationen inszeniert werden? Wie beeinflussen Fragen von technischer Umsetzbarkeit, Budget, Ethik und Umweltverträglichkeit unsere Materialwahl und unser ästhetisches Verständnis? Welche Impulse gehen von Materialien aus und welche Grenzen ergeben sich aus Entscheidungen für bestimmte Materialien?
Im ersten Block werden wir uns mit Wahrnehmungs- und Beschreibungsübungen ein differenziertes Sprechen über Materialqualitäten erarbeiten sowie über Ressourcenverbrauch und eigene Interessen diskutieren. Für den zweiten Block soll eine Materialinszenierung erarbeitet werden, die dort vorgestellt und gemeinsam besprochen wird.
European Filmschool at the Universidad de Bellas Artes in La Laguna Teneriffe. The focus of the excursion is the staging of underwater spaces for film and VR. Divers licenses are appreciated or can be acquired during the excursion.

Verschiebung wegen Corona möglich.
Urbane Künste Ruhr ist eine vielgestaltige, dezentrale Institution, die Projekte im öffentlichen Raum, Ausstellungen, Residenz-Programme und Veranstaltungen in Zusammenarbeit mit lokalen und internationalen Kooperationspartnern initiiert.
Die Exkursion folgt den ausgestellten Videoinstallationen, Audiowalks und Performances in eine stillgelegte Zeche, eine ehemalige McDonald’s Filiale, den Badebereich des Silbersees und in den virtuellen Raum. Das Ausstellungsprojekt umfasst recherchebasierte und futuristische Auseinandersetzungen mit der Nutzung endlicher Ressourcen und thematisiert die damit einhergehenden ökologischen und gesellschaftlichen Aspekte.
Neben Diskussionen zu den besichtigten Arbeiten sind Treffen mit beteiligten Künstler*innen geplant.

Urbane Künste Ruhr is a multifaceted, decentralized institution that initiates projects in public spaces, exhibitions, events and residency programs in collaboration with local and international cooperation partners.
The excursion follows the exhibition trajectory of audio walks, video installations and performances into a disused coal mine, a former McDonald's, the swimming area of the lake Silbersee, and into virtual space. The exhibition project includes research-based and futuristic explorations of the use of limited resources and addresses the ecological and social aspects involved.
In addition to discussions on the visited works, meetings with participating artists are planned.

Limited number of participants. Registration until 30.04. via E-Mail.
Die Initiative "Urbane Praxis" ist ein Berliner Verbund, in dem Künstler*innen und Stadtaktivist*innen in Stadtlaboren und Campusprojekten Kooperations- und Gestaltungsformen stadträumlicher Transformation erproben (https://development.urbanepraxis.berlin). Im Sommer 2021 eröffnen über die Stadt verteilt sieben Campusanlagen. Das Stadtlabor CoCooN im Campus Baupalast am Dragonerareal in Berlin Kreuzberg bildet den Ausgangspunkt für unsere interdisziplinäre Forschung. CoCooN ist ein Ort zur Erforschung, Erprobung und Vermittlung der Erhaltung von urbanen, kollektiven und künstlerischen Praktiken und zugleich ein Bibliotheks- und Archivraum. Wir besuchen u.a. die Floating University, das ZK/U und das Haus der Statistik, um Strategien zu erarbeiten, mittels derer urbane Praktiken als Transformationsprozesse erhalten werden können. Diese werden wir vor Ort zugleich gemeinsam in experimentellen Settings (auch durch den Bau von Mobiliar) erproben. Das praxisorientierte Seminar verhandelt zum einen den Themenkomplex "Urbane Praxis“ und zum anderen die Frage nach der Erhaltung von ephemeren und kollektiven Praktiken sowie generell prozessorientierten Arbeiten.

Begrenzte Teilnehmer*innenzahl. Studierende, die am Seminar “Networks of Care. Praxis und Theorie zeitgenössischer Erhaltung” von Dr. Anna Schäffler teilnehmen, haben Vorrang.
Das Langzeitprojekt "Colonial Neighbors" des Berliner Kunstraums Savvy Contemporary begann als Aufruf an die Nachbarschaft zur Sammlung von "Objekten und Erinnerungsstücken, die mit Deutschlands kolonialer Vergangenheit assoziiert" werden können. Colonial Neighbors versteht sich als ein nichtstaatliches Archiv- und Dokumentationsprojekt; als eine Sammlung, die keine festgelegte Form finden soll, sondern als Plattform für Austausch und Dialog und als Ort für vielfältige Kollaborationen fungiert.
Die Objekte der Sammlung, aber auch andere materielle wie immaterielle Spuren der Geschichte (Worte, Lieder, Erinnerungsfragmente) werden als Mediatoren einer verflochtenen Geschichte verstanden.
Das Seminar "Vergessen“ beschäftigte sich im Wintersemester 2020/2021 mit dem Objekt und anderen materiellen wie immateriellen Erinnerungsspuren als Ausgangspunkt für Installationen und Performanceräume. Teil des Seminars "Vergessen" ist eine Kollaboration mit Savvy Contemporary Berlin (https://savvy-contemporary.com/de/pillars/colonial-neighbours/).

Die für den Abschluss des Seminars vorgesehene Exkursion nach Berlin mit Workshop bei SAVVY Contemporary ist für 7. bis 9. Mai geplant.
An drei Freitagen im Semester werden wir Ausstellungen besuchen und mit den Ausstellungsmacher*innen die Ausstellung, ihre Gestaltung, die Strategien der Vermittlung und die Arbeitsprozesse reflektieren.
Ziele der Exkursionen sind: Historisches Museum Frankfurt und Deutsches Architekturmuseum Frankfurt (07.05.), Kunstmuseum Basel und Cartoonmuseum Basel (11.06.), Staatliche Kunsthalle Baden-Baden und Sammlung Burda (23.07.).
Kurzfristige Änderungen sind möglich. Bei Interesse bitte E-Mail an trustemeyer@hfg-karlsruhe.de schicken.
Was ist eigentlich Bio Design und wie funktioniert das? Im Kurs werden die grundlegenden Prinzipien der (Mikro-)Biologie erläutert und im Diskurs des Bio Design verortet. Neben der theoretischen Einführung werden Equipment und Werkzeuge des BDL vorgestellt und notwendige Verhaltensweisen zum Arbeiten im Labor vermittelt. Ein praktischer Teil, in dem die Grundlagen sterilen Arbeitens experimentell erprobt werden, dient zur Fundierung des Gelernten.
Anmeldung erforderlich. Bei diesem Kurs erwerben die Studierenden die Berechtigung, im Bio Design Lab an den unterwiesenen Maschinen/Stationen zu arbeiten. Der Einführungskurs findet regelmäßig zu Beginn des Semesters statt sowie zusätzlich nach Absprache ab drei Teilnehmenden.

What actually is Bio Design and how does it work? In the course, the basic principles of (micro-)biology are explained and situated in the discourse of Bio Design. In addition to the theoretical introduction, equipment and tools of the BDL are presented and necessary behaviors for working in the laboratory are taught. A practical part, in which the basics of sterile work are tested experimentally, serves to substantiate what has been learned.
Registration required. In this course, students acquire the authorization to work in the Bio Design Lab at the instructed machines/stations. The introductory course takes place regularly at the beginning of the semester and additionally by arrangement with three or more participants.
Die Reihe "Literatur im Blauen Salon“, die das Literaturseminar in Kooperation mit dem Adam Seide Archiv veranstaltet, wurde ins Leben gerufen, um die im Seminar entwickelten Fragestellungen in der aktuellen Begegnung mit Schriftstellerinnen und Schriftstellern zu konkretisieren. Mittlerweile existiert die Reihe im fünfzehnten Jahr und erfreut sich auch über die Hochschule hinaus regen Interesses. Da die Möglichkeit, öffentliche Veranstaltungen durchzuführen, von der aktuellen Corona-Lage abhängig ist, können die einzelnen Veranstaltungstermine erst kurzfristig bekannt gegeben werden.

Der Eintritt ist frei.
Sicherheitstechnische Unterweisung gem. §4 DGUV. Vorschrift 1 "Grundsätze der Prävention“. Brandschutz, Hausordnung, Arbeits-und Gesundheitsschutz.
Pflichtveranstaltung für Studierende aller Fachgruppen zu Beginn des Studiums. Anmeldung zu einem der Termine erforderlich.
In Performances, Installationen, Workshops wird der Zwischenstand von studentischen Arbeiten gezeigt, die während des Semesters entstehen.

Veranstaltung zur Mitte des Semesters. Studentische Organisation und Beteiligung.
Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
rOundabOut – 2021 ist das audiovisuelle Konzert zum Rundgang der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Studierende führen ihre Kompositionen und Arbeiten auf. Das Spektrum ist offen und reicht von elektroakustischen Kompositionen über audiovisuelle Kompositionen, Laptopmusik bis zu Live-Bands und neuer komponierter Musik. rOundabOut – 2021 ist eine Plattform zur Artikulation von Ideen. Die Bühne ist Frei- und Realisationsraum für künstlerische und musikalische Vorgaben und Ziele der Studierenden.

Konzerte zum Rundgang. Studentische Organisation und Beteiligung.
Nach Absprache mit den Dozenten können Teilnehmende bewertbare Seminararbeiten bzw. Seminarvorträge übernehmen.
Ein bis zwei internationale Gäste werden im Sommersemester eingeladen, um das Zeitbild-Lab international weiter zu vernetzen.
One or two international guests will be invited in the summer semester to further network the Zeitbild-Lab internationally.

Offen für Studierende aller Fachgruppen. / Students from all departments are welcome. Deutsch, Englisch u.a. bei Bedarf. / German, English a.o. if necessary.
In Zusammenarbeit mit der Kinemathek Karlsruhe bietet das Zeitbild-Lab die Möglichkeit, eine Brücke zwischen Filmen der HfG-Studierenden und einem Karlsruher Publikum zu bauen. Filme, die in Karlsruhe gedreht wurden oder einen Bezug zur Stadt haben, werden in der Kinemathek vorgeführt (analog oder via stream). Studierende werden in moderierten Gesprächen mit dem Publikum aus Karlsruhe in Kontakt treten, um ihre Arbeiten zu besprechen.

In cooperation with the Kinemathek Karlsruhe, the Zeitbild-Lab offers the opportunity to build a bridge between films by HfG students and the Karlsruhe audience. Films that were shot in Karlsruhe or have a connection with the city will be screened at the Kinemathek (analogue or via stream). Students will engage in moderated conversations with the Karlsruhe audience to discuss their work.

Offen für Studierende aller Fachgruppen. / Students from all departments are welcome. Deutsch, Englisch u.a. bei Bedarf. / German, English a.o. if necessary.
Wie jeder Semester werden auch am Ende des Sommersemesters die inzwischen etablierten Präsentationen der aktuellen filmischen Arbeiten der HfG stattfinden, die sich bei unseren regelmäßigen Calls um eine Förderung des Zeitbild-Labs bewerben. Eine Pitch-Übung.

As every semester at the end of the summer semester will take place the now-established presentations of current HfG-film works applying at our regular calls for Zeitbild Lab funding. A pitch exercise.

Offen für Studierende aller Fachgruppen. / Students from all departments are welcome. Deutsch, Englisch u.a. bei Bedarf. / German, English a.o. if necessary.
Die in den letzten drei Semestern entstandenen Filmübungen der Seminare „Mittel der Bildgestaltung – Von der Idee zur filmischen Erzählung“ mit Ute Freund, „Tagebuch Filme – eine Montage Übung“ mit Eva Hartmann und „Kräfte“ mit Fred Kelemen möchten wir im Sommer gemeinsam mit den Studierenden zeigen. Die Filmvorführungen werden im Hfg webmail Verteiler angekündigt und hochschulöffentlich gezeigt.
Einführung in alle Lehrveranstaltungen der Fachgruppe Ausstellungsdesign und Szenografie im Sommersemester 2021.
Welche Rolle spielen das räumliche Setting und der Ort bei der Inszenierung einer Performance? Wie kann eine Live-Performance durch digitale Medien erweitert werden? In diesem Workshop werden wir Strategien des Umgangs mit Raum und Örtlichkeit, Publikumsdisposition und Atmosphären in Bezug auf Live-Performance untersuchen. Möglichkeiten der Integration von Video, Sound und Archivmaterial für hybride Live-Formate spielen ebenso eine Rolle wie Fragen der Dokumentation. Die Lehrveranstaltung versteht sich als szenisches Projekt, dessen Teilnehmer*innen aufgefordert sind, im Laufe des Semesters eigene performative Skizzen zu entwerfen und zu realisieren, allein oder in der Gruppe. Das Seminar kann nur in Verbindung mit dem Seminar "Autobiographie – Performance – Raum" belegt werden.

What role do the spatial setting and location play in the staging of a live performance? How can the live performance be extended through digital media? In this workshop we will explore spatial strategies of dealing with location and site, performer/audience formations and atmospheres in relation to live performance. We will look at ways of integrating film, sound, and archival material in a live event, as well as questions of documentation.The workshop is intended as a scenic project whose participants are asked to design and realise their own performative sketches, alone or in a group, during the course of the semester, and can only be taken in conjunction with the seminar “Autobiographie – Performance – Raum”.
Was bedeutet es, "sich selbst“ als Ausgangspunkt für eine Performance zu setzen? Die eigene Biographie, ein konkretes Erlebnis oder eine Erinnerung, eine eigene Position als Material für ein Publikum zu bearbeiten? Im Szenischen Projekt "Autobiographie – Performance – Raum“ wollen wir anknüpfen an das aus der US-amerikanischen Performance Art der 1960er und 1970er stammende und bis heute verbreitete Genre der Auto-Performance, in dem Künstler*innen wie Marina Abramović, Spalding Gray, Guillermo Gómez-Peña, Antonia Baehr, Tucké Royale und viele andere Stücke auf der Basis der eigenen Lebenserfahrung entwickeln, nicht selten, um marginalisierten oder sanktionierten Aspekten der je selbst empfundenen Identität Form und Ausdruck zu geben.
Die Lehrveranstaltung versteht sich als szenisches Projekt, dessen Teilnehmer*innen aufgefordert sind, im Laufe des Semesters eigene performative Skizzen zu entwerfen und zu realisieren, allein oder in der Gruppe. Besonderes Augenmerk wird hierbei auch auf den szenographischen Raum gelegt, in dem die Stücke entstehen. Nach einigen regelmäßigen Kontext- und Konzeptionssitzungen während der Vorlesungszeit sollen die Performances während einer längeren Umsetzungsphase im Zeitraum 20.09.-02.10. – in der HfG, in Karlsruhe – zur Aufführung gebracht werden.
Der Intertuesday ist ein hochschulöffentlicher Raum, in dem Studierende und Alumini, Lehrende und Gäste in kurzen Vorträgen ihre aktuellen Recherchen und Projektarbeiten vorstellen und diese zur Diskussion stellen.
Monatlicher Austausch zwischen Studierenden oder Alumni mit filmischen Projekten, die vom Zeitbild-Lab bereits gefördert wurden, und aktuellen Studierenden, die an filmischen Projekten arbeiten und ihre Bewerbungen für den anstehenden Call vorbereiten möchten.

Monthly exchange between students or alumni with film projects that have already been funded by Zeitbild-Lab and current students working in film projects, who are preparing their applications for the upcoming call.

Offen für Studierende aller Fachgruppen. / Students from all departments are welcome. Deutsch, Englisch u.a. bei Bedarf. / German, English a.o. if necessary.
Studierende und Lehrende der Fachgruppe Ausstellungsdesign und Szenografie präsentieren in kurzen Vorträgen ihre aktuellen Arbeiten und stellen diese zur Diskussion.
Das offene Kolloquium richtet sich an Interessierte aus allen Fachgruppen mit dem Ziel, Projekt-, Prüfungs- und Abschlussfragen zu diskutieren, darin eingeschlossen die Themenfindung, Konzeption und Recherche, der Umgang mit Fachliteratur und die Gliederung und Formulierung von Texten.

Nach dem Eindringen in die Obskurität des Schwarzen Feldes der Filmkunst und seiner Erforschung, beginnt sich die Dunkelheit zu lichten, die Augen beginnen zu sehen, der Geist orientiert sich, Räume öffnen sich, die kreative Kraft wirkt organisierend ein, alles nimmt Gestalt an, die Imagination gebiert Wirklichkeiten und belebt damit das Fluidum der Zeit, der Wille schöpft konkretes filmisches Leben. Das Schwarze Feld ist zu einem Weißen Feld geworden, in dessen Weite durch künstlerische Entscheidungen und Aktionen filmische Arbeiten entstehen und sie füllen.

In diesem Seminar werden die im Theorie-Seminar "Das Schwarze Feld" und den zwischen beiden Seminaren liegenden Wochen erarbeiteten und vorbereiteten Filme zum Thema „IDENTITÄT 2020“ gedreht. Die Studierenden sind eingeladen, unter Verwendung der poetischen Mittel der Filmkunst insgesamt bis zu sechs Filme jedweder Form zu drehen, frei von schwerfälliger Produktionsmaschinerie, als direkte, persönliche Reflexionen im Hier und Jetzt.

Die Anzahl der zu drehenden Filme ist auf sechs begrenzt. Die Teams werden aus der Gruppe der teilnehmenden Studierenden gebildet und sollten eine notwendige Anzahl nicht unterschreiten. Vom Drehende bis zum Ende des Sommersemesters sollen die Feinschnitte der Filme erstellt werden. In dieser Phase der Postproduktion finden individuelle Konsultationen zu den Schnittversionen statt.

Anmeldung per Mail bis zum 21.05.

Neueinsteiger wie auch Studierende aller Fachgruppen mit Grundkenntnissen in Cinema 4D sind herzlich willkommen. Auch in diesem Semester beschäftigen wir uns mit den Themen Modellierung, Visualisierung, Animation und Umsetzung von 3D-Aufgaben. Hauptsächlich werden wir in Cinema 4D und Redshift arbeiten, jedoch auch die Schnittstelle zu anderen 3D-Programmen herstellen.

Dieser Kurs ist die Fortsetzung von "Basics Organic 3D" aus dem Wintersemester 2020/2021.
Eine kleine Präsentation eigener Arbeiten ist Voraussetzung für den Scheinerwerb.
Grundkenntnisse in der 3D-Software "Rhinoceros" sind Voraussetzung für dieses Seminar. Es werden kompliziertere Freiflächenmodelle vorwiegend aus dem Bereich Produktdesign erstellt. Voraussichtlich wird es einen kleinere Abschnitte zu den Themen "Parametrisches Design" mithilfe des Plugins "Grasshopper", CNC bzw. CAM, 3D-Druck, Visualisierung und technisches Zeichnen geben. Anhand von kleinen Übungsaufgaben werden neue Modelliertechniken erlernt und vertieft.

Dieser Kurs ist die Fortsetzung des Kurses "Grundlagen der technischen 3D-Modellierung" aus dem Wintersemester 2020/2021.
Eine kleine Präsentation eigener Arbeiten ist Voraussetzung für den Scheinerwerb.
Während der drei Termine werden Grundlegendes zu Farbe und Farbraum vermittelt, der eigene Monitor kalibriert, ICC-Profile besprochen und Programmeinstellungen vorgenommen.

Die Teilnehmendenzahl ist auf 4 Studierende beschränkt. Anmeldung per E-Mail.
Es werden Grundlagen und technische Anwendungen erlernt. Optische Größen, analoges Fotolabor, Experimente. Blitzlicht, Kunstlicht, Tageslicht, analoge und digitale Fotokameras, Dateiformate. Aufgaben und Übungen mit Hilfe der hochschuleigenen Technik.

Der Kurs ist verpflichtend für die Studierenden im zweiten Semester Kommunikationsdesign. Die Teilnehmenden erwerben einen Grundlagenschein.
Projektbezogen werden die benötigten Maschinen und Techniken vorgestellt, dabei steht das sichere, fachgerechte und bewusste Arbeiten an Maschinen und Werkzeugen im Vordergrund. Den Studierenden werden die Sicherheitsbestimmungen an Maschinen erläutert und die Gefahren aufgezeigt und sie erhalten Betreuung und bei Bedarf Hilfestellung bei Vorgehen und Ausführung.
U.a. Metallwerkstatt, Schweißen/Hartlöten, Kunststoff- und Gießtechnik, Lackieren, Sandstrahlen, Drehmaschine, Fräsmaschinen

Erwerb eines Grundlagennachweises möglich bei Nachweis über 70 Projektstunden.

Offen für Studierende aller Fachgruppen.